▎來場光線與時空的「捉迷藏」波蘭藝術家 Mateusz Choróbski 米蘭首次個展 with Secci Gallery ▎

▎let’s have an [ Hide-and-Seek ] of Light and Time, Polish artist Mateusz Choróbski’s first solo exhibition in Milan with Secci Gallery ▎

「圓柱體,清晰劃分社經地位,形狀反映了人們對社會等級制度的幻滅信念,由建築工地的水泥廢料、
黃銅鑄造的波蘭硬幣製成。
所使用硬幣總價值=2021年波蘭官方統計 (以一家四口為例) 【貧困基準線】。」
— [2329,77/4, 2022]

“The shape reflects the disillusionment with social hierarchy and is made of Polish coins minted in brass from cement waste at construction sites.
The total value of the coins used on the creation = [the poverty line] corresponds to the official statistics of Poland in 2021 (based on a family of four) .”
[2329,77/4, 2022]

對光的研究和時間的測量都是研究實踐的重要工具
the research on light and the measurement of time is the essential tools to investigate the practice.

藝術家們的創作靈感,大多數都來自於日常生活中的痕跡。
Most of the artists’ creations are inspired by the traces of daily life.

馬特烏斯・喬羅伯基 Mateusz Choróbski(波蘭,1987)通過對周遭環境的細微觀察,擷取事物的每一個面向轉化爲作品精髓來源,從相異的材質載體中獲取必要的訊息跟特徵,藉由解構與分析的過程,觸及藝術家敏銳的感知經驗,重新建構出一種截然不同的視覺載體,巧妙地將重塑後的物件與空間和時間的特徵融合一起,再次被賦予不同於先前的詮釋方向。

Mateusz Choróbski (Poland, 1987), through his subtle observation of the surrounding environment, extracted every aspect of things and transformed them into the source of the essence of his works, obtaining the necessary information and characteristics from the different material carriers. By deconstructing and analyzing the object, the artist touches on the artist’s acute perceptual experience and reconstructs a different visual vehicle, skillfully integrating the reshaped object with the characteristics of space and time, giving it a different direction of interpretation than before.


photo credit: © contemporarylynx.co.uk

馬特烏斯・喬羅伯基 Mateusz Choróbski, 1987 年出生於波蘭拉多姆思科,現定居於波蘭華沙。畢業於波茲南藝術大學與華沙美術學院。

他是多媒體、裝置、行為藝術與雕塑的創作者。針對現成建築材料的再生利用,受到現實社會的影響與啟發,進而將多感官的作品帶入廣泛的概念性框架中(日常現成物、常見物品、自然生物)。對藝術家而言,與「有效的藝術實踐」相對的應是「空間概念」和「物理性的感知」。

近年來不斷到各國進行展出,柏林・Another Vacant Space (2013)、波蘭貝托姆・Kronika Centre for Contemporary Art (2016)、波蘭華沙・Wschód Gallery (2019)等地,更是與義大利結下了深刻的緣分,分別在(2019)羅馬・La Fondazione、(2020) 佛羅倫斯・Edorardo Secci Gallery 舉辦展覽,同年受埃娃・卡恩博士基金會 Dr. Kahán Éva Foundation 的邀請,在托斯卡尼中部作為三位藝術家之一,進行為期一個月的藝術駐村計畫。

Mateusz Choróbski, born in 1987 in Radomsko, Poland, now lives in Warsaw, Poland. He graduated from Poznan University of Arts and Warsaw Academy of Fine Arts.

He is a creator of multimedia, installation, performance art, and sculpture. He is influenced and inspired by the reality of society through the recycling of readymade building materials, which in turn brings multisensory works into a broad conceptual framework (everyday readymades, common objects, natural creatures). For the artist, the opposite of “effective art practice” should be “spatial concept” and “physical perception”.

In recent years, he has been exhibiting in various countries, such as Another Vacant Space (2013) in Berlin, Kronika Centre for Contemporary Art (2016) in Bertram, Poland, and Wschód Gallery (2019) in Warsaw, Poland, and has a deep connection with Italy, where he exhibited at (In the same year, he was invited by the Dr. Kahán Éva Foundation to be one of three artists in central Tuscany for a month-long residency program.


