▍跨越國界的舞蹈饗宴・中正高中舞蹈班再度驚豔佛羅倫斯 ▍Style & Culture ・Florence Dance Festival

台北市中正高中舞蹈班再度受邀挑戰國際舞台,參與2025佛羅倫斯舞蹈藝術節展現臺灣青春優雅魅力
La classe di danza del Liceo Zhong-zheng di Taipei è stata nuovamente invitata a sfidare il palcoscenico internazionale, partecipando al Florence Dance Festival 2025 per mostrare l’eleganza e la giovinezza di Taiwan.

撰文者/photo credit:Gogo.W

臺北市立中正高中舞蹈班連續受邀,挑戰國際舞台,今年再度亮相義大利佛羅倫斯舞蹈藝術節(Florence Dance Festival, FDF),以動人肢體語彙綻放臺灣學生的青春光芒與優美身段,受歐洲觀眾熱烈掌聲肯定。
La classe di danza del Liceo Municipale Zhongzheng di Taipei è stata invitata ancora una volta a sfidare il palcoscenico internazionale, partecipando quest’anno al Florence Dance Festival (FDF) in Italia, esprimendo con gesti vibranti e raffinati tutta la luce e la bellezza della gioventù taiwanese, ottenendo calorosi consensi dal pubblico europeo.

成立超過35年的佛羅倫斯舞蹈藝術節,是義大利最具盛名且歷史悠久的現代舞盛事。由創始人與前國際知名舞者 Keith Ferrone與Marga Nativo 共同創辦,主要演出場域選在佛羅倫斯地標之一的「 Basilica di Santa Maria Novella新聖母大殿」進行。該藝術節融合古典與當代舞蹈,致力打破藝術與大眾之間的隔閡,推動多元舞蹈表現與國際間深度交流。
Fondato oltre 35 anni fa, il Florence Dance Festival è uno degli eventi di danza moderna più prestigiosi e longevi d’Italia. Creato dai curatori e rinomati ballerini signore Keith Ferrone e signora Marga Nativo, lo spettacolo si svolge nella storica Basilica di Santa Maria Novella, uno dei simboli di Firenze. Il festival coniuga danza classica e contemporanea, con l’obiettivo di abbattere il muro tra arte e pubblico, promuovendo espressioni artistiche diversificate e un intenso scambio internazionale.

中正高中作為臺灣少數設有正式舞蹈班的中學,近年來在校長江惠真帶領下,積極推動校園藝術國際化,鼓勵學生勇敢走向世界舞台。此次師生一行不僅參與FDF的舞蹈演出,也深入參加大師班與舞蹈交流工作坊,透過浸潤式的訓練與學習,跨越年齡與文化,將內心情感巧妙轉譯為動人肢體語言。
Il Liceo Zhongzheng, una delle poche scuole superiori di Taiwan dotate di un corso formalizzato di danza, negli ultimi anni si è impegnato a internazionalizzare l’arte scolastica sotto la guida della preside Jiang Huizhen, che incoraggia gli studenti a confrontarsi con il mondo. In quest’occasione, insegnanti e studenti non solo hanno preso parte alle esibizioni e ai laboratori del FDF, ma hanno vissuto un’esperienza immersiva di formazione, superando le barriere generazionali e culturali, traducendo emozioni interiori in potenti linguaggi corporei.

2025年夏季,適逢江校長任期即將結束,帶領舞蹈班同學出訪歐洲,同時也帶領美術班學生赴佛羅倫斯美術學院進行跨領域學習與文化交流。江校長表示:「我們的學生是臺灣的代表隊,這趟旅程是搭建中西文化交流橋樑的珍貴窗口。」
Nell’estate 2025, con il termine del mandato della preside Jiang, lei ha guidato la delegazione non solo degli studenti di danza ma anche quelli del corso di arti visive verso l’Accademia di Belle Arti di Firenze per uno scambio culturale interdisciplinare. La preside ha dichiarato: «I nostri ragazzi sono la squadra rappresentativa di Taiwan, e questo viaggio è un prezioso ponte per lo scambio tra culture orientali e occidentali.»

舞者劉育榕分享,芭蕾大師班由國際著名舞者Marga Nativo親授,「老師除了強調動作細節與精準度,更注重我們如何表達情感以及感受音樂所帶來的動作張力。」現代舞課程則由當代編舞家Angelo Egarese指導,引領學生探索肢體的多樣質感與律動,激發個人獨特舞蹈語言,並與國際舞團共創舞作,迸發創新火花。
La studentessa Liu Yurong ha condiviso la sua esperienza: «Durante la lezione di balletto tenuta dalla celebre Marga Nativo, l’insegnante non si concentra solo sui dettagli e la precisione dei movimenti, ma anche su come esprimere emozioni e sentire la tensione del movimento in sintonia con la musica.» Nel corso contemporaneo, diretto dal coreografo Angelo Egarese, gli studenti hanno esplorato diverse qualità del movimento, sviluppando un proprio linguaggio artistico e collaborando con compagnie internazionali per creare nuove coreografie, accendendo scintille di creatività.


“親人在遠方,我們彼此思念牽掛,但知曉各自安好”

Al sorgere dell’alba, arrotola le tende ghiacciate.
Scalda le mani e si prova il trucco nello stile del fiore di prugno.
Prova malinconia perché il suo amante non è più lì.
Si disegna le sopracciglia lunghe, come catene montuose.


《遠山 Montagne lontane

當晚,中正高中舞蹈班同學以《遠山》這齣舞作壓軸演出由韋紫翎編舞,遠山含笑、春水綠映的寫意情境,透過舞者們好似自然山形的身段動作與舞蹈語彙表現出 “親人在遠方,我們彼此思念牽掛,但知曉各自安好”的文學意境。
Quella sera, gli studenti della classe di danza del Liceo Zhong-zheng hanno chiuso lo spettacolo con la coreografia 《Montagne Lontane》, creata dalla coreografa Wei Ziling. L’atmosfera pittorica, con montagne che sorridono e acque primaverili verdeggianti, viene resa attraverso movimenti e posture dei danzatori che ricordano la sagoma naturale delle montagne. L’opera esprime il sentimento letterario di “avere cari lontani, sentirsi vicini nel pensiero e nell’affetto, pur sapendo che ognuno sta bene nel proprio luogo.”

photo credit: Gogo.W

李佳育同學分享,「我們運用舞蹈動作與飄扇來表達對彼此的思念,穿著一套綠色系的衣服來表達青山綠水。」整體服裝的設計傳達出一種「靜謐而生動」的動態美,藉由絲織材質的選擇帶出湖面波光般輕盈飄逸的律動感,配合飄扇靈動的特質,猶如思念之意隨風吹過遠山樹梢,從視覺與聽覺中時刻傳達含蓄內斂的思念情意。
La studentessa Li Jiayu ha condiviso: “ Abbiamo utilizzato movimenti di danza e ventagli leggeri per esprimere il nostro affetto e la nostalgia reciproca, indossando abiti nei toni del verde per rappresentare le montagne verdi e le acque cristalline.” Il design complessivo dei costumi trasmette una bellezza dinamica, «tranquilla ma vivace». La scelta di tessuti di seta evoca la leggerezza e la fluidità delle increspature sulla superficie del lago. Insieme alla delicatezza e al movimento dei ventagli, si crea l’effetto di un sentimento di nostalgia che si diffonde dolcemente come il vento che accarezza le cime degli alberi lontani, comunicando con discrezione e profondità questa emozione sia visivamente che nell’atmosfera sonora.

事隔三年與佛羅倫斯的情誼,是對該校舞蹈教育及學生努力最好的肯定。藝術是一種跨越語言與文化的力量,期盼透過舞蹈與藝術,將臺灣青年的活力和創意帶到國際舞台,與世界分享屬於臺灣學子的故事。
Il viaggio a Firenze di quest’anno è il frutto di un rapporto profondo e duraturo tra il Liceo Zhong-zheng e il panorama internazionale della danza, nonché un riconoscimento del duro lavoro e della qualità dell’insegnamento della scuola. L’arte supera tutte le barriere linguistiche e culturali: il Liceo Zhong-zheng aspira a portare l’energia e la creatività dei giovani taiwanesi sul palcoscenico mondiale, condividendo con il mondo le emozionanti storie degli studenti di Taiwan.

La squadra del Liceo Zhong-zheng con i fondatori del Florence Dance Festival e lo staff. photo credit: Gogo.W


⟥懶人包・義大利國/公立博物館免費參觀清單 ⟤

義大利好康道相報,走過路過不要錯過,全境每個月的第一個禮拜天,大家可以免費參觀義大利許多熱門的博物館、美術館、古堡、紀念公園、別墅莊園。

2024年快到尾聲了!2025年的更新我們一次為大家重新整理,上架成簡單的懶人包,讓熱愛文化之旅的人可以在享受藝術薰陶的同時也省下一筆費用,不過有些熱門的博物館需要提前預約,即使沒有搶到門票也可以以其他不錯的景點做替換。

義大利文化部官方網頁總整理https://cultura.gov.it/domenicalmuseo

如果懶得看義大利文翻譯中文的話,請跳過,直接跳到下面!


免費日期統整⤵

【2024】:9月1日、10月6日、11月3日、12月1日。

【2025】:1月5日、2月2日、3月2日、4月6日、5月4日、6月1日、7月6日、8月3日、9月7日、10月5日、11月2日、12月7日。


⟢ 米蘭 ⟣

需要“提前線上預約“

  • 布雷拉美術館 Pinacoteca di Brera

    布雷拉美術館 Pinacoteca di Brera 是義大利最重要的古代和現代美術館之一,位於米蘭的 Palazzo di Brera 內的二樓,一樓為米蘭布雷拉美術學院Accademia di Belle d’Arte。美術館由拿破崙於 1809 年創立,展出 13 世紀至 20 世紀的傑作,包括拉斐爾、卡拉瓦喬、曼特尼亞和海耶茲的作品
  • 米蘭博物館・最後的晚餐 Museo del cenacolo Vinciano

    Museo del Cenacolo Vinciano 位於米蘭的 Santa Maria delle Grazie 修道院內,專門展示達芬奇於 1494 年至 1498 年間創作的經典壁畫《最後的晚餐》以及 Donato Montorfano 的受難圖。
  • 阿瑪尼博物館 Armani Silos

    Armani Silos 是位於米蘭專門展示時裝的展覽空間,於 2015 年開幕,以慶祝 Giorgio Armani 40 年的時裝生涯。佔地 4500 平方公尺,館內收藏了從 1980 年至今的 600 件洋裝和 200 件飾品,除了永久收藏外,博物館還舉辦臨時性展覽,並設有書店和咖啡廳。平常開放時間為週三至週日

“不”需要預約

  • 二十世紀博物館 Museo del Novecento

    二十世紀博物館 Museo del Novecento 位於米蘭的 Palazzo dell’Arengario 內,收藏有 400 多件 20 世紀藝術作品,於 2010 年開幕。博物館提供探索主要藝術潮流的展覽行程,從未來主義到窮人藝術,並包括臨時展覽和教育活動的空間。
  • 斯卡拉廣場畫廊 Gallerie d’Italia Milano

    Gallerie d’Italia Milano 沿著連接斯卡拉廣場、曼佐尼和莫羅內之間三座歷史悠久的建築內,8,300 平方米的空間展示19世紀和20世紀的義大利藝術,包含兩條常設展覽路線,分別是「從卡諾瓦到博丘尼」和「二十世紀工地」,並定期舉辦特展和文化活動 。
  • 斯福爾扎古堡暨博物館 Museo del Castello Sforzesco

    斯福爾扎古堡暨博物館 Museo del Castello Sforzesco 是米蘭的主要博物館之一,其建築建於15世紀,是米蘭歷史的象徵,博物館收藏了從雕塑到繪畫的大量藝術作品,其中包括達芬奇和米開朗基羅等藝術家的作品,除了常設展覽並提供臨時展覽和文化活動的空間。
  • 米蘭公民水族館 Acquario Civico

    米蘭公民水族館 Acquario Civico di Milano 是歐洲最古老的水族館之一,於 1906 年落成,位於 Parco Sempione 內,淡水和海水水槽中收藏了 100 多種水生生物。博物館開放時間為週二至週日,平常時候票價為 5 歐元(優惠票 3 歐元),週末建議預約。
  • 路易吉・羅瓦帝基金會藝術博物館 Fondazione Luigi Rovati

    路易吉・羅瓦蒂基金會是一個位於米蘭的文化機構,收藏了伊特魯里亞和當代藝術作品,內部建築裝潢採用現代化和可持續發展的設計。這個博物館提供永久性和臨時性展覽,有咖啡館、書店和活動空間。

⟢ 佛羅倫斯 ⟣

“不”需預約,提早到現場排隊領票

  • 烏菲茲美術館Gallerie degli Uffizi (建議提早去售票處“領取門票”)

    烏菲茲美術館Gallerie degli Uffiz 是世界上最著名和最重要的藝術博物館之一,收藏了波提切利 (Botticelli)、米開朗基羅 (Michelangelo) 和達芬奇 (Leonardo da Vinci) 等文藝復興時期重要藝術家的作品。可以說是佛羅倫斯必訪的美術館前三位!
  • 彼提宮暨波波里花園 Palazzo Pitti con Giardino di Boboli(建議提早去售票處“領取門票”)

    彼提宮和波波里花園是佛羅倫斯最著名的景點之一;皮蒂宮始建於1458年,最初為富商盧卡・皮蒂所有,後被美第奇家族收購作為公爵府邸。宮內收藏了大量文藝復興時期的藝術珍品。波波利花園位於皮蒂宮後方,是義大利最大的露天博物館之一,擁有豐富的植被和噴泉。免費票卷可以一次欣賞到建築、藝術和自然風光。
  • 學院美術館 Galleria dell ’Accademia(建議提早去售票處“領取門票”)

    學院美術館,主要收藏了米開朗基羅的雕塑作品,尤其是他的代表作品《大衛》。美術館於1784年由佛羅倫斯大公彼得・利奧波德一世創立,最初是為了供美術學院的學生學習使用。除了米開朗基羅的作品,美術館還收藏了15-16世紀的繪畫作品,以及13-16世紀的托斯卡納繪畫。是佛羅倫斯第二大最受歡迎的藝術博物館
  • 巴傑羅美術館 Museo Nazionale del Bargello

    巴傑羅美術館Museo Nazionale del Bargello 又名巴傑羅宮、人民宮,曾經用作軍營和監獄,是義大利最重要的雕塑博物館之一。館內收藏有米開朗基羅的不少作品,例如《巴卡斯》、《聖母和聖嬰》。還有多那太羅(Donatello)的大衛像和聖喬治像,詹波隆那(Giambologna)的《L’Architettura和Mercurio》等。
  • 國立考古博物館 Museo Archeologico Nazionale di Firenze