2020年,在佛羅倫斯・塞奇畫廊(Eduardo Secci Gallery)的展覽中,【一步之遙 A Step Away】透過轉換空間與物體之間主賓的關係,輕柔譜寫出一系列作品與展廳的音符節奏,加入自然界礦物和植物元素的特徵,再生合成出尋常主體,讓時間和物質自然發揮它們的作用,好像變奏曲一般不依循常態律動。然而,展覽當時卻受到新冠疫情的影響,參觀人次銳減僅維持短短數週,隨即結束展演。

In 2020, in the exhibition at Eduardo Secci Gallery in Florence, A Step Away gently composed a series of works and rhythms of the exhibition hall by changing the relationship between space and objects, adding the characteristics of natural mineral and plant elements, regenerating, and synthesizing the ordinary subject, allowing time and matter to play their role naturally, like a rhythm. It is like a variation of the normal rhythm. However, the exhibition was affected by the new epidemic and the number of visitors dropped drastically for a few weeks, and the exhibition was then closed.

photo credit: cantori.it ©

三年過去疫情趨緩,同樣在義大利知名藝評、策展人—皮爾・保羅・潘科托Pier Paolo Pancotto的推波助燃之下,終於在米蘭・塞奇畫廊(Secci Gallery)的NOVO實驗空間以【捉迷藏 Hide and Seek】為題,開啟藝術家首次個展,並且同步於米蘭舊蒸汽工廠 Fabbrica del Vapore 轉型後的文創園區裡,啟動另一個特定的燈光裝置項目。

Three years later, the epidemic subsided, and with the help of Pier Paolo Pancotto, a renowned Italian art critic and curator, the artist finally opened his first solo exhibition at the NOVO Experimental Space in Secci Gallery in Milan under the title Hide and Seek. In parallel, another specific lighting installation project was launched in the transformed cultural and creative park of Fabbrica del Vapore, the former steam factory in Milan.

Mateusz Choróbski, exhibition view at Fabbrica del Vapore, Milano 2023. photo by Gogo. W

Mateusz Choróbski, exhibition view at Fabbrica del Vapore, Milano 2023. photo by Gogo. W


兩個室內外的場域,兩種時間流動的方式,白晝之間的關係,共通點為馬特烏斯・喬羅伯基Mateusz Choróbski的作品本身。在畫廊中,物品順時鐘流動,轉身觀察蒸汽工廠展出的大型裝置則是以逆時鐘流動。前者為私人空間制定;後者則是公共空間的燈光裝置,想要自然穿梭在兩地展覽之中,唯有透析隱藏在作品背後的概念和思維,理解藝術創作本質上的價值與意義,並且實地走訪感受文字敘述外的感知體驗,能將自身經驗與觀展體驗串連。

The relationship between two indoor and outdoor spaces, two ways of time movement, and daylight, is common to Mateusz Choróbski’s work itself. In the gallery, the objects flow with the clock, while the large installations on view at the Steam Factory flow against the clock. The former is a private space; the latter is a light installation in a public space. To move naturally between the two exhibitions, the only way to understand the intrinsic value and meaning of art creation is to analyze the concepts and thoughts behind the works, and to visit the site to feel the perceptual experience beyond the written narrative, so as to connect one’s own experience with the viewing experience.


Mateusz Choróbski, exhibition view at Secci Gallery, Milano 2023. photo by Gogo. W
Mateusz Choróbski, exhibition view at Secci Gallery, Milano 2023. photo by Gogo. W

開幕當晚,有幸結識策展人與藝術家以及熱情的藝術工作者們,即使只是短暫幾分鐘的攀談,誘發出的藏匿在內心深處的熱情與感受。藝術家簡單解釋道,座落在戶外空間的大型裝置,將舊建築退去的窗戶玻璃再利用,混合燈光裝置搭建出形似建築頂端的輪廓,白天你找不到它的蹤跡,當日落時分它才會悄悄地現身在你的視線裡,時分秒清晰開啟與環境間的對話。

On the opening night, we had the opportunity to meet the curators, artists, and enthusiastic art workers, and even if it was just a few minutes of conversation, it induced the passion and feelings hidden deep inside. The artist briefly explained that the large installation, located in the outdoor space, reuses the receding window glass of the old building, and mixes it with lighting installations to create a silhouette that resembles the top of the building, which you can’t find during the daytime, but when the sunset comes, it quietly appears in your sight, opening a dialogue with the environment every second.