    佛羅倫斯・國家考古博物館Museo Archeologico Nazionale di Firenze。位於聖・安努齊亞塔廣場的克羅切塔宮,成立於1870年,是義大利最古老的考古博物館之一。館內收藏了大量的伊特魯里亞、羅馬和希臘文物,以及重要的埃及文物,展示了古代文明的豐富遺產。
  • 美第奇小聖堂 Cappelle Medicee

    美第奇小聖堂 Cappelle Medicee 是佛羅倫斯聖・洛倫索聖殿(Basilica di San Lorenzo)的兩座擴展建築,建於16-17世紀,為托斯卡尼大公美第奇家族專用。其中包含由米開朗基羅設計的「新祭衣間」以及「王子小聖堂」皆建於17世紀初,用作美第奇家族成員的陵墓。
  • 卡斯特洛美第奇別墅 Villa Medicea di Castello (需提前線上預約,每次參觀人數有限)

    卡斯特羅美第奇別墅Villa Medicea di Castello 於1477年被美第奇家族收購,這座別墅曾是文藝復興時期的重要文化中心,著名藝術作品如波提切利的《維納斯的誕生》曾在此創作。如今,別墅是義大利語學術機構克魯斯卡學院的所在地,對外開放的花園則展示了豐富的植物和雕塑。

⟢ 羅馬 ⟣ 全義大利免費參觀展館與景點最多的城市,下列為精選集

需要提前“線上預約”

  • 萬神殿Pantheon(可以線上預約,也可以現場排隊領票)

    萬神殿,又譯萬神殿、潘提翁神殿,是一座古羅馬時期的宗教建築,後改建為教堂。公元609年,東羅馬帝國皇帝將萬神殿獻給教宗波尼法爵四世,後者將它更名為聖母與諸殉道者教堂(Santa Maria ad Martyres),這也是今天萬神殿的正式名稱。由於其完美的古典幾何比例,萬神殿被米開朗基羅譽為「天使的設計」。
  • 國立古代藝術美術館—巴貝里尼宮和柯西尼宮Galleria Nazionale d’Arte Antica (GNAA)

    國家古代藝術畫廊是羅馬的博物館,收藏了義大利最重要的古代繪畫收藏之一,包括拉斐爾(Raffaello)、卡拉瓦喬(Caravaggio)和提香(Tiziano)等藝術家的作品。
  • 柏格賽美術館 Museo e Galleria Borghese

    美術館主要收藏義大利文藝復興和巴洛克繪畫。美術館的建築在歷史上曾是波格賽家族的住所,於1613年開始施工,1620年完工;1903年之後,成為義大利的國立美術館,以收藏世界上數量最多的卡拉瓦喬(Caravaggio)作品以及大量貝尼尼(Bernini)雕塑聞名。

“不需”預約,提早到現場排隊領票

  • 羅馬競技場+古羅馬廣場+帕拉迪諾山Colosseo + Foro Romano + Palatino(現場在競技場售票處排隊取票,唯獨不能進入地下宮殿)
  • 卡拉卡拉浴場 Terme di Caracalla

    卡拉卡拉浴場Terme di Caracalla 建於公元216年,為羅馬最龐大且保存最完好的古代溫泉之一,擁有壯觀的建築元素,如熱浴室(caldarium)、溫浴室(tepidarium)和冷浴室(frigidarium)。如今,該遺址設有遊客中心、主題花園,並舉辦當代藝術展覽,為遊客增添歷史體驗。
  • 聖天使堡 Castello Sant’Angelo

    聖天使城堡Castello Sant’Angelo 最初建於公元 123 年,是哈德良皇帝的陵墓,幾個世紀以來已轉變為堡壘和教皇住所。如今,它成為聖天使城堡國家博物館,展示古代文物、文藝復興時期的壁畫,並從其露台上欣賞羅馬的壯麗景色。遊客可以探索其豐富的歷史,包括臭名昭著的地牢和通往梵蒂岡的秘密通道 Passetto di Borgo。
  • 國立伊特魯斯坎博物館 Museo Nazionale Etrusco

    國立伊特魯斯坎博物館 Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia 位於羅馬的維拉朱利亞,專門展示伊特魯斯坎和法利斯坎文明的文物。博物館收藏了許多重要的藝術品,包括著名的《新婚夫婦石棺》(Sarcofago degli Sposi)和皮爾基金字塔金板,這些都是前羅馬義大利最古老的銘文之一。
  • 羅馬國家博物館(馬西莫宮、阿爾滕普斯宮、巴爾比墓穴、戴克里先浴場)Museo Nazionale Romano (Palazzo Massimo, Palazzo Altemps, Crypta Balbi, Terme di Diocleziano )

    羅馬國家博物館 Museo Nazionale Romano 由四個分館組成,分別位於馬西莫宮、阿爾滕普斯宮、巴爾比墓穴、戴克里先浴場,專注於古羅馬的考古學。該博物館成立於1889年,收藏了從公元前5世紀到公元3世紀的豐富文物,包括雕塑、馬賽克和古幣。
  • 斯帕達宮Galleria Spada

    斯帕達宮(Palazzo Spada)宮殿內擁有大量的藝術收藏品,開闢為斯帕達畫廊(Galleria Spada)。藏品最初由樞機主教貝納迪諾·斯帕達收集於17世紀,他的兄弟維爾吉利奧·斯帕達(1596年至1662年)和侄孫樞機主教Fabrizio斯帕達(1643年至1717年)陸續增加。

▛ 小知識:梵蒂岡博物館 Musei Vaticani是每個月“最後一個”週日免費入場,開放時間只有上午9:00-12:00可以取票,下午2:00之前要離開。每個月週日只有這天有開放,建議一大早就去排)▟


⟢ 威尼斯 ⟣

“不需” 線上預約,提前到現場排隊領取門票

  • 學院美術館Gallerie dell’Accademia Venezia

    威尼斯最著名的博物館,同時作為美術學院的一部份,專門收藏19世紀左右威尼斯與北義地區的藝術作品,其中收藏了達文西著名的畫作《維特魯威人》。
  • 國家考古博物館 Museo Archeologico Nazionale

    博物館建於16世紀,位於新檢察院。收藏有大量古羅馬希臘時期的雕塑、古錢幣、稀世珍寶、青銅器以及不同時期的精美陶器。
  • 東方藝術博物館 Museo d’Arte Orientale + Ca’ Pesaro-Galleria Internazionale d’Arte Moderna
  • 黃金宮—喬治・弗朗凱蒂博物館Ca’ d’Oro – Museo di Giorgio Franchetti

    又稱金宮,威尼斯最負盛名的晚期哥德式建築之一。1916年喬治・弗朗凱蒂男爵將大量的收藏品贈與義大利政府,現今為公眾開放。
  • 格里馬尼宮博物館Palazzo Grimani

    一座古老的貴族宮殿,於2008年成立國家博物館向公眾開放,主要以建築設計、裝飾風格與歷史故事而聞名。
  • 阿爾蒂諾國家考古博物館Museo Nazionale Archeologico di Altino

    博物館保存了阿爾蒂諾最具代表性的考古發現,與遺址一起被列入聯合國教科文組織的世界遺產項目中“威尼斯及其潟湖”。收藏著銘文、陪葬石碑以及玻璃製品,博物館經常性會舉辦主題展覽,為公眾開放。
  • 皮薩尼別墅國家博物館 Museo Nazionale Villa Pisani

    貴族皮薩尼家族奢華的別墅,可謂是世界著名的威尼斯別墅「又稱“女王”」。位於布倫塔海岸沿岸,可以說是威尼斯大運河在陸地上的完美延伸,諾大的建築如今成為國家博物館,保存了18與19世紀的藝術作品與傢俱。

⟢ 拿坡里 ⟣

“不需” 線上預約,提前到現場排隊領取門票

  • 拿坡里國立考古博物館 Museo Archeologico Nazionale di Napoli 【不推,如果真的想朝聖就免費的時候再去!】

    拿坡里國立考古博物館 Museo Archeologico Nazionale di Napoli 是世界上最重要和最獨特的考古博物館之一,收藏豐富,包括法爾內塞收藏的雕塑、維蘇威火山附近(特別是龐貝、赫庫蘭尼姆和斯塔比亞)的發現以及埃及收藏。博物館每年吸引數十萬遊客,展出約18,000件文物,包括壁畫、伊西斯神廟、馬賽克、日常生活用品、龐貝模型、法爾內塞收藏的雕塑和寶石、秘密室藏品、錢幣、銘文以及其他考古收藏。
  • 那不勒斯王宮 Palazzo reale di Napoli(免費期間暫停參觀屋頂花園)

    那不勒斯王宮 Palazzo Reale di Napoli 位於歷史悠久的普雷比西托廣場,最初於1600年為西班牙國王菲利普三世建造,後來成為重要的王室居所。宮殿內部擁有華麗的皇家公寓、博物館和國家圖書館,並展示了大量的藝術品和歷史文物。該宮殿於1919年轉變為博物館,並經過多次修復,最近的修復工程於2019年完成。
  • 聖埃爾莫城堡與二十世紀博物館 Castello Sant’Elmo e Museo del Novecento a Napoli

    聖埃爾莫城堡Castello Sant’Elmo 位於那不勒斯的沃梅羅山頂,擁有俯瞰那不勒斯灣的絕佳景觀。城堡於2010年改建為二十世紀博物館Museo del Novecento a Napoli,展示了1910年至1980年間那不勒斯藝術界的重要作品,包括從十九世紀風景畫傳統到未來主義、1930年代的「回歸秩序」以及二十世紀後半葉的多種藝術體驗。
  • 國立卡波迪蒙特博物館Museo e Real Bosco di Capodimonte

    國立卡波迪蒙特博物館Museo e Real Bosco di Capodimonte 擁有超過47,000件藝術品,涵蓋從13世紀到當代的作品,包括拉斐爾、米開朗基羅和卡拉瓦喬等大師的名作。博物館自1957年對外開放,坐落於134公頃的皇家森林內,堪稱是義大利最大的城市公園之一。
  • 杜卡・迪・馬爾蒂納陶瓷博物館 Museo della ceramica Duca di Martina in Villa Floridiana

    杜卡・迪・馬爾蒂納陶瓷博物館 Museo della Ceramica Duca di Martina in Villa Floridiana 成立於1931年,博物館內展示了超過六千件來自12世紀至19世紀的西方和東方陶瓷藝術品。館內主要收藏由杜卡・迪・馬爾蒂納 Placido de Sangro 於19世紀後半期建立,並於1911年捐贈給那不勒斯市。

⟢ 杜林 ⟣

需要提前“線上預約”

  • 杜林國家電影博物館 Museo Nazionale del Cinema Torino

    杜林國家電影博物館 Museo Nazionale del Cinema Torino 位於著名的摩爾安東內利亞(Mole Antonelliana)內,是世界上最重要的電影博物館之一。博物館自2000年對外開放,博物館內展示了超過180萬件與電影相關的物品,包括影片、照片、器材和海報,並以互動方式呈現電影的歷史和技術演變,是杜林一個重要的地標。
  • 杜林皇家博物館 Musei Reali di Torino 【 建議在活動開始的前一週三進行,線上預訂 】

    杜林皇家博物館 Musei Reali di Torino 是歐洲最大的博物館綜合體之一,包含皇家宮殿、皇家軍械庫、皇家圖書館、薩沃伊畫廊和考古博物館。館內面積達30,000平方米的空間,展示了從史前時代到現代的豐富藝術和歷史藏品,並提供長達3公里的文化步道,讓遊客深入了解薩沃伊家族的歷史。
  • 卡里尼亞諾宮 Palazzo Carignano

    卡里尼亞諾宮 Palazzo Carignano 建築內有一個國家博物館,該博物館是義大利統一歷史上最古老的博物館,具有國家級地位。宮殿由建築師瓜里諾・瓜里尼於17世紀設計,展現了巴洛克建築的精美風格,並且是薩沃伊家族的重要居所。這裡不僅展示了豐富的藝術品,還重現了義的倆統一過程中的重要歷史事件,是了解意的倆歷史的必訪之地。
  • 蒙特烏達波羅馬考古遺址 Area archeologica della città romana di Industria 【 遺址免費開放參觀,需提前預約

    蒙特烏達波羅馬考古遺址 Area archeologica della città romana di Industria 位於杜林大都會區的蒙特烏達波鎮,是一處重要的羅馬時期考古遺址。這裡曾是一座繁榮的商業城市和金屬加工中心,其獨特之處在於保存有供奉伊西斯女神和塞拉比斯神的神廟。考古遺址包括神聖區域、祭壇、祭司住房等建築,以及周圍的住宅和工坊。
  • 女王別墅 Villa della Regina

    女王別墅 Villa della Regina 是薩沃伊家族的夏季別墅,建於17世紀,並於1997年被列入聯合國教科文組織世界遺產名錄。該別墅擁有壯觀的義式花園和葡萄園,展示了當時的貴族生活方式,並提供了壯麗的城市景觀。

以上主要以義大利幾個重要城市的推薦美術館、博物館的介紹,義大利文化部所推動的活動「星期天的博物館」(Domenica al Museo)活動旨在促進公眾對文化遺產的認識和欣賞,並鼓勵民眾(遊客)積極參觀國家博物館、考古公園和文化遺址。透過每月的第一個星期日免費入場的策略,讓活動吸引更多的遊客和當地居民參與文化活動,培養對歷史和藝術的熱愛。這項計畫自2014年啟動以來,旨在提高意大利豐富的文化資源的可及性,並促進文化教育和交流。

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〖最佳看點〗走過近百年的第六十屆《處處是外人》威尼斯雙年展 ▎60th Venice Biennale・Straniere Ovunque – Foreigners Everywhere

走過百年的威尼斯國際藝術雙年展,在2024年迎來第六十屆(Venice Biennale「簡稱:雙年展」)。

由威尼斯雙年展基金會主辦,從1895年至今每年舉辦不同類型的文化展覽,類型涵蓋藝術、建築、電影、舞蹈、音樂與歷史檔案等,是世界三大藝術展之首。

而其中每兩年舉辦一屆的藝術雙年展,如今已被喻為藝術界的奧林匹克,其巨大的國際號召度與絕對的學術影響力,每屆榮獲獎項的藝術家與作品,更直接撼動著藝術銷售市場,因此無論是藝術家、策展人、藝評人、學術機構人員、學生、藝術愛好者或者觀光客,大家都是為了「威尼斯雙年展」而來。

©La Biennale di Venezia

《 處處都是外人 》旅居在外的你我,更是聲求氣應

本屆雙年展主題以「 Straniere Ovunque — Foreigners Everywhere — 處處是外人」,關注處於邊緣的人群,如外籍人士、移民、難民、原住民、酷兒或任何非原生地的族群…等等。

出身拉丁美洲的總策展人阿德里亞諾‧佩德羅薩( Adriano Pedrosa )於展覽開幕(4月20日)當天說道:「我對於這享譽盛名的職位感到榮幸與感激,特別是作為第一位策劃國際藝術雙年展的拉丁美洲人,實際上也是第一個居住在世界南半球的人。」

阿德里亞諾‧佩德羅薩( Adriano Pedrosa )©La Biennale di Venezia

展覽分為兩大區,主要展區在城堡區( Castello )的拿破崙花園( Giardino ) 與威尼斯軍械庫( Arsenale ),主展區外的平行展,則是在威尼斯島上分布著數十個國家展館,以及各個博物館順應著雙年展策劃的特展,2024年將一路從4月20日開放到11月24日。

拿破崙花園( Giardino )展區©La Biennale di Venezia

每年雙年展的頒獎典禮更是每位藝術人最關注的盛事,獎項從金獅獎 Golden Lion(最佳國家館/最佳藝術家獎)、銀獅獎 Silver Lion(最有前途的年輕創作者)、特別國家評審獎 Special Mention of National、特別評審獎 Special Mention 以及終身成就金獅獎 Lifetime Achievement。

【 最佳國家參與金獅獎 】澳洲國家館,首次獲得此殊榮的是澳洲原住民藝術家阿奇‧摩爾(Archie Moore);【 最佳藝術家金獅獎 】紐西蘭藝術團體「Mataaho Collective」,由四位毛利人(Māori)女性藝術家組成的組織,成員包括布里奇特‧雷維蒂(Bridget Reweti)、埃琳娜‧貝克(Erena Baker)、莎拉‧哈特森(Sarah Hudson)、特麗‧特‧陶(Terri Te Tau)獲獎;【 最有前途年輕創作者銀獅獎 】出生英國的奈及利亞藝術家卡莉瑪‧阿莎杜(Karimah Ashadu),透過鏡頭捕捉沈浸在次文化中年輕人的脆弱與其體驗;

澳洲原住民藝術家Archie Moore。©La Biennale di Venezia
英國的奈及利亞藝術家卡莉瑪‧阿莎杜(Karimah Ashadu)。
©La Biennale di Venezia
紐西蘭藝術團體「Mataaho Collective」。©La Biennale di Venezia

【 特別國家評審獎 】科索沃共和國,從策展人到藝術家皆為女性;【特別評審獎】現居紐約高齡的巴勒斯坦藝術家薩米亞哈‧拉比(Samia Halaby)以及阿根廷藝術家喬菈波‧夫萊特(La Chola Poblete);【 終身成就獎 】出生義大利的巴西藝術家安娜‧瑪莉亞‧麥歐利諾(Anna Maria Maiolino)以及現居巴黎的土耳其藝術家尼爾‧亞爾特(Nil Yalter),榮獲藝術界中至高的榮耀。

科索沃共和國。©La Biennale di Venezia
巴西藝術家安娜‧瑪莉亞‧麥歐利諾(Anna Maria Maiolino)。
©La Biennale di Venezia
阿根廷藝術家喬菈波‧夫萊特(La Chola Poblete)。
©La Biennale di Venezia
土耳其藝術家尼爾‧亞爾特(Nil Yalter)。©La Biennale di Venezia

台灣館— 袁廣鳴:日常戰爭

由臺北市立美術館策劃的台灣館,展覽名稱為「袁廣鳴:日常戰爭」,同樣在意大利威尼斯普里奇歐尼宮邸(Palazzo delle Prigioni)代表參展藝術家與北美館策展團隊,向各界公開屬於台灣島嶼思維的公共露出。

台灣館的展場內此起彼落地圍繞著警笛聲、爆炸、突如其來的撞擊,與節奏緩和的國歌,由不同作品中的聲音結合,畫面充斥在防空演習、公民不服從運動,日常居家裡可能的場景。選題「日常戰爭」旨在探問社會轉型期間與現實動盪的威脅之下,人的生存處境為何?透過一名臺灣藝術家的角度,突顯作為棲居的日常所在正逐步地被分配不均的後資本主義、網路攻擊、氣候異常及族群紛爭等灰色衝突中被蠶食鯨吞。

威尼斯雙年展台灣館開幕合影 ,由左至右:臺北市立美術館館長王俊傑、文化部李靜慧政務次長、參展藝術家袁廣鳴、策展人陳暢、外交部駐義大利辦事處代表蔡允中公使  © 影像由臺北市立美術館提供

展覽作品涵蓋單頻道錄像、裝置型錄像投影、動力裝置及平面素描等作品,將藝術家的成長背景中縈繞著對於父親因政治及歷史因素移居來臺的哀傷記憶,對於「家」的概念,與之伴隨的流動性、不穩定的潛在意識相關的情感,投射進他多數的錄像作品當中;呈現出的氛圍不僅是在訴說袁廣鳴的個人掙扎,更呼應著臺灣社會對於危險隨時可能降臨的共同感受。

主展館外近40個國家館,許多可能你從來都沒有聽過的國家,他們的藝術創作者就跟台灣的一樣,仍然透過不斷的創作架構出對話平台,從國家內的社會議題擴大至國家外的政治定位與世界所關注的議題,以各自的方式體現其所堅持的精神,並呼籲各界的關注。

威尼斯雙年展台灣館「袁廣鳴:日常戰爭」預展現場。
圖像由臺北市立美術館提供。
威尼斯雙年展台灣館「袁廣鳴:日常戰爭」預展現場。
圖像由臺北市立美術館提供。

臺灣館,雖然自1995年至今已參加雙年展多年,淨身這個政治現實縮影的藝術場域中,依舊不敵中國強權,2003年被剔除國家館名單之外,爾後只得以申請「平行展」( Collateral Events )進入展會;其管道接受非營利藝術組織提出申請,由大會策展人審核,今年有30組人馬在分散在島上各區。

題外話:臺灣館,真的只是一個平行展,而非在威尼斯藝術雙年展國家參與館的名單之中,認真覺得很可惜也很不解。

威尼斯主要雙展場路線圖
Venice Biennale TWO main Venues Map

威尼斯雙年展花園展場・國家館地圖
Venice Biennale Gioardini Biennale Nation Pavilion Map

網路上充斥著許多與威尼斯雙年展相關的文字分享,筆者這次與大家分享簡單的地圖檔案,希望同樣適用於下一屆的活動。(如需要借圖使用,請標明出處!有任何錯誤歡迎隨時留言或是來信指教)

延伸閱讀:想了解更多第六十屆威尼斯雙年展台灣館的相關報導,可以到以下連結延伸閱讀。https://www.tfam.museum/News/News_page.aspx?id=1814&ddlLang=zh-tw

〈 2024威尼斯雙年展台灣館 「袁廣鳴:日常戰爭」盛大開幕,突顯自由與人類處境之思辨 〉https://artemperor.tw/focus/5974

〈 袁廣鳴:日常戰爭- 2024 威尼斯雙年展台灣館 – Taiwan in Venice 〉https://www.taiwaninvenice.org/2024/index.php/tw/content/2024-04-20

文章資訊參考:
非池中藝術網Art Emperor,2024/04/22,張家馨編輯整裡
https://artemperor.tw/focus/5973

聯合新聞網,2024/04/12,聯合報 / 記者陳宛茜
https://udn.com/news/story/7266/7893647

▍「社會參與藝術」能否有效串連起「藝術/社會」與「NFT/加密藝術」兩者間的隔閡? ▍

Can “Socially Engaged Art” effectively bridge the gap between “art/society” and “NFT/crypto art”?

撰文者/photo credit:Gogo.W

近年來,以社會參與(Social Engagement)為核心的藝術實踐計畫,越來越常在世界各地發現它們的蹤跡,藝術創作者們以多樣化的身份跨界投入,作為探討「社會議題」與研究「當代藝術變遷」的媒介,進一步誘發公眾的「價值思維」讓大家思考藝術計畫的動機與目的,認同並主動成為「社會參與藝術」(Socially-Engaged Art)的一份子,讓非藝術的社會行為變成創作的一種形式。
In recent years, art practices centered on Social Engagement have become more and more commonplace around the world. Art creators have crossed borders in a variety of capacities to explore “social issues” and study “contemporary art changes,” further inducing the public’s “value mindset” to think about the motivation and purpose of art projects and to recognize and take the initiative to become a part of Socially Engaged Art so that non-artistic social behaviors can be turned into forms of creativity.

線上與線下「參與者」間的共通性
Commonalities between online and offline ‘participants’

社會參與藝術的兩大核心概念:「社區/社群」(Community)「公眾/公共」(Public)。其中一部份以去除藝術家身份為主體的概念,強調以存在于相同空間、分享著相似的信念與觀點的特質,匯集這樣一群人在一起成為「藝術參與者」,共同為某一個具體的目標投入時間與心力為達成預想內的成果。
There are two core concepts of participatory art: “Community” and “Public”. One of these concepts is based on the removal of the artist’s identity, emphasizing the qualities of existing in the same space, sharing similar beliefs and perspectives, and bringing together a group of people to become “art participants”, who jointly invest their time and effort in a specific goal to achieve a desired result.

在這樣的背景之下,可以直接聯想到區塊鏈所倡議的「社群共識」(community consensus),系統性建立了關於參與者的交易軌跡,當符合多數人的共識後,才得以延續物件的交易紀錄。其中加密貨幣(cryptocurrencies)去中心化的金融架構與不可逆的交易原理,完美的被應用於NFT(Non-Fungible Token)與數位藝術(Digital Art)的串連之中,從而衍生出新的藝術資產定義—加密藝術(Crypto Art)。系統架構運作的必然要素即為社群的力量,開發機能完善的資料庫機制,如果沒有人的使用就無法構成有效積極的交易體系。
Against this background, we can directly think of the “community consensus” advocated by blockchain, which systematically establishes the transaction trajectory of the participants, and only when it meets the consensus of the majority of the people can the transaction records of the objects be continued. The decentralized financial structure of cryptocurrencies and the principle of irreversible transactions are perfectly applied to the connection between NFT (Non-Fungible Token) and Digital Art, thus giving rise to a new definition of art assets – Crypto Art. The inevitable element of the system structure is the power of the community, and the development of a well-functioning database mechanism will not be able to constitute an effective and active trading system without the use of people.


「社會參與藝術」和「加密藝術」
兩個同樣都是建立於「公眾認同」理念的線上/線下社群,
看似八竿子打不著的藝術導向,卻都凝聚著公眾的力量,
逐漸形成一種特殊的關係美學。
Socially-Engaged Art” and “Crypto Art” are two online/offline communities that are also based on the concept of “public recognition”. Seemingly unrelated to each other in terms of artistic direction, they both unite the power of the public and gradually form a special aesthetic relationship.


LVGA/XY ASTRO FLOWERS

LVGA/XY ASTRO FLOWERS 是義大利/瑞士混血的視覺藝術家—尤里・卡塔尼亞(Yuri Catania)與其團隊構思的一項社會參與式的藝術計畫,2023年8月30日起,歷時13個工作天,投入超過150位藝術專業工作者以及自發性參與者(其中包含市民、學生以及民間組織志工等組成),在瑞士盧加諾(Lugano, Switzerland)國會宮(會展中心)的外牆上執行的大型裝置作品。
LVGA/XY ASTRO FLOWERS is a socially engaged art project conceived by Italian/Swiss visual artist Yuri Catania and his team. Starting from August 30th, 2023, lasted over thirteen days, more than 150 art professionals and spontaneous participants (including citizens, students, and volunteers of civic organizations, etc.) were involved in the execution of a large-scale installation on the facades Palazzo dei Congressi (Exhibition Center) in Lugano, Switzerland.

“Art will save the world” slogan with artist Yuri Catania, photo credit: Gogo.W

計畫標語—「Art Will Save The World藝術將拯救世界」作品靈感來自瑞士第一位登上太空的飛行員-克勞德・尼科里埃爾(Claude Nicollier)的宇宙觀,採用「Paste-Up黏貼」的街頭藝術技法,融合藝術家的美學思維與其過往的創作元素,藝術家結合主體對象「太空人」以及夜間拍攝的物件「植物花卉」構成畫面的3個架構。
The slogan of the project – “Art Will Save The World” is inspired by the cosmic vision of Claude Nicollier, the first Swiss astronaut in space. Adopting the street art technique of “Paste-Up”, it combines the aesthetics of the artist with elements of his past creations. The main subject “astronauts” and the objects “plants and flowers” photographed at night, which are making up the three structures of the picture.

以當週於會展中心舉行的NFT節為背景,藝術家深入探討當代的關鍵議題:Web3.0、區塊鏈、加密貨幣/藝術與元宇宙之間的交互作用,質疑自然與科技之間的關聯。太空人金色面罩觀望著恰尼公園(Parco Ciani),反射出作品與地景間的連結,符合3D視覺的空間編排,與多達1,500個紙花朵結合,呈現寬42公尺*高8公尺的大型裝置作品。
Against the backdrop of the NFT Festival held at the Palazzo dei Congressi that week, the artist delves into key contemporary issues: Web 3.0, blockchain, cryptocurrencies/interaction between art and metaverse, and questioning the relationship between nature and technology. The astronaut’s golden mask looks out over the Parco Ciani, reflecting the connection between the work and the landscape, conforming to the spatial arrangement of 3D vision, and combining with more than 1,500 paper-made flowers to create a large-scale installation 42 meters wide * 8 meters high.

實踐社會參與藝術,成為其中一份子
Become a part of socially-engaged arts practice

筆者因為參與了盧加諾NFT節活動得以與這項藝術計畫串起連結,早在活動開始前,太空人早已乘著群花遍佈展會中心的外牆,從遠處觀看難以分辨是何種媒材與技法,強烈的黑白與彩色構成的3D視覺效果勾起我想要深入了解的好奇心,連續三天在會場外觀察藝術家與志願們分工合作的身影,偶爾藝術家也會停下動作與路過圍觀的民眾,親切地解釋計畫的動機並分享使用媒材的特性與原因,試圖拉近藝術與公眾的距離。
As a result of my participation in the NFT Festival in Lugano, I was able to connect with this art project. Even before the event started, astronauts were already riding on the flowers on the outer wall of the exhibition center, and it was hard to tell what kind of media and technique they were using from afar, but the strong black and white and colorful 3D visual effect aroused my curiosity to learn more about the project. For three consecutive days, I observed the artists and volunteers working together outside the venue. Occasionally, the artists would stop to explain the motivation of the project and share the characteristics and reasons for the use of the media with the passing onlookers, in an attempt to bring art and the public closer together.