初次到訪畫廊位於米蘭的空間,2米高的落地玻璃,大方消除空間的隔閡,[2329,77/4, 2022]這件裝置的標題來自錢幣的總和,由熔化金幣再製的複合媒材雕塑,數件高低之分的圓柱結構,連接著展間的地板與天花板。 空氣中充斥著一股淡淡的肥皂氣味,從形似工程中的木質結構雕塑系列[37 Old Road No.1/2/3, 2022]散發出,那是藝術家記憶中對家的嗅覺記憶。

When I first visited the gallery’s space in Milan, the 2-meter-high floor-to-ceiling glass generously bridged the space. [2329,77/4, 2022] The title of this installation comes from the sum of coins, a composite media sculpture made from molten gold coins, and several high and low cylindrical structures connecting the floor and ceiling of the exhibition space. The air is filled with a faint smell of soap, emanating from a series of sculptures shaped like the wooden structures in the project [37 Old Road No. 1/2/3, 2022], which are the artist’s olfactory memories of home.

[2329,77/4, 2022]
[37 Old Road No.2, 2022]

3件運用鋼、玻璃與燈光構成的作品[Hide and Seek no.1/2/3, 2023],柔和的光線透出氣泡霧面玻璃結構,照亮了昏暗的空間,塑造了鋼構的視覺輪廓,轉化材質的功能性,無聲無息突破舊有的表現力。

輕描淡寫的向我們道出,身為波蘭人的社會困境,具體化經濟現況帶出的實際價值議題,由淺到深看見存在於世界各角的真實課題。

 The soft light of the three works [Hide and Seek no.1/2/3, 2023], which use steel, glass, and light, illuminates the dim space with its air bubble matte glass structure and shapes the visual contours of the steel structure, transforming the functionality of the material and breaking through the old expression without a sound.

The lightness of the light shows us the social dilemma of being a Polish person, and the actual value issues brought out by the concrete economic situation, from the shallow to the deeper to see the real issues that exist in all corners of the world.

Mateusz Choróbski, exhibition view at Secci Gallery, Milano 2023. photo by Gogo. W


Mateusz Choróbski・Hide and Seek|馬特烏斯・喬羅伯基|捉迷藏
策劃人|Pier Paolo Pancotto
展期|即日起,至 2023年527
地點|米蘭・塞奇畫廊 Secci Gallery Milano、米蘭・舊蒸汽工廠 Fabbrica del Vapore
時間|Fabbrica del Vapore:週一到週日 上午8點-下午9點 / Secci Gallery:週二到週六 上午10點-下午1點 、下午2點-6點,週日一公休
免費入場參觀


▼ 義大利常青畫廊 ϟ培育ϟ 夢想的能力 ・Galleria Continua ⇝ The Ability to(take care of)Dream ▼

當初的記憶畫面仍然清晰,2015年末結束與人生第一家畫廊IP Gallery的工作關係,已非展商身份進入當年的台北國際藝術博覽會(2015 ART TAIPEI),那彷彿水面連續性的動態波紋,突然出現在純白展牆上,究竟是哪一間腦度大開的畫廊,以此般非傳統的陳設方式來展示藝術家的作品?有那麼一瞬間,我以為自己並不是在一個商業銷售場合,而是站在一個小型美術館內,仔細端詳展位說明牌後,「常青畫廊Galleria Continua」大概是在那時被寫進我的記憶光譜中。

Everything was so fresh and clear, in late 2015, when I had just finished working with my first gallery – iP Gallery and entered ART TAIPEI 2015 as a non-exhibitor, the dynamic ripples that seemed to be continuous on the water surface suddenly appeared on the pure white exhibition wall. “Which ‘genius gallery’ will present the artist’s creation in such an unconventional way?” For a moment, I thought that I was standing in a pocket art museum instead of a commercial venue. After carefully examining the booth description, “Galleria Continua” was probably written into my memory at that time.