作品完成前夕,筆者積極正向的態度成功讓藝術家留下深刻印象,並受邀請在最後一天實際參與計畫,過程當中與藝術家妻子Silvia Torricelli,同時為計畫背後除藝術家外最主要的執行者,以及數位志願者們交談,深切地感受到每個人單純支持藝術行動的心。即使是簡單的「剪貼行為」使用單純的媒材「紙張」與「膠水」也能夠將想像具體化,後期透過縮時攝影的拍攝,將13天的時間濃縮成60秒的畫面,藉由AI的技術未來將製成NFT贈送給所有參與計畫的人,藝術除了在這個宇宙時空留下足跡,更是在元宇宙中劃下一部分區塊。
On the eve of the completion of the artwork, the author’s positive attitude successfully impressed the artist and invited her to participate in the project on the last day. During the process, I talked with the artist’s wife, Silvia Torricelli, as well as the main implementers of the project besides the artist, and digital volunteers, and deeply felt everyone’s heart to support the art action. Even the simple act of “cutting and pasting” with the use of simple media “paper” and “glue” can materialize the imagination, and in the later stage, through time-lapse photography, the 13 days were condensed into a 60-second image, which will be made into NFTs to be given to all the participants in the future through AI technology, so that the art will not only leave its footprints in the universe and space-time but will also delineate a part of the meta-universe.


▎來場光線與時空的「捉迷藏」波蘭藝術家 Mateusz Choróbski 米蘭首次個展 with Secci Gallery ▎

▎let’s have an [ Hide-and-Seek ] of Light and Time, Polish artist Mateusz Choróbski’s first solo exhibition in Milan with Secci Gallery ▎

「圓柱體,清晰劃分社經地位,形狀反映了人們對社會等級制度的幻滅信念,由建築工地的水泥廢料、
黃銅鑄造的波蘭硬幣製成。
所使用硬幣總價值=2021年波蘭官方統計 (以一家四口為例) 【貧困基準線】。」
— [2329,77/4, 2022]

“The shape reflects the disillusionment with social hierarchy and is made of Polish coins minted in brass from cement waste at construction sites.
The total value of the coins used on the creation = [the poverty line] corresponds to the official statistics of Poland in 2021 (based on a family of four) .”
[2329,77/4, 2022]

對光的研究和時間的測量都是研究實踐的重要工具
the research on light and the measurement of time is the essential tools to investigate the practice.

藝術家們的創作靈感,大多數都來自於日常生活中的痕跡。
Most of the artists’ creations are inspired by the traces of daily life.

馬特烏斯・喬羅伯基 Mateusz Choróbski(波蘭,1987)通過對周遭環境的細微觀察,擷取事物的每一個面向轉化爲作品精髓來源,從相異的材質載體中獲取必要的訊息跟特徵,藉由解構與分析的過程,觸及藝術家敏銳的感知經驗,重新建構出一種截然不同的視覺載體,巧妙地將重塑後的物件與空間和時間的特徵融合一起,再次被賦予不同於先前的詮釋方向。

Mateusz Choróbski (Poland, 1987), through his subtle observation of the surrounding environment, extracted every aspect of things and transformed them into the source of the essence of his works, obtaining the necessary information and characteristics from the different material carriers. By deconstructing and analyzing the object, the artist touches on the artist’s acute perceptual experience and reconstructs a different visual vehicle, skillfully integrating the reshaped object with the characteristics of space and time, giving it a different direction of interpretation than before.


photo credit: © contemporarylynx.co.uk

馬特烏斯・喬羅伯基 Mateusz Choróbski, 1987 年出生於波蘭拉多姆思科,現定居於波蘭華沙。畢業於波茲南藝術大學與華沙美術學院。

他是多媒體、裝置、行為藝術與雕塑的創作者。針對現成建築材料的再生利用,受到現實社會的影響與啟發,進而將多感官的作品帶入廣泛的概念性框架中(日常現成物、常見物品、自然生物)。對藝術家而言,與「有效的藝術實踐」相對的應是「空間概念」和「物理性的感知」。

近年來不斷到各國進行展出,柏林・Another Vacant Space (2013)、波蘭貝托姆・Kronika Centre for Contemporary Art (2016)、波蘭華沙・Wschód Gallery (2019)等地,更是與義大利結下了深刻的緣分,分別在(2019)羅馬・La Fondazione、(2020) 佛羅倫斯・Edorardo Secci Gallery 舉辦展覽,同年受埃娃・卡恩博士基金會 Dr. Kahán Éva Foundation 的邀請,在托斯卡尼中部作為三位藝術家之一,進行為期一個月的藝術駐村計畫。

Mateusz Choróbski, born in 1987 in Radomsko, Poland, now lives in Warsaw, Poland. He graduated from Poznan University of Arts and Warsaw Academy of Fine Arts.

He is a creator of multimedia, installation, performance art, and sculpture. He is influenced and inspired by the reality of society through the recycling of readymade building materials, which in turn brings multisensory works into a broad conceptual framework (everyday readymades, common objects, natural creatures). For the artist, the opposite of “effective art practice” should be “spatial concept” and “physical perception”.

In recent years, he has been exhibiting in various countries, such as Another Vacant Space (2013) in Berlin, Kronika Centre for Contemporary Art (2016) in Bertram, Poland, and Wschód Gallery (2019) in Warsaw, Poland, and has a deep connection with Italy, where he exhibited at (In the same year, he was invited by the Dr. Kahán Éva Foundation to be one of three artists in central Tuscany for a month-long residency program.


2020年,在佛羅倫斯・塞奇畫廊(Eduardo Secci Gallery)的展覽中,【一步之遙 A Step Away】透過轉換空間與物體之間主賓的關係,輕柔譜寫出一系列作品與展廳的音符節奏,加入自然界礦物和植物元素的特徵,再生合成出尋常主體,讓時間和物質自然發揮它們的作用,好像變奏曲一般不依循常態律動。然而,展覽當時卻受到新冠疫情的影響,參觀人次銳減僅維持短短數週,隨即結束展演。

In 2020, in the exhibition at Eduardo Secci Gallery in Florence, A Step Away gently composed a series of works and rhythms of the exhibition hall by changing the relationship between space and objects, adding the characteristics of natural mineral and plant elements, regenerating, and synthesizing the ordinary subject, allowing time and matter to play their role naturally, like a rhythm. It is like a variation of the normal rhythm. However, the exhibition was affected by the new epidemic and the number of visitors dropped drastically for a few weeks, and the exhibition was then closed.

photo credit: cantori.it ©

三年過去疫情趨緩,同樣在義大利知名藝評、策展人—皮爾・保羅・潘科托Pier Paolo Pancotto的推波助燃之下,終於在米蘭・塞奇畫廊(Secci Gallery)的NOVO實驗空間以【捉迷藏 Hide and Seek】為題,開啟藝術家首次個展,並且同步於米蘭舊蒸汽工廠 Fabbrica del Vapore 轉型後的文創園區裡,啟動另一個特定的燈光裝置項目。

Three years later, the epidemic subsided, and with the help of Pier Paolo Pancotto, a renowned Italian art critic and curator, the artist finally opened his first solo exhibition at the NOVO Experimental Space in Secci Gallery in Milan under the title Hide and Seek. In parallel, another specific lighting installation project was launched in the transformed cultural and creative park of Fabbrica del Vapore, the former steam factory in Milan.

Mateusz Choróbski, exhibition view at Fabbrica del Vapore, Milano 2023. photo by Gogo. W

Mateusz Choróbski, exhibition view at Fabbrica del Vapore, Milano 2023. photo by Gogo. W


兩個室內外的場域,兩種時間流動的方式,白晝之間的關係,共通點為馬特烏斯・喬羅伯基Mateusz Choróbski的作品本身。在畫廊中,物品順時鐘流動,轉身觀察蒸汽工廠展出的大型裝置則是以逆時鐘流動。前者為私人空間制定;後者則是公共空間的燈光裝置,想要自然穿梭在兩地展覽之中,唯有透析隱藏在作品背後的概念和思維,理解藝術創作本質上的價值與意義,並且實地走訪感受文字敘述外的感知體驗,能將自身經驗與觀展體驗串連。

The relationship between two indoor and outdoor spaces, two ways of time movement, and daylight, is common to Mateusz Choróbski’s work itself. In the gallery, the objects flow with the clock, while the large installations on view at the Steam Factory flow against the clock. The former is a private space; the latter is a light installation in a public space. To move naturally between the two exhibitions, the only way to understand the intrinsic value and meaning of art creation is to analyze the concepts and thoughts behind the works, and to visit the site to feel the perceptual experience beyond the written narrative, so as to connect one’s own experience with the viewing experience.


Mateusz Choróbski, exhibition view at Secci Gallery, Milano 2023. photo by Gogo. W
Mateusz Choróbski, exhibition view at Secci Gallery, Milano 2023. photo by Gogo. W

開幕當晚,有幸結識策展人與藝術家以及熱情的藝術工作者們,即使只是短暫幾分鐘的攀談,誘發出的藏匿在內心深處的熱情與感受。藝術家簡單解釋道,座落在戶外空間的大型裝置,將舊建築退去的窗戶玻璃再利用,混合燈光裝置搭建出形似建築頂端的輪廓,白天你找不到它的蹤跡,當日落時分它才會悄悄地現身在你的視線裡,時分秒清晰開啟與環境間的對話。

On the opening night, we had the opportunity to meet the curators, artists, and enthusiastic art workers, and even if it was just a few minutes of conversation, it induced the passion and feelings hidden deep inside. The artist briefly explained that the large installation, located in the outdoor space, reuses the receding window glass of the old building, and mixes it with lighting installations to create a silhouette that resembles the top of the building, which you can’t find during the daytime, but when the sunset comes, it quietly appears in your sight, opening a dialogue with the environment every second.

初次到訪畫廊位於米蘭的空間,2米高的落地玻璃,大方消除空間的隔閡,[2329,77/4, 2022]這件裝置的標題來自錢幣的總和,由熔化金幣再製的複合媒材雕塑,數件高低之分的圓柱結構,連接著展間的地板與天花板。 空氣中充斥著一股淡淡的肥皂氣味,從形似工程中的木質結構雕塑系列[37 Old Road No.1/2/3, 2022]散發出,那是藝術家記憶中對家的嗅覺記憶。

When I first visited the gallery’s space in Milan, the 2-meter-high floor-to-ceiling glass generously bridged the space. [2329,77/4, 2022] The title of this installation comes from the sum of coins, a composite media sculpture made from molten gold coins, and several high and low cylindrical structures connecting the floor and ceiling of the exhibition space. The air is filled with a faint smell of soap, emanating from a series of sculptures shaped like the wooden structures in the project [37 Old Road No. 1/2/3, 2022], which are the artist’s olfactory memories of home.

[2329,77/4, 2022]
[37 Old Road No.2, 2022]

3件運用鋼、玻璃與燈光構成的作品[Hide and Seek no.1/2/3, 2023],柔和的光線透出氣泡霧面玻璃結構,照亮了昏暗的空間,塑造了鋼構的視覺輪廓,轉化材質的功能性,無聲無息突破舊有的表現力。

輕描淡寫的向我們道出,身為波蘭人的社會困境,具體化經濟現況帶出的實際價值議題,由淺到深看見存在於世界各角的真實課題。

 The soft light of the three works [Hide and Seek no.1/2/3, 2023], which use steel, glass, and light, illuminates the dim space with its air bubble matte glass structure and shapes the visual contours of the steel structure, transforming the functionality of the material and breaking through the old expression without a sound.

The lightness of the light shows us the social dilemma of being a Polish person, and the actual value issues brought out by the concrete economic situation, from the shallow to the deeper to see the real issues that exist in all corners of the world.

Mateusz Choróbski, exhibition view at Secci Gallery, Milano 2023. photo by Gogo. W


Mateusz Choróbski・Hide and Seek|馬特烏斯・喬羅伯基|捉迷藏
策劃人|Pier Paolo Pancotto
展期|即日起,至 2023年527
地點|米蘭・塞奇畫廊 Secci Gallery Milano、米蘭・舊蒸汽工廠 Fabbrica del Vapore
時間|Fabbrica del Vapore:週一到週日 上午8點-下午9點 / Secci Gallery:週二到週六 上午10點-下午1點 、下午2點-6點,週日一公休
免費入場參觀


▎2022 義大利“最大最重要”當代藝術博覽會品牌 – 杜林【Artissima】 ▎

2022 The biggest and important Italian contemporary art fair・29th edition Turin“Artissima”

義大利當代藝術博覽會

自1994年成立以來,它結合了歐洲當代藝術市場存在的必要性,其創新的實驗策展方式在競爭日趨激烈的環境之中脫穎而出,並自成一格。

立處於義大利北部工業大城,杜林的當代藝術博覽會(Artissima)今年邁入第29屆,本屆集結了174家展商,69家義大利畫廊,105間海外畫廊(其中包含4間亞洲畫廊)*見圖,橫跨世界28個國家,匯集開展為期4天的國際性藝術盛會。

在歐洲各大藝博品牌競爭之戰裡(Art Basel、Frieze等),Artissima不以名牌取勝,而是以實驗性策展、極具前衛核心的合作模式以及多樣化的競賽獎項立足於競爭激烈的歐洲市場,確立與他牌截然不同的展會風格。每年平均吸引來自世界各地超過五萬名參觀人次,包含畫廊展商、藏家、策展人、博物館/藝術研究員、藝術愛好者、學生等,一場對於義大利當代藝術環境極為重要的盛會,年年會場皆充滿了創新、多變且熱情四溢的氛圍。

29 th edition

Artissima

後疫情時代的 【 Artissima 】更多是為藝術研究者與觀眾們帶來多樣化的展演型態與合作模式。

在歐洲各大藝博品牌競爭之戰裡(Art Basel、Frieze等),Artissima不已名牌取勝,而是以實驗性策展、極具前衛核心的合作模式以及多樣化的競賽獎項立足於競爭激烈的歐洲市場,確立與他牌截然不同的展會風格。每年平均吸引來自世界各地超過五萬名參觀人次,包含畫廊展商、藏家、策展人、博物館/藝術研究員、藝術愛好者、學生等,一場對於義大利當代藝術環境極為重要的盛會,年年會場皆充滿了創新、多變且熱情四溢的氛圍。


Artissima

藝博會
主要四個
架構

實驗創新導向,聚焦年輕世代


Artissima 藝博會主要分為四個部分:
主軸 Main Section,世界藝術產業中具資歷的代表性畫廊。(100間)
新血 New Entries,五年以下成立於國際間的新興畫廊。
對話 Dialogue,畫廊提出一至兩位藝術家,作品相互碰撞產生對話結構的主題形式。
藝術空間與版次 Art Spaces & Editions,不只聚焦於商業畫廊,包含藝術研究項目、非營利組織與出版社等專注於當代藝術出版品的特殊分類。


三部分由國際策展人團隊策劃專區:

設計Disegni:「個展」形式呈現,以展現真實性和平面作品的自主權。該區由義大利獨立策展人—Irina Zucca Alessandreli策劃,14位藝術家作品,分別由10間國際畫廊與4間義大利畫廊代表展示。

現在未來Present Future:關注國際藝術界新趨勢。由義大利獨立策展人—Saim Demircan、慕尼黑畫廊Kunstverein München總監—Maurin Dietrich共同策劃,匯集11位藝術家(10間國際畫廊與1間義大利畫廊)。

回到過去Back to the Future:聚焦於1960年代至今,當代藝術先驅們的專題項目,重新將藝術家帶回國際藝術對話的中心。由柏林藝文中心Haus am Waldsee館長—Anna Gritz、義大利獨立策展人—Balthazar Lovay共同策劃,10位藝術家(9間國際畫廊與1間義大利畫廊)。


2020年為因應新冠疫情造成的影響,展會將焦點投注於創建線上影音平台。【ARTISIMMA VOICE OVER】一項全新跨多媒體影音的企劃,今年在Fondazione CampagnIa di San Paolo合作贊助下順利執行,針對參與展會的所有藝術家與藝術工作者們進行廣泛的概述與訪問,透過「Podcase」、「頁面文字」、「採訪影片」等多媒體形式,提供豐富的深度報導,同時也讓其他地區的人有機會遠端參與展會。



總監Luigi Fassi於公開新聞稿中提到:「近年來,整個藝術界見證了其規則、交流模式以及專業人士與藝術愛好者之間的資訊互動模式的轉變,逐漸朝著多層次的轉型發展。儘管如此,所有人將面對如何經歷生活中變革性體驗的爆發?
這一主題則為 Artissima 2022 提供了核心靈感。」



Artissima 總監
Luigi Fassi


今年展會概念為「變革性體驗」,主題核心取自美國哲學家 Laurie Anna Paul (L.A. Paul:耶魯大學哲學與認知科學教授) 2014年在牛津大學出版社發表的書籍文章中提出的概念,所謂「變革性體驗」能夠從根本上改變生活在其中的人,以一種對未知的視角面對,試圖引發一場理性預期的危機,嘗試觸發更多潛藏於各領域尚未被提出討論的觀點與互動。

Artissima

十個獎項
與各業界知名企業合作

【Artissima】獨特風采,積極將各項資源與支持轉向投注於藝術家們與畫廊。

每一年都可以發現展會增設許多不同類型的獎項類型,2022年有四個主要獎項,兩個特別榮譽獎項(紀念藝術界傑出貢獻)與四個贊助獎項(增設贊助基金項目)。


四個主要獎項important prizes:

  • illy Present Future Prize (illy 當前未來獎),由國際評選委員會挑選當代被認為最具創新性的藝術家。[1]
  • FPT for Sustainable Art Award
  • VANNI occhiali #artistroom Award
  • Tosetti Value Award for photography

兩個特別榮譽獎項Honours:

  • Matteo Viglietta Award (new!)
  • Carol Rama Award

四個贊助獎項Institutional Supports:

  • OGR Award,與CRT 現代&當代藝術基金會(Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT)合作,由畫廊提出的作品中選擇一段影像。獲獎作品將加入基金會的收藏。
  • Fondazione Merz
  • ISOLA SICILIA 2022 (new!)
  • Ettore e Ines Fico Prize

[1] Illycaffè是一家義大利專門從事咖啡生產的公司,其總部和生產工廠位於的里雅斯特,現今在全世界皆可看到產品的影子。


Oroma Elewa, 2 prints on paper Baryta Hahnemuhle 315 g, mounted on dibond, 2022, Galerie In Situ – fabienne leclerc, photo credit: artissima

(left)Vasilis Papageorgiou, ceramic and steel, 2022, 56*36*2 cm, UNA, photo credit: artissima
(right)Dala NasserAnemone, 2022, 227 x 202 cm, Lenzuola, federe, tinture a base di ibisco e anemone, cenere, sale, nastro, ossido di ferro, acqua piovana

[主要獎項]第三屆Tosetti Value攝影獎由Oroma Elewa(巴黎In situ—Fabienne Leclerc畫廊展出)獲得,攝影作品被認為對於人類理解全球化歷史、社會和經濟狀況極為重要而榮獲殊榮。

[特別榮譽]新增設的Matteo Viglietta獎由Vasilis Papageorgiou(皮亞琴察UNA畫廊展出)取得,第三屆Carol Rama獎由Anna Perach(羅馬ADA畫廊展出)獲得,獎項鼓勵通過研究工作體現非傳統女性創造力與對藝術自由理想的藝術家。

[贊助獎項]新增設的ISOLA SICILIA 2022由Dala Nasser(慕尼黑Deborah Schamoni畫廊展出),鼓勵促進視覺藝術、攝影、多媒體、聲音藝術等領域的當代藝術研究者,是由展會與Fondazione Oelle合作誕生的贊助獎項。

Artissima

「變革性體驗」

Transformative Experience



Artissima













近年來各界都受到疫情的無情肆虐,數位藝術市場的興起,不少專業藝術研究者與資深藏家都不斷將視光轉向至看不見的投資領域之中,平面創作、雕塑等藝術類型在某一些時刻當中更是受到極大的衝擊。然而,隨著疫情的舒緩,市場同樣的以驚人的速度復甦著,龐大的金融數字在藝術市場中流竄著,2022年不管是在亞洲或者是歐洲藝術拍賣市場、藝博展會裡,超出預期的成交率,正以倍數增長。

義大利的當代藝術市場,穿梭在歐洲龐大的市場鬥爭中,經營像是Artissima這樣目標導向不同的博覽會是極為不容易的一項挑戰,面對具有龐大資金、資源、知名品牌的其他品牌,朝向潮流頂尖市場的過程可以說是困難重重,不過就是因為有著如此的差異,Artissima憑藉嚴謹態度篩選展商、邀請各方策展人、藝術研究者以多元化且宏觀的視角,跳脫傳統展會塑造的框架,將「藝術家」設定為主要角色,策劃多角度的對話場域。使策展人與畫廊方能夠不受限嘗試更多與眾不同的創意點子,捨棄了品牌迷思,作品價格不見上百萬歐元的高端作品,價格區間落在3千至5萬歐元之間。鼓勵新入門藏家有機會跨入收藏這扇門。

Artissima

MY FAVORITE
ART
COLLECTIONS

燒眼球的作品,不只拘限於平面畫作,複合媒材的裝置作品、與空間相互平衡的創作、前衛的數位影像等等。


觀賞各式創作的同時,通常我都只記錄下我個人感興趣的作品,有時候也會因為想要了解作品背後更多的理念與背景故事而去跟畫廊行政攀談。

購買藝術品這樣的消費行為,不管是對於剛入門的藝術收藏者或者是剛對藝術市場感興趣的人來說,藝術的好壞與其價值有許多說法,我們就跳過那些超專業的解析與見解,站在我那膚淺的立場上來看這片廣大的藝文界,我覺得所謂的藝術收藏必須要以個人的喜好與偏好去行動,當然我們可以藉由類似金融股票市場指標般的去參考許多大大小小知名拍賣公司、指標人物、商業畫廊、比賽等的新聞、發言、動向去進行藝術採購的收藏行為。

然而,對於小資族的我們,當手頭上有些額外可變動性的資金可運用時,就必須去思考究竟我的們消費行為的動機為何?為增值目的、自我滿足、潮流變動…等等。唯有清楚自己對於所謂藝術商業行為的想法,才有辦法稍微在這超商業行為的場域走在自己的道路上。

(單純是個人見解)

Oscar Santillan
Antimundo
2021
140*100cm
print on plexiglass in lightbox
Galleria Tiziana di Caro

Achim Riethmann
Stockrose III
2022
75*50cm
water color on paper behind painted glass
Gallery Russi Klenner



2022
Artissima










4-6 Novembre, 2020

OVAL, Lingotto Fiere

www.artissima.it

Press Area

四天,33,200名參觀人次。

174家畫廊,橫跨28個國家/4大洲,包含69間義大利畫廊+105間國際畫廊,42間新參展商。

展會共7個主題,包括3個策展項目,匯集約1,500件藝術品。

統計超過1,500名新進藏家參與其中,近8,000名VIP與800多名藝術專業人士,可見國際博物館館長、獨立策展人、學術研究員等。

▎《Olafur Eliasson : Nel tuo tempo》創造屬於你的光影、色彩、時間、空間 ▎

▎Follow with Eliasson in creating your own light and shadow, color, time, and space in Palazzo Strozzi ▎

「這座非凡的文藝復興時期建築歷經數個世紀後仍然使我們敬佩,21世紀的今天,就讓我們不僅僅是作為參觀訪客,而是成為這檔展覽的聯合製作人 。」

“This extraordinary renaissance building has traveled through the centuries to great us here, now, in the twenty-first century – not as a mere host for art but as a co-producer of the exhibitions..”

— 奧拉佛・艾里亞森 Olafur Eliasson


一場展覽最需要的是觀展者的實際參與,伴隨著不同形式的反饋,以構成印象深刻的美學體驗。
What an exhibition needs most is the actual participation of the audience, along with different forms of feedback, to form an impressive aesthetic experience.


當科學遇見藝術美學,可想見是場無法被中止的對話,也無需被論證或剖析,因為它們的結合將會沿生出超乎想像的美妙產物。神秘的漩渦正緩步得透過藝術家縝密的計畫,逐一被巧妙創造出形體並實證在你的眼前。

When science meets artistic aesthetics, it is conceivable that it could become a dialogue that cannot be stopped, nor needs to be demonstrated or dissected, because their combination will produce wonderful products beyond imagination. The mysterious vortex is slowly moving through the artist’s meticulous plan, one by one, being cleverly created and verified in front of your eyes.

photo credit: Palazzo Strozzi – Copyright 2022 ©

冰島丹麥裔藝術家|奧拉佛・艾里亞森Olafur Eliasson,首次在義大利最大個展就選在佛羅倫斯當代藝術博物館-斯特羅齊宮Palazzo Strozzi舉辦,以雕塑和大型裝置藝術創造沈浸式體驗與空間聞名全世界,從千禧年代發跡至今在各國知名博物館皆可以看到他的展覽足跡,Netflix上熱門紀錄片《Abstract: The Art of Design》第二季第一集更是專門介紹這位「光之魔術師」。

Icelandic Danish-born artist | Olafur Eliasson, whose largest solo exhibition in Italy for the first time was held at the Palazzo Strozzi one of the important contemporary art museums in Florence, is famous for his sculpture and large-scale installation art creation immersion experience and space, and his footprints can be seen in well-known museums around the world since the millennium. Also, the first episode of the second season of the popular documentary “Abstract: The Art of Design” on Netflix is dedicated to this “Magician of Light”.


Just before now 2022, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W
Colour spectrum kaleidoscopo 2003, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W

跨度於光線、形狀、色彩、時間與空間之間,Olafur Eliasson試圖將自然的元素貫穿於展覽場域,重新組構現在與過去的樣貌。

Spanning between light, shape, color, time, and space, Olafur Eliasson attempts to reconstruct the present and the past by weaving natural elements throughout the exhibition landscape.


Tomorrow 2022, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W

藉由標題「在你的時間裡」(Nel tuo tempo) 可以很直接地理解到整個展覽是以「觀眾」作為核心,建立觀眾與裝置之間的對話,促使其成為作品的一部份。打破博物館/美術館與觀眾之間的規範與界限,一直是藝術家Eliasson創作歷程中主要的研究導向之一;不再以博物館為導向,不過度解釋說明作品,為其建立一個既定的思考方向,而是聚焦於觀眾本身,打造一種身歷其境的體驗裝置,豐富觀者的所有視覺感官。

Through the title of the exhibition “In your time” (Nel tuo tempo), we could directly understand that the entire exhibition is centered on the “audience”, establishing a dialogue between the audience and the installation, and promoting it to become part of the work. Breaking the norms and boundaries between museums and audiences has always been one of the main research directions in artist Eliasson’s creative process; no longer museum-oriented, not overly interpreting the works, but creating a predetermined thinking direction for it. Instead, focusing on the audience itself creates an immersive experience device that enriches all the visual senses of the viewer.


走進16世紀,歷史的迴廊,映入眼簾漂浮在空中的巨大橢圓形漩渦,模擬著海浪波紋的運動型態,形似被具象化的聲波,正隨著你游移的腳步,更替著它穿越光線到達你瞳孔的樣貌。

Walking into the 16th century, the historical corridor comes into the huge oval vortex floating in the air, simulating the movement of ocean waves, resembling a figurative sound wave, which is following your wandering steps, replacing the appearance of it passing through the light to reach your pupils.

《Under the water》2022
鋼架、 印花紡織品、再生聚丙烯捆紮帶、單頻燈
steel frame, printed textile, recycled polypropylene strapping, monofrequency lights
11x8m
由藝術家提供 courtesy of the artist


進入二樓的主要展場,以往都被包裹起來的窗戶結構,此次刻意被藝術家納入作品當中。光線穿透當時玻璃窗面,過濾窗格間細小的玻璃工藝紋路、氣泡孔洞被包覆進玻璃結構,原本無法被肉眼看見的「時間痕跡」,被套上夕陽般的顏色再次呈現文藝復興那時代下宛如貴族優雅迷幻的姿態。

Entering the main exhibition hall on the second floor, the window structure that is previously wrapped in the past, was deliberately included in the work by the artist this time. The light penetrated the glass window surface at that time, and the fine glass craft patterns between the filter panes, the bubble holes were wrapped into the glass structure, and the “traces of time” that could not be seen by the naked eye were once again covered with sunset-like colors to show the elegant and psychedelic posture of the aristocracy in the renaissance.

《Triple seeing survey》2022
投射燈,壁掛
3 spotlights, wall mounts
尺寸因地制宜 dimensions variable
由藝術家提供 courtesy of the artist


《Tomorrow》2022
投射燈,壁掛,投影布幕,彩色濾光玻璃
3 spotlights, wall mounts, rear-projection screen, color-filter glass
尺寸因地制宜 dimensions variable
由藝術家提供 courtesy of the artist


《Just before now》2022
投射燈,壁掛,鏡面箔,投影布幕,彩色濾光玻璃
3 spotlights, wall mounts, rear-projection screen, color-filter glass
尺寸因地制宜 dimensions variable
由藝術家提供 courtesy of the artist


穿越過投影布幕裝置後,6、7、9、10號房間的作品是整檔展覽最能夠體現自然環境議題的裝置。

其中9號房間帶出藝術家最經典著名的作品《美》,透過水和聚光燈的元素製作出看似簡單的裝置,黑暗的房間,水絲噴霧迴盪著聚焦光線,折射進入觀眾的瞳孔喚醒了「彩虹」;就如同藝術家所說:「這完全是在兩個位置之間來回走動的問題:看見彩虹、沒看見彩虹。看到亦或者沒看到!」 沒有人可以看到同樣的彩虹形成,走進水霧中成為美的一部份。

After passing through the projection screen installation, the works in rooms 6, 7, 9, and 10 are the installations that best reflect the natural environment issues in the entire exhibition.