Loris Cecchini 《漣漪-未同步的情感 Wallwave Vibration-Asynchronous Emotion》, Galleria Continua, 2015 ART TAIPEI, photo credit: © ART TAIPEI 台北國際藝術博覽會

時隔7年,造訪過畫廊各式各樣的展覽形式,從羅馬到聖吉米尼亞諾,從巴黎到杜林,皆能感受到空間與空間之間充斥著畫廊對於藝文產業純粹的偏愛與執著,很多時候都會懷疑這倒底是不是間「畫廊」!但一切卻是如此的自然與舒服,隨著每一次有計畫性的探訪,過程中往往會發生一些難以預料的插曲,比起無比的欽佩與崇拜,更多是著迷於隱藏在每段故事背後的辛酸苦辣。

In the last 7 years, I have visited them in various exhibition formats from Rome to San Gimignano, from Paris to Turin. I can feel the gallery’s pure preference and obsession with the art industry from space to space. However, everything is so natural and comfortable, with each planned visit, some unforeseen interludes often occur, and more than admiration and adoration, I am more fascinated by all the pains, sorrows, and arguments hidden behind each paragraph.


穿梭於時空之間美麗的事物

the Beautiful things that travel through time and space


2022, Exhibition view Galleria Continua, Roma. photo credit: ©Gogo.W

2022, Exhibition view Galleria Continua, Paris. photo credit: ©Gogo.W

2022, Art Fair view of Galleria Continua, Paris+ par Art Basel, Paris. photo credit: ©Gogo.W

2022, Exhibition view Galleria Continua, San Gimignano. photo credit: ©Gogo.W

如同希臘神話中的《克爾伯洛斯》三顆頭顱有著相同的目標,馬里歐・克里斯蒂亞尼洛倫佐・菲亞斯奇毛里齊奧・瑞吉洛(Mario Cristiani, Lorenzo Fiaschi, and Maurizio Rigillo)代表著常青畫廊的過去、現在和未來,是通往當代藝術未成形領土的守護者。縱觀藝文界,不論組織規模大小、策展團隊組成、展演主題形式,凡是牽扯到「合作」就不會是件容易輕鬆的事情,任何群體必定會有意見衝突的情況發生,無論檯面上是如何的光鮮亮麗,背後勢必是經歷過無數次的妥協與協商,學習與創新的過程存在著。

Just like Cerberus the figure with three heads in Greek mythology, Mario, Lorenzo, and Maurizio represent the past, present, and future of the gallery, the guardians of the unformed territory of contemporary art. Take a panoramic view of the art industry, regardless of the size of the organization, the composition of the curatorial team, or the theme of the exhibition, anything that involves “cooperation” is always not an easy task, any group is bound to have conflicts. No matter how successful and shiny it is on the table, it must have gone through numerous compromises and negotiations, learning, and innovation processes behind the scenes.

Mario Cristiani, Maurizio Rigillo and Lorenzo Fiaschi, photo credit: © Riproduzione riservata

但究竟是什麼樣的理由,這些從事藝文產業的人們能夠鍥而不捨,堅持走在藝術文化傳播這條荊棘路上?為什麼藝術市場在近年整體經濟局勢衝擊的影響下,還能夠以不同的姿態屹立不倒?單純的商業利益或許重要,獨具慧眼的特質也許是必需,然而回歸到藝術價值的本質這回事,如何去解讀並定義它,相對於不同專業領域、性別年紀、身份角色、動機目的等角度就會有著程度上的差異與判讀標準。

However, what are the real reasons for the perseverance of these people who are involved in this industry to stay on this thorny path of art and culture dissemination? Why has the art market could still be able to stand still in the impact of the economic situation in recent years? While purely business interests may be important, unique, and discerning qualities may be necessary. When it comes to the “nature of artistic value”, how to interpret and define it varies from field to profession, gender to age, identity to the role, and motivation to purpose will have different interpretations and criteria.