Among them, Room 9 brings out the artist’s most classic and famous work “Beauty”. Through the elements of water and spotlights, a seemingly simple installation is created. In the dark room, the water spray reverberates with the focused light, which is refracted into the pupils of the audience and awakens ” Rainbow”; as the artist puts it: “it is a matter of fluctuating back and forth between two positions: seeing the rainbow, not seeing the rainbow, seeing and not seeing.” No one can see the same rainbow formation, walking into the mist of water and becoming part of beauty.

《Beauty》1993
聚光燈、水、噴嘴、木頭、軟管、幫浦
spotlight, water, nozzles, wood, hose, pump
尺寸因地制宜 dimensions variable
由藝術家提供 courtesy of the artist


Triple window 1999, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W
Solar compression 2016, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W
Red window semicircle 2008, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W
24 glass spheres 2022, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W

「藝術的本質本源於日常,科學與自然兩者之間密不可分的關係,在許多領域中都展現出它們相輔相成的角色,同時仍存在無法解釋論證的現象。」

The essence of art originates from everyday life, and inextricable relationship between science and nature has shown their complementary roles in many fields, while there are still phenomena that cannot be explained and demonstrated.


人為的燈光裝置與各種介質:色彩、水氣、空間、鏡面,隨著室外日光的進程、周圍環境的變化影響著每個人的參與體驗,完全投入於裝置情境之中,產生視角與時間點的對話結構。

Artificial lighting installations and various media: color, water vapor, space, mirrors, with the progress of outdoor daylight, changes in the surrounding environment affect everyone’s participation experience, fully immersed in the installation situation, resulting in a dialogue structure between perspective and time points.


《Firefly double-polyhedron sphere experiment 》2020
不銹鋼、彩色濾光玻璃、玻璃鏡面LED燈、電機、油漆
stainless steel, collour-effect filter glass, gllass mirror LED light,motor , paint
170cm
由藝術家提供 courtesy of the artist

《Colour spectrum kaleidoscopo》2003
不銹鋼、彩色濾光玻璃、玻璃鏡面LED燈、電機、油漆
colour-effect filter glass, stainless steel
180*75*200 cm
私人收藏 Private collection

我們對於藝術創作的理解,取決於個體本身的知識含量、生活體驗之間的發酵,面對當代藝術時,大多數的觀眾都過度依賴閱讀創作簡介,作品論述說明、導覽器的存在,不可否認在概念藝術領域裡,完整地剖析理解藝術創作的動機與理念是核心;然而,觀者與作品之間的連結,觀展體驗的過程,歷經消費內省後的產物,它可以是影像、可以是口述反饋、可以是內在的經驗連結,亦或者是與同行夥伴當下的記憶畫面。

Our understanding of artistic creation depends on the knowledge content of the individual and the fermentation between life experiences. When facing contemporary art, most audiences are overly relying on reading the introduction, the existence of audio-guide, it is undeniable that in the field of conceptual art, a complete analysis and understanding of the motives and ideas of artistic creation is the core; however, the connection between the viewer and the work, that process of viewing experience, is the product of introspection after consumption, which could be video, photo, could be oral feedback, it could be an internal experience connection, or it could be a memory of the moment with companions.

《Olafur Eliasson : Nel tuo tempo》展覽近20件集結歷年重要裝置與2022新作,在斯特羅齊宮基金會的大力協助之下,實踐藝術家對共享體驗與互動裝置的堅持,以不同的展覽型態構思,主要聚焦在觀眾的感官體驗,試圖跨越空間界限和物理限制,將展覽場域打造為一切元素的匯集點。

The “Olafur Eliasson : Nel tuo tempo” exhibition brings together nearly 20 pieces of important installations over the years and news in 2022. With the strong assistance of the Fondazione palazzo strozzi, the practice artist’s insistence on shared experience and interactive installations is displayed in different exhibition types. The concept of state-of-the-art mainly focuses on the sensory experience of the audience, trying to transcend the spatial boundaries and physical limitations, and make the exhibition area a meeting point of all elements.


Olafur Eliasson:Nel Tuo Tempo|奧拉佛・艾里亞森:在你的時間裡
展覽構思|Studio Olafur Eliasson
策劃推廣|Fondazione Palazzo Strozzi 斯特羅齊宮基金會
展期|2022年9月22日(四) 至2023年1月22日(日)
地點|Palazzo Strozzi斯特羅齊宮, Firenze
時間|週一至五10點-晚間8點,週四10點-晚間11點
購票|全票15歐,優待票12歐(以及其他更多優惠票價,詳情請至官網 https://www.palazzostrozzi.org/en/tickets-opening-hours/


▍佛村好去處|2022年「必看展覽」盤點!報你知佛羅倫斯去哪看展! ▍where you could go for a nice exhibition in Florence(持續更新 continued…)

初來乍到佛羅倫斯嗎?或是定居在托斯卡尼地區許久了嗎?每到週末假日都不知道可以去哪邊打發時間嘛?這邊專門推薦你托斯卡尼地區值得探訪的展覽資訊給喜愛看沈浸在藝文水域裡的藝術咖們!不要害怕進入藝術文化的世界,美學藏匿於你我的日常生活之中,放下你對於藝術領域的成見/刻板印象,以輕鬆無束縛的視角端看這充滿未知多變的世界,往往都可以在其中找尋到專屬於你的藝術解析,體驗只屬於你/我/他/她獨一無二的鑑賞體驗。

疫情看似趨緩的2022年,佛羅倫斯/托斯卡尼地區彙集了從文藝復興時期的巨匠大作,一路到當代最夯的元宇宙數位藝術革命的展覽內容,完整版的呈現在愛好藝術文化們的面前,不要怕看不懂不理解,告訴你!藝術美學本來就是一件客觀賞析的行為養成,安排一個週末假期跟三五好友前去探索新世界吧@@

定期為你更新最新消息

▼2022下半必看展覽#01▼

⧪ 斯特羅齊宮(Palazzo Strozzi)・《 奧拉佛・艾里亞森 – 在你的時間裡 (Olafur Eliasson : Nel tuo tempo) 》

photo credit: Palazzo Strozzi – Copyright 2022 ©

冰島丹麥裔藝術家|奧拉佛・艾里亞森Olafur Eliasson,首次在義大利最大個展就選在佛羅倫斯當代藝術博物館-斯特羅齊宮Palazzo Strozzi舉辦,以雕塑和大型裝置藝術創造沈浸式體驗與空間聞名全世界。

《Olafur Eliasson : Nel tuo tempo》展覽近20件集結歷年重要裝置與2022新作,在斯特羅齊宮基金會的大力協助之下,實踐藝術家對共享體驗與互動裝置的堅持,以不同的展覽型態構思,主要聚焦在觀眾的感官體驗,試圖跨越空間界限和物理限制,將展覽場域打造為一切元素的匯集點。

Exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W
Exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W
Exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W

人為的燈光裝置與各種介質:色彩、水氣、空間、鏡面,隨著室外日光的進程、周圍環境的變化影響著每個人的參與體驗,完全投入於裝置情境之中,產生視角與時間點的對話結構。


《 Olafur Eliasson:Nel Tuo Tempo|奧拉佛・艾里亞森:在你的時間裡
展覽構思|Studio Olafur Eliasson
策劃推廣|Fondazione Palazzo Strozzi 斯特羅齊宮基金會
展期|2022年9月22日(四) 至2023年1月22日(日)
地點|Palazzo Strozzi斯特羅齊宮, Firenze
時間|週一至五10點-晚間8點,週四10點-晚間11點
購票|全票15歐,優待票12歐(以及其他更多優惠票價,詳情請至官網 https://www.palazzostrozzi.org/en/tickets-opening-hours/ )

◣延伸閱讀:CiaoGogoWang 【《Olafur Eliasson : Nel tuo tempo》創造屬於你的光影、色彩、時間、空間 】


▼2022必看下半展覽#02▼

⧪ 佛羅倫斯二十世紀博物館(Museo Novecento Firenze)・《科拉多・卡利:哥白尼藝術家 ( Corrado Cagli:Copernican Artist )》

photo credit:Musei civici 

2022年佛羅倫斯二十世紀博物館策畫了數檔不同類型的展演內容,從平面繪畫、雕塑、攝影至大型裝置等,現今常見的各種創作媒材。各種尚未被公開展示的收藏品,藉由適當題旨的延伸探討向公眾展示這些動態提案,身處不同時代背景的藝術家會有怎樣多變的思維模式與創作風格。

六月份起,由20世紀義大利重要的藝術家之一|
科拉多‧卡利 Corrado Cagli(1910 安科納 -1976 羅馬)
起始這有趣的探尋之旅。

藝術家科拉多‧卡利,不僅是位平面繪畫藝術家,同時也兼具多重身份佈景設計師、雕塑家和掛毯創作者。該檔展覽名稱設定為「哥白尼藝術家 Coperinican Artist」旨在突顯出藝術家的前衛的創造思考模式,藝評家更是如此稱呼這位藝術家,希冀透過匯集作品展示,向公眾提出並強調他的藝術哲學、作品理念的遠見以及當時藝術時代背景的革命動機。

photo credit: museo novecento
photo credit: museo novecento
photo credit: museo novecento

藉由這些從30年代至-80年代左右教育與社會政治背景的影響之下,藝術家逐漸成熟的思維邏輯模式是如何闡述自我並與整個社會動盪對話的產物。即使在流亡過法國、美國之後,作品的成熟度大幅提升,藝術家的猶太血統與當時候法西斯政權緊收政策的動盪背景下,卡利也並沒有放棄技術與繪畫風格的研究,更轉介其他創作媒材進行研究的論證。


《Corrado Cagli:Copernican Artist 》|科拉多・卡利:哥白尼藝術家
地點|
Museo Novecento 佛羅倫斯二十世紀博物館
策展人|Eva Francioli、Francesca Ner 和 Stefania Rispoli
展期|即日起,至 2022年10月20日
時間|週一至週日:每日11:00至晚間8:00(週四休館)
購票|全票9.5歐元,優待票4.5歐元。更多資訊請點博物館連結


▼2022必看下半展覽#03▼

佛羅倫斯二十世紀博物館(Museo Novecento Firenze・《托尼·克拉格:轉移 ( Tony Cragg : Transfer )》

Photo credit: David. Kaluza

藝術家|托尼・克拉格,擅長利用新材質和技術來復興「雕塑」語言,進而聞名於當代藝術界,全新的媒材與創作手法都是當代極具創新和實驗性的研究。

本次佛羅倫斯二十世紀博物館特別策劃這位來自英國利物浦,當代重要雕塑家之一|托尼‧克拉格《轉移》,在義大利絕對是史無前例,展覽不僅展示了藝術家的雕塑與繪畫作品,同時也將創作過程一併呈現於觀眾眼前。

從館方釋出的官方新聞稿中可以窺知一二,藝術家所有研究都可以解釋成他對形式思考的無限發展性,提供觀者一種特殊的觀展體驗,使其更接近自我省思和解釋探討的視界。不僅是對時代變遷的致敬,更是從各種藝術主義中(極簡主義、觀念藝術、大地藝術、貧窮藝術)尋找適當的解釋管道,作品媒材的選用也能夠感受其深受杜尚現成物概念的影響,進而生成今日這種有機物與合成物結合的產物呈現。

Photo credit: Serge Domingie
Photo credit: Serge Domingie

《轉移》該題旨貼近藝術家一直以來的創作歷程,並能夠切合其研究手法與思維脈絡,如何在傳統流派之中找尋到立足之地,並且善用日常生活中的現成品、合成物來闡述時代演進所帶來的影響與技術的進步等議題,相信機會是一場深刻且富含趣味的對話場域。


Tony Cragg : Transfer 》|托尼·克拉格:轉移
地點|
Museo Novecento 佛羅倫斯二十世紀博物館
策展人|Sergio Risaliti 和 Stefania Rispoli
展期|2022年9月23至 2023年1月15日
時間|週一至週日:每日11:00至晚間8:00(週四休館)
購票|全票9.5歐元,優待票4.5歐元。更多資訊請點博物館連結

官網|展覽介紹請點

◣延伸閱讀:LISSON GALLERY 畫廊【Tony Cragg 藝術家背景介紹 】


▼2022必看展覽#01▼

⧪ 主教座堂博物館(Opera del Duomo Museum)・《米開朗基羅-三聖殤:無人知曉的血汗 ( The Three Pietàs of Michelangelo: No one thinks of how much blood it costs )


Michelangelo Buonarroti 《Three Pietà》由左至右分別為, 《 Bandini Pietà 》1547-1555, Museo dell’Opera del Duomo,《 Pietà vaticana 》1498-99, Musei Vaticani, 《 Rondanini Pietà 》1552-64, Castello Sforzesco,大理石,目前皆展出於佛羅倫斯-主教座堂博物館。

義大利文藝復興三傑之一的才子巨匠|米開朗基羅博納羅蒂(Michelangelo Buonarroti)三件著名的《聖殤 Pietà》(又名聖母憐子圖,形體概念取自聖經,聖母瑪利亞哀悼基督屍體的圖像),於2022年2月首次合體,並在佛羅倫斯主教座堂博物館對外開放展出。空前絕後的企劃合作,三處國家級的博物館(佛羅倫斯主教座堂博物館、梵蒂岡博物館、斯福爾扎城堡)攜手策劃這檔早已開放超過兩個月的展覽。

原本典藏於佛羅倫斯的《 Bandini Pietà 》,藉由文物修復師們的巧手清理之後,退去先前經年累月的污漬外衣,再次泛出來自卡拉拉光滑大理石的原始色澤。梵蒂岡博物館出借的《 Pietà vaticana 》,首次將聖母瑪利亞那撕心裂肺的悲痛情緒毫無保留的顯露在公眾面前。以及米開朗基羅在離世前,依舊花費數日雕研基督型態的《 Rondanini Pietà 》,未完成的作品充分凝聚了藝術家對於雕塑本質的觀念,一種追求純粹的精神價值。

credit:Ela Bialkowska, OKNOstudio
photo credit:Ela Bialkowska, OKNOstudio

或許你我都不是鑽研雕塑的內行人,不過我們卻可以透過藝術巨匠的一鑿一敲的雕刻中發現那種不間斷的流動美,完美與不完美之間的落差可能才是身為人最舒適的階段吧。


《The Three Pietàs of Michelangelo : No one thinks of how much blood it costs 》|米開朗基羅的三聖殤:無人知曉的血汗
地點|Opera del Duomo Museum 主教座堂博物館
策展人|Barbara Jatta (梵蒂岡博物館館長), Sergio Risaliti (佛羅倫斯現代美術館館長), Claudio Salsi (米蘭斯福爾扎城堡館長), Timothy Verdon (佛羅倫斯主教座堂博物館館長)
展期|即日起,至 2022年8月1日
時間|每日9:00至晚間7:45

注意|從 8 月 6 日起,參觀 Opera del Duomo 博物館必須出示國際Covid 健康證明(英文版)或綠色通行證Green Pass。
購票|請點我,博物館連結

◣延伸閱讀:The Florentine【The three pietàs by Michelangelo exhibited at the Opera del Duomo Museum】
◣延伸閱讀:Museo Novecento【LE TRE PIETÀ DI MICHELANGELO. NON VI SI PENSA QUANTO SANGUE COSTA】


▼2022必看展覽#02▼

⧪ 斯特羅齊宮(Palazzo Strozzi)/ 巴杰羅美術館(Museo Nazionale del Bargello)・《多納太羅・文藝復興展(Donatello・Il Rinascimento)》

由斯特羅奇宮基金會(Fondazione Palazzo Strozzi)與巴杰羅博物館(Musei del Bargello )共同策劃,重建整個文藝復興脈絡裡,其中最為重要且極具影響力的藝術巨匠|《多納太羅・文藝復興展(Donatello・Il Rinascimento)》歷史上千載難逢的回顧展。

延伸閱讀|後疫情時代,斯特羅齊宮如何突破重圍不斷把當代藝術帶給佛羅倫斯民眾?

#誰是多納太羅 Donatello
本名 Donato di Niccolò di Betto Bardi(1386-1466),也譯為多納泰洛,15世紀義大利佛羅倫斯知名雕刻家,可以說是文藝復興初期寫實主義與復興雕刻的推手,對當時其藝術發展有深遠的影響。並與同時期的著名藝術家們並駕其居,如拉斐爾、米開朗基羅、菲利波・布魯內萊斯基、馬薩喬、喬瓦尼・貝利尼等。

#他與美第奇家族有著不可分割的關係
有聽說或者是看過前幾年風靡英國影視圈的劇集《美第奇家族|翡冷翠名門》,在第一季的幾場佈景當中,就可以看到多納太羅版的大衛像的身影(Donatello Davide)。當初美第奇家族花費許多金錢與心力在多納太羅身上,資助他創作出足以影響著文藝復興風格轉變的作品,美第奇家族的存在更是與其創作生涯息息相關。

多納太羅《David》,1440 , 青銅, 高158 cm, 巴杰羅美術館館藏 (Museo Nazionale de Bargello, Florence)。 photo credit: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

該展覽公開超過130件藝術品,其中包含雕塑、繪畫和素描等傳統藝術媒材的作品,當中更是有許多創作是從未對外展示過,作品取自近60個博物館與藝文機構(如巴黎羅浮宮、紐約大都會博物館等)。《多納太羅・文藝復興展(Donatello・Il Rinascimento)》在斯特羅齊宮和巴杰羅美術館 (Museo Nazionale del Bargello) 同時於兩處舉辦,提供關於這位堪稱「復興大師之父」的人物,其對於美學表現風格和透視技法的轉變,與其創作脈絡和觀念如何影響著後世們的比較關係。

此回顧展彙集了非常多的藝文機構、博物館、公家機關等等組織,一同合作順利在疫情期間展示在觀眾的眼前。不排斥古典藝術作品、雕塑品的朋友們,非常推薦可以慢慢的賞析這位藝術家所提倡的 #義式文藝美學

斯特羅齊宮展場空間。Photo credit : Antje Voigt 
斯特羅齊宮展場空間。Photo credit : Antje Voigt 

《Donatello・Il Rinascimento》|多納太羅・文藝復興展
地點|斯特羅齊宮(Palazzo Strozzi)/ 巴杰羅美術館(Museo Nazionale del Bargello
推動策劃|斯特羅齊宮 (Palazzo Strozzi) 、巴杰羅美術館 (Museo Nazionale del Bargello)
贊助單位|佛羅倫斯市政府、托斯卡尼省會、佛羅倫斯商會組織、斯特羅齊基金會合作夥伴。
合作單位|德國柏林國家博物館 (Staatliche Museen)、英國倫敦維多利亞與亞伯特博物館 (Victoria and Albert Museum)、公家機關-宗教建築基金 (F.E.C. – Fondo Edifici di Culto)
展期|即日起,至 2022年7月31日
時間|每日9:00至晚間7:45
購票|斯特羅齊宮(詳情請點)巴杰羅美術館(詳情請點)

※ 免費導覽活動:斯特羅齊宮提供每週兩次同時段,透過預約票卷申請,免費的導覽活動,每週三晚間6:00-7:30,以及每週日下午3:00-4:30。(詳情請點

◣延伸閱讀:Fondazione Palazzo Strozzi【Donatello The Renaissance】
◣延伸閱讀:The Florentine【Exhibition review: Donatello, The Renaissance at Palazzo Strozzi】


▼2022必看展覽#03▼

⧪ 舊宮(Palazzo Vecchio)・朱塞佩・佩利扎・達・沃爾佩多 (Giuseppe Pellizza da Volpedo)《 第四階級 Il Quarto Stato

Il Quarto Stato
Giuseppe 

從5月1日國際勞動節那天開始,佛羅倫斯・舊宮(Palazzo Vecchio)成為朱塞佩・佩利扎・達・沃爾佩多(Giuseppe Pellizza da Volpedo)《第四階級 Il Quarto Stato 》暫時的所在地。佛羅倫斯市政府與米蘭市政府的合作,與米蘭二十世紀博物館借出這件富涵義社會價值議題與勞工權利平等的作品,作品將對大眾開放至6月30日。

這件作品一直都是米蘭二十世紀博物館其中一件鎮館之寶,米蘭市政府於1920年收購了作品之後,期間都是在馬里諾宮的現代藝術畫廊展示,隨後於2010年移入二十世紀博物館,作為經常性地展示。

朱塞佩・佩利扎・達・沃爾佩多《第四階級》,1898-1901,油彩、畫布,293x545cm,米蘭-二十世紀博物館典藏。

#誰是Giuseppe Pelliza
朱塞佩・佩利扎,他出生於1868年7月28日 義大利沃爾佩多(北義亞歷山德里亞省的一個城市)。在家鄉的技術學院 Castelnuovo Scrivia 學習繪畫的基礎,隨後到米蘭就讀布拉雷美術學院 Accademia di Brera,並先後在數間藝術學院成為學徒。可以看作是為以社會和政治議題為繪畫核心的畫家。

#最有名的作品
他最著名的作品就是 《 第四階級 Il Quarto Stato 》,這件作品是義大利社會主義的象徵,描繪了正在準備集結罷工的工人們。這件作品耗時4年才完成,之前更是繪製 《飢餓大使 Ambasciatori della fame》與 《La Fiumana》兩件作品,皆可以看作是第四階級的前期作品。

#il Quarto Stato
(義文:第四階層/層級/等級)在法國大革命期間,被用於形容社會底層較為貧窮民眾的代稱;隨著工業革命的發展,19世紀至20世紀的前幾十年,“第四階層”一詞被用作無產階級的代名詞,指的是受過教育卻對社會絕望的工人階層

#第四階級的時代背景
朱塞佩一直以來關注義大利社會議題,作品針對1898年米蘭血腥事件的回應(當時正值民眾抗議的期間,巴瓦·貝卡里斯將軍卻向人群開槍造成殘忍大屠殺),同時也深受已逐漸成熟的人道主義社會主義思想的影響。


第四階級 Il Quarto Stato》|朱塞佩・佩利扎(Giuseppe Pellizza da Volpedo)
地點|舊宮(Museo di Palazzo Vecchio
合作單位|佛羅倫斯市政府、米蘭市政府、米蘭二十世紀博物館(Museo del 900)、佛羅倫斯 Museo Novecento

展期|即日起,至 2022年6月30日
購票|全票 €12.5,優待票 €10,免費。(詳情請點)

◣ 延伸閱讀:The Florentine【Giuseppe Pellizza da Volpedo’s The Fourth Estate in Palazzo Vecchio】
◣ 延伸閱覽:Museo Novecento【IL QUARTO STATO DI PELLIZZA DA VOLPEDO IN PALAZZO VECCHIO】


▼2022必看展覽#04▼

【預告展】 斯特羅齊宮(Palazzo Strozzi)・《準備好!進入創新NTF的數位宇宙(Let’s Get Digital! NFTs and innovation in digital art)》

Let’s Get Digital!

Refik Anadol Machine Hallucinations: Nature Dreams at Galerie König, Berlin.

斯特羅齊宮作為義大利當代藝術先驅的一員,面對本世紀最大藝術革命的洪流|元宇宙,宇宙中涵蓋著無盡的新興資源與概念,數位藝術就是其中主要的變形敲門磚,你我絕對聽過但卻未必理解的新名詞「NFT」更是快速地充斥在整個網路世界並且也將觸角伸至各種領域。究竟「NFT」(全名為非同值化代幣 aka Non-Fungible Token)是如何透過加密藝術的多元應用,重新定義藝術品的獨特性與美學價值的概念,藝術創作在虛實世界之間不斷轉換產出媒介,現今的我們可以如何去界定「藝術創作者」的界地?

#「元宇宙」從何而來?
元宇宙一詞來自於美國科幻小說家尼爾史蒂文森 (Neal Stephenson)寫作生涯第三本小說《潰雪》,出版於1992年,被譽為該作者最好的小說。在這個世界中,每個人就像電玩遊戲中的角色一樣,虛擬並無實際形體,能夠生活其中並能夠在空間中任意移動自己的虛擬角色,永遠現在進行式。


5月18日至7月31日,斯特羅齊宮將與倫敦當代數位藝術博物館(Museum of Contemporary Digital Art,簡稱:MoCDA)合作,一次把所有目前世界上最知名的數位藝術家們(Refik Anadol、Anyma、 Daniel Arsham、 Beeple、 Krista Kim 和 Andrés Reisinger)的創作帶到佛羅倫斯這座古典世界裡頭!將觀眾帶入一個由數位藝術家創造的多媒體沈浸式展演,來一場穿梭於新媒體裝置加密藝術構成的冒險旅程,探索這個正在全世界發燒的藝術革命風潮。

Refik Anadol, Machine Hallucinations: Nature Dreams at Galerie König, Berlin. Photo: Roman Maerz.
Beeple, Everydays:The First 5000 Days, 2007-2021, Photo Credit:Beeple.

不過弔詭的是,無論是透過科技與科學,或者是傳統繪畫形式。手持畫筆真實描繪出一筆一劃的作品才能夠稱之為藝術?亦或者是應用電繪筆、AI演算生成法、學習機器編程處理建構出來的圖像世界也是藝術空間的一部分?跟隨著創作媒介的進化與演變,數位藝術的價值似乎直逼古典收藏畫作了!值得我們深入去探討這個問題。


Let’s Get Digital! NFTs and innovation in digital art》|準備好!進入創新NTF的數位宇宙
地點|斯特羅齊宮(Palazzo Strozzi

策展人|阿圖羅‧加蘭西諾 Arturo galantine (斯特羅齊宮藝術總監)、Serena Tabacchi(倫敦當代數位藝術物館 MoCDA 館長)
合作單位|斯特羅齊宮 (Palazzo Strozzi) 、倫敦當代數位藝術博物館 (Museum of Contemporary Digital Art)

展期|2022年5月18日至 2022年7月31日
時間|每日9:00至晚間8:00,週四開放至晚間11點
購票|斯特羅齊宮(詳情請點)

◣延伸閱讀:INSIDE 【NFT 藝術品再創天價:Beeple 的 5000 合一拼貼畫以 6,930 萬美元賣出!】
◣延伸閱讀:ArtNet News【NFT Artist Refik Anadol’s New Show in Berlin Is Drawing Kusama-Level Lines Around the Block. We Visited to Find Out Why】
◣延伸閱讀:HYPEBEAST【使用人工智能和機器學習的超現實創作:Quantum Memories】


▎2022第五十九屆威尼斯雙年展台灣館「不可能的夢」!終於在4月23日正式與全世界連結起對話的網絡!▎

再次詮釋九○年代至今,台灣「當代」藝術發展的文化、社會、政治意涵,回顧並展望未來的未知,建立起台灣更為美好的藝文世界。

2022年4月23日終於在義大利水都迎來,因 Covid-19 延宕至今的第五十九屆威尼斯國際美術雙年展(Venice Biennale,「簡稱威尼斯雙年展」)。

歷屆都由臺北市市立美術館(北美館)主辦的台灣館,館方在年初歷經一場突如其來的意外,原訂將由一位台灣知名原民藝術家撒古流.巴瓦瓦隆(SakuliuPavavaljung)代表展出,因涉嫌一起妨害性自主事件,北美館「為維護台灣之國際外交形象與聲譽,同時避免台灣館之藝術表現討論失焦」為由,取消與其合作。在多方商討研擬後,迅速規劃出備案並積極與威尼斯雙年展主辦方積極協調,使台灣依舊有機會登上兩年一度的國際舞台。

第五十九屆威尼斯藝術雙年展臺灣館(簡稱台灣館)主題為「不可能的夢 Impossible Dreams」,依舊在義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸(Palazzo delle Prigioni)為公眾展示。

臺北市立美術館策劃,「不可能的夢」展場主視覺,義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸(Palazzo delle Prigioni),2022。(臺北市立美術館提供)
「不可能的夢」展出現場,2022。(臺北市立美術館提供)

本次台灣館集結了自1995年起,歷屆以來參展的精華回顧,就如同在第五十一屆(2005)時台灣館為探討並重新詮釋九○年代以降台灣「當代」藝術發展的文化、社會、政治意涵,將過去五屆22位參展藝術家作品重新彙整並以新的語言詮釋,如同此屆的策展概念,再次以不同的面向並利用文獻資料的整合,創造出一個歷史性的回顧,建立起台灣與國際對話的平台。

Taiwan Exhibitions (1995-2019), Courtesy of Taipei Fine Arts Musem。 威尼斯雙年展台灣館(1995-2019)。(圖像臺北市立美術館提供)。

威尼斯雙年展|台灣館
不可能的夢

Impossible Dreams

「不可能的夢 Impossible Dreams」策展理念

本屆的展覽主題為「不可能的夢」,「不可能」在此意指「尚未成為可能」,描述未來更為美好的人事物與世界的情況與希望,作為台灣館自1995年至2019年,參展以來的歷程回顧並展望未來與其對話。