參訪者:「我們之所以喜歡 常青畫廊 正是因為你們不在意任何事情,而單純堅持著你們的信念!」
馬里歐:「說實話,或許正好相反那正是因為我們在乎所有事情…」

Visitor: “Quello che mi piace in Galleria Continua è che non ve ne frega di niente, andate avanti con le vostre convinzioni.”
Mario: “Per dire la verità, a noi frega un po’ di tutto…”


記憶回溯三個月前,那是一個溫度驟降的夜晚,等待電腦載入幾週前到羅馬旅遊的照片檔案,當中就包含Galleria Continua 常青畫廊,位於羅馬瑞吉酒店一樓展示空間名為“Geometria delle Forme 幾何形式“的聯展影像。一個習慣性的動作,引導自己點擊進畫廊的IG,赫然發現隔一天在聖吉米尼亞諾(San Gimignano)的空間有一場開幕,當下的我立馬寫了封預約信寄到官網,查詢交通方式與時間、訂購車票,一切規劃僅在10分鐘內結束,換來的是因過於興奮而徹夜未眠的狀態。

Let’s rewind time back three months ago, it was a chill night when I was waiting for the computer to load the photo files from the disc of my trip to Rome a few weeks ago, images from a group exhibition entitled “Geometria delle Forme” by Galleria Continua, located on the ground floor of The St. Regis Rome. A habitual action led me to check on the gallery’s Instagram page while waiting, and I found out that there was an opening in San Gimignano the next day. I immediately sent a reservation letter to the gallery, inquired about transportation and time, and ordered a ticket. All the planning was over in just 10mins, and the result was a sleepless night due to the excitement.

“The Ability to Dream” documentary Premiere Symposium. photo credit: ©Gogo.W

“The Ability to Dream” documentary Premiere Symposium. photo credit: ©Gogo.W

一個為處於托斯卡尼省中部山丘上的城區—聖吉米尼亞諾(San Gimignano)是 常青畫廊 Galleria Continua 故事的搖籃,今天這小小的城邦被稱為「藝術之城」乘載著數個世紀以來古老的藝術遺產。那天抵達波吉邦西站時(Poggibonsi),當我見到英國雕塑家—安東尼・葛萊姆(Antony Gormley)極具特色的大型人體裝置時,我就知道我正走在對的路上。

San Gimignano, a town in the central hills of Tuscany province, is the cradle of the story of Galleria Continua, a small city-state known today as the “City of Art” that carries the ancient artistic heritage of centuries. Upon arriving at the Poggibonsi station I knew I was on the right track when I met the highly distinctive human structure installation by British sculptor Antony Gormley.

義大利「貧窮藝術」運動代表性藝術家—米開朗基羅・皮斯特萊托(Michelangelo Pistoletto)站在門口外即可瞥見他那廣為人知的「鏡面」系列作品;曾在常青畫廊的地板上開了一個大洞設置作品的英國雕塑家—安尼施・卡普爾(Anish Kapoor);將「香蕉」視為原罪意象的形體,透過數量與時間去探討人類信仰價值的中國藝術家—顧德新;其中更是不可缺少,間接地促使常青畫廊前進中國開拓視界並和世界接軌的主因,旅法中國概念藝術家—陳箴的作品等。

Michelangelo Pistoletto, an iconic artist of the “Art of Poverty” movement in Italy, you can glimpse his popular “Mirror” series even just standing outside the door; Anish Kapoor, the British sculptor who opened a big hole in the floor at Galleria Continua to install his work; Gu Dexin, the Chinese artist who sees the ” Banana ” as a form of imagery of original sin and explores the value of human faith through quantity and time by his concept installation; and which is indispensable, the person who indirectly induced Galleria Continua to expand its horizons in China and worldwide—the presence of Chen Zhen, a Chinese conceptual artist in France, and more than that.


The Ability of Dream
一展凝聚66位與畫廊合作過藝術家的作品,共同展示在聖吉米尼亞諾五處空間與公眾形成的沈浸式對話場域。

The exhibition “The Ability of Dream” gathers 66 artists who have collaborated with the gallery from the past and present, forming an immersive dialogue with the public in five spaces in San Gimignano.

Michelangelo Pistoletot, Color and Light, 2017, juta, mirror, gilded wood, 5 elements: 180 x 120 cm each unique wor. photo credit: ©Gogo.W

Gu Dexin, 2007-01-13 2007,  photo diptych, marble column, cast iron vase, diptych: 125 x 151 cm each; column: 50 x 50 x 85 h cm; vase: Ø 80 cm, 75 h cm, 47 x 47 cm base. photo credit: ©Gogo.W

Chen Zhen, Les Textes de la lumière / La Lumière des textes, 1992, Metal, glass, neon, red pigment powder, earth, objects, red adhesive letters, 190 x 140 x 31 cm. photo credit: ©Gogo.W

Loris Cecchini – Waterbones (Sensitive Chaos) 2022, Special Project, exhibition view Galleria Continua, San Gimignano. photo credit: ©Gogo.W

Hans Op de Beeck, Pond (circular 300), 2013, glass, wood, polyster, polymide, coating, 15*300*300cm. photo credit: ©Gogo.W

Antony Gormley, SUM, 2012, Cast iron, 22*201*51cm. photo credit: ©Gogo.W

當你步入這建構在這古老經典劇院內的當代畫廊,迎面而來的是種穿越時空的既視感。聖吉米尼亞諾的新劇院(The Cinema Teatro Nuovo)是過去當地社區非常熱門的據點,在閒置多年後,因緣際會在Lorenzo的提議之下,經過修繕與維護工程,成為了常青畫廊主要的展覽與辦公空間;位處於水井廣場(Piazza della Cisterna)上的展示空間僅與新劇院步行不到5分鐘的距離,串連起地域與時間的連結;兩處需要專人引導的室內空間,分別鄰近新劇院不到2分鐘的步行距離,白牆紅磚地的地窖環境,星級飯店的頂層區域,保留18世紀的室內設計原貌,簡約單純的格局間隔開每件作品的獨特風格。

When you step into this contemporary gallery built inside this old classic theater, you will be greeted with a sense of time travel. The Cinema Teatro Nuovo in San Gimignano was a very popular location for the local community in the past, and after years of inactivity, it was renovated and maintained at the suggestion of Lorenzo to become the main exhibition and office space of the Galleria Continua. Another exhibit space is located at Plaza Cisterna only need 5-minute walk from the theatre to the place. Other the two interior spaces, each requiring a guide, are both located less than a 2-minute walk from the theatre, one is in a white-walled, red-brick cellar environment and the other one is on the top floor of a high-class hotel, preserving the original interior design of the 18th century, with a simple layout that separates the unique style of each work.

《The Ability to Dream》同時也是由sky Arte和TIWI協同執行的同名紀錄片企劃,由三位創辦人|馬里歐・克里斯蒂亞尼洛倫佐・菲亞斯奇毛里齊奧・瑞吉洛(Mario Cristiani, Lorenzo Fiaschi, and Maurizio Rigillo),作為旁觀者建構出的對話場域為主軸,匯集圖像、記憶和影像,穿插藝術家們、藝評家與整個工作團隊的訪問,流暢且鉅細彌遺地講述「常青畫廊」開辦至今32個年頭的豐富故事。

The Ability to Dream” is a documentary project co-executed by sky Arte and TIWI, which also shared the same title with the Joint exhibition. It’s a collection of images, memories, and videos, which is interspersed with interviews with various artists, art critics, and the important team members of Galleria Continua. Within the main axis of the dialogues which were constructed by the three founders — Mario Cristiani, Lorenzo Fiaschi, and Maurizio Rigillo as spectators telling the amazing and incredible story of Galleria Continua in its 32 years of operation.

畫廊不間斷且持續動態的經營型態,以「藝術家為本」的初心,多年來在藝術文化領域用心耕耘,致力於扮演推廣者與策展人的角色,並成為世界上多位重要藝術家的幕後推手。他們看重作品質量、與藝術家維持良好合作關係、獨具慧眼,更多的是協助藝術家突破創作路上的困境與不可能,建構出專屬於「常青畫廊」的經營之道。

With an uninterrupted and continuous dynamic business model. Based on “Artist-Centered” as the origin of the gallery, hardly harvesting in the field of art and culture for decades, committed to devoting the role as a promoter and curator, and later become the pusher for the careers of many important artists in the whole worlds. What they value more is the quality of creations, maintaining a good relationship with the artists, and having a unique vision of creation itself. More than that, the most important thing is that they help the artists break through the difficulties and impossibilities on the way of creation and build a way of management exclusive to represent “Galleria Continua”.


馬里歐(Mario Cristiani)曾在訪問中表示:
「當初成立畫廊的初衷,即是在最出乎意料的地方培育出有意思且具挑戰性的當代藝術。」

Mario Cristiani has said in an interview:
“The gallery was established with the intention of cultivating interesting and challenging contemporary art in the most unexpected places.”