「夢」,比擬成一種容器、停駐站與幻影,乘載著時間和空間兩種無形的概念相纏繞。「夢」創造一條無形的路徑,將現實與幻境、意識形態到無意識界域連結起來,任由想像力自在翺遊其中;與此同時,「夢」也具現了負面混亂的情緒與狀態,不斷復頌的混亂的故事。

「不可能的夢」展場,義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸(Palazzo delle Prigioni),2022。(臺北市立美術館提供)

展覽核心|「文獻展示」、「國際論壇」

北美館將台灣自1995年來,參與過13屆的展覽內容,劃分成為兩條軸線「文獻展示」和「國際論壇」以引導出更為深化得記憶對話,藉此從當前危機的限制中,誘發出努力實踐未來的可能性。

「文獻展示」由北美館策劃,將建構一個尚待被重新啟動的記憶空間,敘述歷屆展覽主題概念、展場影像、視覺文宣設計、記錄片段,與幕後籌備團隊相關文獻資料。用以反思歷年台灣館如何藉由直面歷史、日常社會議題等的多元當代藝術,透過國際舞台再次呈現「臺灣文化脈絡與觀點」。

「國際論壇」則由總召集人|派翠克佛洛雷斯 Patrick D. FLORES(菲律賓大學藝術研究系藝術研究教授,曾多次擔任韓國雙年展策展人之一、2019年新加玻雙年展藝術總監),以及資深策展人|徐文瑞、國立高雄師範大學跨領域藝術研究所教授|吳瑪悧,擔任各場次主持人,並規劃邀請國內外學者、藝術家一同參與,試圖以「論壇」為方法,從各個面向重新思考威尼斯雙年展中的台灣館,並回應當今世代的關鍵議題,鼓勵觀點共存、解放已固化的知識面,將其導向開放性結局。

國際論壇召集人|派崔克・佛洛雷斯 Patrick Flores, Convener of International Forums。(臺北市立美術館提供)

「不可能的夢 Impossible Dreams」
展品類型

回首台灣館歷年來在威尼斯展出的眾多藝術創作,其中包含姚瑞中《本土佔領行動》、崔廣宇《系統生活捷徑系列-表皮生活之作品》、湯皇珍《我去旅行V / 一張風景明信片》、蔡明亮《是夢》、陳界仁《帝國邊界》、張乾琦《中國城》(部分)、謝德慶《跳》等,再次將當時展出的熱度延伸至2022。

【姚瑞中《本土佔領行動》】
姚瑞中《本土佔領行動》於「不可能的夢」中展出。(圖像攝影/楊天帥,典藏藝術網)。

【崔廣宇《系統生活捷徑系列-表皮生活之作品》】
崔廣宇《系統生活捷徑系列—表皮生活圈》於「不可能的夢」中展出。(圖像攝影/楊天帥,典藏藝術網)

【蔡明亮《是夢》】
蔡明亮《是夢》於「不可能的夢」中展出。(圖像攝影/楊天帥,典藏藝術網)

【陳界仁《帝國邊界》】
陳界仁《帝國邊界》於「不可能的夢」中展出。(圖像攝影/楊天帥,典藏藝術網)

主題論壇

四場論壇分別從各種主題延伸展開:
A.「是什麼構成了國家館?國家館又產生什麼?」> 探討台灣館的起源與轉變。
B.「時間、身體、科技」>深掘身體能動性與時間、科技中介之關係。
C.「歷史生態學」> 細究自然與人文歷史之間的緊密交織。
D.「他人的自由 / 他種自由」> 則討論人們面對自由、暴力、抗爭等緊迫政治議題時的分歧與凝聚。


威尼斯雙年展|台灣館於4月21日開幕式現場。2022。(圖像攝影/楊天帥,典藏藝術網)

日前(21日)在義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸 (Palazzo delle Prigioni)順利完成開幕式,並將自4月23日起向大眾開放。當天開幕式,北美館館長|王俊傑、「國際論壇」召集人|派崔克‧佛洛雷斯(Patrick Flores)、駐義大利台北代表處大使|李新穎等主要人士出席慶賀。

北美館館長|王俊傑。2022。(圖像攝影/楊天帥,典藏藝術網)

北美館館長王俊傑表示,自己是首次以北美館館長身份參與,過去曾以藝術家身份參與此等盛會。他解釋道,標題的「夢」有兩個含義,一種是「我們日常生活對夢的想像,另一種就是台灣在國際舞台裡面,我們怎麼在國際發聲和對話」,而「不可能的夢」之意,其實是還未可能,箇中包含了對未來的更美好的響往。

過去台灣曾經能夠以「國家館(Pavilion)」的名稱站在這個國際舞台上,而後因為諸多政治因素轉而以平行展的形式呈現,即使中文字面仍然使用「台灣館」,但在英譯上則沒有使用「Pavilion」一詞,而是使用「Taiwan Exhibition」,主要原由為主辦方不同意。

至今台灣依舊處於如此兩難的平面上,或許把一切對於現實的期望與改變放置於夢境中才是一個最好說服我們自己的方式吧?!永遠以「期許」的心態來看待台灣未來在藝文領域上的位置,可能比較不會受傷害吧?究竟這檔在如此短時間內生出來的「台灣館」,是否真的可以在威尼斯雙年展中有效建立起與國際接軌的對話連結,就只能拭目以待了。

【展覽訊息】
.展覽地點

義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸(Palazzo delle Prigioni) Castello 4209, San Marco, Venice
.開放時間
2022年4月23日至9月25日
每週二至週日上午11時至下午7時
2022年9月27日至11月27日
每週二至週日上午10時至下午6時
週一休館,4/25、5/30、6/27、7/25、8/15、9/5、9/19、10/31及11/21特別開放
.免費對大眾開放

*延伸閱讀|
想了解更多第五十九屆威尼斯雙年展台灣館的原訂展覽內容,可以到以下連結延伸閱讀。

https://artemperor.tw/focus/4460
〈【威尼斯雙年展現場報導】「不可能的夢」開展:回顧威尼斯雙年展台灣館走過的路冀望將來
https://artouch.com/news/content-63789.html
〈威尼斯雙年展台灣館「蔓生:撒古流」 從斜坡文化蔓延四個展區與新作 反思跨族類的共存關
https://artemperor.tw/focus/446

*文章資訊參考:

典藏藝術網 ARTouch.com,2022/04/22,楊天帥
https://artouch.com/news/content-63789.html
聯合新聞網,2022/01/13,聯合報 / 記者陳宛茜劉星君https://udn.com/news/story/12660/6029523

【2021佛羅倫斯|11月展覽快訊】佛村藝文展覽好去處,推薦❹個國際級展覽給你!

11月份的佛羅倫斯,你還可以去哪邊看展覽?
除了#Jeff Koons、#Gucci Garden百年特展、#Salvatore Ferragamo silk 菲拉格慕博物館的絲綢特展之外,佛村還有其他很不錯的地方可以去看展,充實你的美學日常。

推薦給你4個才剛開展或是即將結束,不可以錯過的展覽給你!


⧪ 《Lo Sfregio 傷疤》Uffizi 烏菲茲美術館

11月25日是「國際終止婦女受暴日」為聯合國於1999年制定的國際日;義大利薩萊諾攝影師 Ilaria Sagaria (音譯:伊拉里亞‧薩加里亞) 透過她的鏡頭,將目光聚焦在那些受化學灼傷導致身體傷疤婦女們的故事,以「痛苦不是特權」為題的攝影展,呼籲反暴力,探討打擊那些對婦女的暴力行為。

11月2日起,在烏菲茲美術館二樓展廳展示,與從巴杰羅美術館借來巴洛克藝術家- 喬凡尼‧洛倫佐‧貝尼尼 (Gian Lorenzo Bernini) 的「卡斯坦莎‧皮科洛米尼‧博納雷利」半身像(Costanza Piccolomini Bonarelli))一同呼應。


此展主旨即是《#LoSfregio #傷疤》,將這股反婦女暴力的意識訴求,公開地攤開在大眾面前,使更多人關注議題的重要性。

Galleria degli Uffizi|Lo Sfregio 傷痕
地點|Galleria degli Uffizi
藝術家|Ilaria Sagaria、Gian Lorenzo Bernini
展期|2021年11月2日至2021年12月19日
時間|週二至週日,上午8點15分至下午6點50分(每週一公休)
購票|全票12€、優待票2€*(入場預約4€)
現場購票,官網預約 (票價包含在烏菲茲美術館票券中) 請點
*優待票資格:請點

⧪ 《Jenny Saville in Florence|佛羅倫斯遇見珍妮‧薩維爾5間博物館聯合展出

Jenny Saville, Study for the Eyes of Argus, 2021 (detail) © Jenny Saville. All rights reserved, DACS 2021. Photo: Prudence Cuming Associates

你問當代哪一位藝術家描繪女性裸體最為出色?

我會說來自英國的當代藝術家-珍妮‧薩維爾 (Jenny Anne Saville, 1970-) 筆下的女性描繪出一種非社會價值觀點下的女性軀幹,反而將在社會壓迫下產出的中性狀態的形體,毫無保留的將世人選擇忽視、排斥的群體,以程式化的筆觸與油彩色塊精準刻印在畫布上。作為蘇富比當代在世女性藝術家,畫作價格最高昂的一人。



現在有機會可以直接在佛羅倫斯5個市立博物館中觀賞到她的作品;主展場從新世紀博物館(Museo Novecento) 近百幅油畫和素描開始,到舊宮(Palazzo Vecchio) 最富麗堂皇的五百人大廳 (Salone dei Cinquecento) ;藝術家畫作裡那濃厚與文藝復興的連結,特別是她對米開朗基羅‧博納羅蒂(Michelangelo Buonarroti)的迷戀,主教堂博物館則將她的《學習聖母憐子圖 (Study for Pietà)》 (2021)與米開朗基羅的雕塑《聖母憐子圖 (Bandini Pietà)》 (c. 1547–55) 陳設一起對話,在博納羅蒂之家博物館(Museo di Casa Buonarroti)則展示她多數的繪畫與素描圖。


當代與歷史連結對話,藉由佛羅倫斯歷史悠久的文化機構的聯手合作,讓珍妮‧薩維爾帶你進入到這些博物館的深處,探索人體內心的玄奧,找尋人文主義和文藝復興之間的連結。

Jenny Saville in Florence|佛羅倫斯遇見珍妮‧薩維爾
地點|
多個展出地點,參觀前請務必查詢官方資訊
Museo Novecento(新世紀博物館)、Museo degli Innocenti(孤兒博物館)、Palazzo Vecchio(舊宮博物館)、Museo dell’opera del Duomo(主教座堂博物館)、Museo di Casa Buonarroti(博納羅蒂之家博物館)
展期|即日起至2022年2月20日
時間|依據各展館的展演時間而有所不同,請查詢 Museo Novecento新世紀博物館官網
購票|任一展覽地點購買「全價門票」將有權在其他展覽地點享有優惠折扣*

Palazzo Vecchio(5.00 歐元)、Museo Novecento(4.50 歐元)、Museo degli Innocenti(6.00 歐元)、Casa Buonarroti(5.00 歐元)〔須出示相關博物館以全票購買的首張門票,此優惠無法以線上購票方式。〕

⧪ 《Inside DALÌ 透視達利》Cattedrale dell’Immagine 圖像大教堂

老橋聖斯德望堂,現已晉升成為科技融合藝術,
佛羅倫斯唯一能夠體驗5G+4K沈浸式展演空間「圖像大教堂 Cattedrale dell’Immagine」。

過去曾將梵谷、達文西、瑪格麗特等世界著名藝術家的作品搬上360度大螢幕,融合音樂的播放與VR視覺體驗,放大觀眾對於平面繪畫的想像。

《Inside Dalí》 則將超現實主義藝術家:薩爾瓦多‧達利,超越現實與虛幻的世界置入整個展演空間,四面八方無一死角;把你帶入達利與眾不同的腦袋裡,與科技產業合作,多次經驗磨合修正,打造出與前期不同的觀賞體驗。在 11 月 20 日星期六下午 5 點,邀請到 Instagram超過18萬追蹤數的西西里插畫家 – 佛吉妮雅・迪・喬治(Virginia Di Giorgio)以線上連線直播的形式,現場表演 #virginiadigiorgio #arte Virgola ,並將安排粉絲見面會。

Cattedrale dell’Immagine|《Inside DALÌ 透視達利》
地點|Cattedrale dell’Immagine(PIAZZA DI SANTO STEFANO, 5, 50122  FIRENZE)
展期|即日起至2022年1月16日
時間|週一至週四上午10點至下午6點,週五/週六上午10點至晚間8點,週日則到晚間7點(每日閉館時間不同,請多加留意)
電話|+39 055 217418
購票|全票13€、優待票10€*、幼童票8€**、特殊票價8€(相關資訊請點選 https://www.insidedali.it/prezzi-e-orari/)
官網|相關資訊請點
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*優待票:學生、65歲以上年長者。
*免費入場:5歲以下幼童。

⧪ 《靈魂:動畫電影的魔力|從白雪公主到無敵鐵金剛》Palazzo Medici Riccardi  美第奇里卡迪宮

你知道卡通人物是如何誕生的嗎?你有看過動畫電影一張張的分鏡手稿嗎?現在你有機會在佛羅倫斯美第奇里卡迪宮,近距離的參透動畫師們施展魔法的秘密。


美第奇里卡迪宮,在歷經5個月的閉館重新裝修期,以全新的空間格局,帶來一場大人小孩都會喜愛的動畫展覽,首次將近500多部全世界最有名且受歡迎的動畫電影原著手稿展出在大家面前。卡通、動漫、動畫電影,不管是大朋友、小朋友都喜歡,此次展覽由佛羅倫斯市與博物館協會(MUS.E)協力推動,並和美第奇里卡迪宮以及佛羅倫斯NEMO學院合作執行。

原訂於10月17日結束展期,目前將延長至2021年11月14日,讓更多人有機會看到這數百幅來自迪士尼、夢工廠、日本知名動漫的前後製作期的圖紙原稿。

Palazzo Medici Riccardi|《靈魂:動畫電影的魔力|從白雪公主到無敵鐵金剛》AniMA – La Magia del Cinema d’Animazione da Biancaneve a Goldrake
地點|Palazzo Medici Riccardi
展期|即日起至2021年11月14日
時間|週四至週二,上午9點至下午7點(每週三公休)
電話|+39 055 2760552
購票|全票10€、優待票6€* [現場購票,官網預約請點]
(需要預訂 info@palazzomediciriccardi.it)
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*優待票:18-25歲、大專院校學生。
*免費入場:0-17歲、導遊證、記者證、殘疾人與陪同人員等。