如果方向對了就不怕路長,有了目標夢想就不遠,藝術有趣的地方就在於它並不會對事物的型態設限,凡事皆是可能的!當我們每個人在面對藝術創作,我們會受益於各種不同的身份角色。有很多時候,拋開預設立場的濾鏡、跳脫社會框架,非常規的應對態度可能也能夠成為做夢的有效工具,歷經跌跌撞撞洗滌誕生的果實,其中富含的價值與意義或許會帶領你蛻變成意想不到的樣貌。常青畫廊並不去嘗試定義「藝術」為何,而是藉由他們的角度來體驗超越時間、空間、距離和形體,對於「藝術價值」的獨一無二。

The interesting thing about art is that it does not set limits to the shape of things, everything is possible! We will benefit from our different identities and roles when we face the creation of art. There are many times when the unconventional attitude can be an effective tool for dreaming, leaving behind the filter of a pre-determined stance, and stepping out of the social framework, and the values and meanings contained in the fruit of a stumble and wash may lead you to transform into something unexpected. They are not trying to define what “ART” is, but to experience the uniqueness of “Artistic Value” through their point of view that transcends Time, Space, Distance, and Form.

撰文者:王雪靜/ Copywriting: Gogo.W

▎2022 義大利“最大最重要”當代藝術博覽會品牌 – 杜林【Artissima】 ▎

2022 The biggest and important Italian contemporary art fair・29th edition Turin“Artissima”

義大利當代藝術博覽會

自1994年成立以來,它結合了歐洲當代藝術市場存在的必要性,其創新的實驗策展方式在競爭日趨激烈的環境之中脫穎而出,並自成一格。

立處於義大利北部工業大城,杜林的當代藝術博覽會(Artissima)今年邁入第29屆,本屆集結了174家展商,69家義大利畫廊,105間海外畫廊(其中包含4間亞洲畫廊)*見圖,橫跨世界28個國家,匯集開展為期4天的國際性藝術盛會。

在歐洲各大藝博品牌競爭之戰裡(Art Basel、Frieze等),Artissima不以名牌取勝,而是以實驗性策展、極具前衛核心的合作模式以及多樣化的競賽獎項立足於競爭激烈的歐洲市場,確立與他牌截然不同的展會風格。每年平均吸引來自世界各地超過五萬名參觀人次,包含畫廊展商、藏家、策展人、博物館/藝術研究員、藝術愛好者、學生等,一場對於義大利當代藝術環境極為重要的盛會,年年會場皆充滿了創新、多變且熱情四溢的氛圍。

29 th edition

Artissima

後疫情時代的 【 Artissima 】更多是為藝術研究者與觀眾們帶來多樣化的展演型態與合作模式。

在歐洲各大藝博品牌競爭之戰裡(Art Basel、Frieze等),Artissima不已名牌取勝,而是以實驗性策展、極具前衛核心的合作模式以及多樣化的競賽獎項立足於競爭激烈的歐洲市場,確立與他牌截然不同的展會風格。每年平均吸引來自世界各地超過五萬名參觀人次,包含畫廊展商、藏家、策展人、博物館/藝術研究員、藝術愛好者、學生等,一場對於義大利當代藝術環境極為重要的盛會,年年會場皆充滿了創新、多變且熱情四溢的氛圍。


Artissima

藝博會
主要四個
架構

實驗創新導向,聚焦年輕世代


Artissima 藝博會主要分為四個部分:
主軸 Main Section,世界藝術產業中具資歷的代表性畫廊。(100間)
新血 New Entries,五年以下成立於國際間的新興畫廊。
對話 Dialogue,畫廊提出一至兩位藝術家,作品相互碰撞產生對話結構的主題形式。
藝術空間與版次 Art Spaces & Editions,不只聚焦於商業畫廊,包含藝術研究項目、非營利組織與出版社等專注於當代藝術出版品的特殊分類。


三部分由國際策展人團隊策劃專區:

設計Disegni:「個展」形式呈現,以展現真實性和平面作品的自主權。該區由義大利獨立策展人—Irina Zucca Alessandreli策劃,14位藝術家作品,分別由10間國際畫廊與4間義大利畫廊代表展示。

現在未來Present Future:關注國際藝術界新趨勢。由義大利獨立策展人—Saim Demircan、慕尼黑畫廊Kunstverein München總監—Maurin Dietrich共同策劃,匯集11位藝術家(10間國際畫廊與1間義大利畫廊)。

回到過去Back to the Future:聚焦於1960年代至今,當代藝術先驅們的專題項目,重新將藝術家帶回國際藝術對話的中心。由柏林藝文中心Haus am Waldsee館長—Anna Gritz、義大利獨立策展人—Balthazar Lovay共同策劃,10位藝術家(9間國際畫廊與1間義大利畫廊)。


2020年為因應新冠疫情造成的影響,展會將焦點投注於創建線上影音平台。【ARTISIMMA VOICE OVER】一項全新跨多媒體影音的企劃,今年在Fondazione CampagnIa di San Paolo合作贊助下順利執行,針對參與展會的所有藝術家與藝術工作者們進行廣泛的概述與訪問,透過「Podcase」、「頁面文字」、「採訪影片」等多媒體形式,提供豐富的深度報導,同時也讓其他地區的人有機會遠端參與展會。



總監Luigi Fassi於公開新聞稿中提到:「近年來,整個藝術界見證了其規則、交流模式以及專業人士與藝術愛好者之間的資訊互動模式的轉變,逐漸朝著多層次的轉型發展。儘管如此,所有人將面對如何經歷生活中變革性體驗的爆發?
這一主題則為 Artissima 2022 提供了核心靈感。」



Artissima 總監
Luigi Fassi


今年展會概念為「變革性體驗」,主題核心取自美國哲學家 Laurie Anna Paul (L.A. Paul:耶魯大學哲學與認知科學教授) 2014年在牛津大學出版社發表的書籍文章中提出的概念,所謂「變革性體驗」能夠從根本上改變生活在其中的人,以一種對未知的視角面對,試圖引發一場理性預期的危機,嘗試觸發更多潛藏於各領域尚未被提出討論的觀點與互動。

Artissima

十個獎項
與各業界知名企業合作

【Artissima】獨特風采,積極將各項資源與支持轉向投注於藝術家們與畫廊。

每一年都可以發現展會增設許多不同類型的獎項類型,2022年有四個主要獎項,兩個特別榮譽獎項(紀念藝術界傑出貢獻)與四個贊助獎項(增設贊助基金項目)。


四個主要獎項important prizes:

  • illy Present Future Prize (illy 當前未來獎),由國際評選委員會挑選當代被認為最具創新性的藝術家。[1]
  • FPT for Sustainable Art Award
  • VANNI occhiali #artistroom Award
  • Tosetti Value Award for photography

兩個特別榮譽獎項Honours:

  • Matteo Viglietta Award (new!)
  • Carol Rama Award

四個贊助獎項Institutional Supports:

  • OGR Award,與CRT 現代&當代藝術基金會(Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT)合作,由畫廊提出的作品中選擇一段影像。獲獎作品將加入基金會的收藏。
  • Fondazione Merz
  • ISOLA SICILIA 2022 (new!)
  • Ettore e Ines Fico Prize

[1] Illycaffè是一家義大利專門從事咖啡生產的公司,其總部和生產工廠位於的里雅斯特,現今在全世界皆可看到產品的影子。


Oroma Elewa, 2 prints on paper Baryta Hahnemuhle 315 g, mounted on dibond, 2022, Galerie In Situ – fabienne leclerc, photo credit: artissima

(left)Vasilis Papageorgiou, ceramic and steel, 2022, 56*36*2 cm, UNA, photo credit: artissima
(right)Dala NasserAnemone, 2022, 227 x 202 cm, Lenzuola, federe, tinture a base di ibisco e anemone, cenere, sale, nastro, ossido di ferro, acqua piovana

[主要獎項]第三屆Tosetti Value攝影獎由Oroma Elewa(巴黎In situ—Fabienne Leclerc畫廊展出)獲得,攝影作品被認為對於人類理解全球化歷史、社會和經濟狀況極為重要而榮獲殊榮。

[特別榮譽]新增設的Matteo Viglietta獎由Vasilis Papageorgiou(皮亞琴察UNA畫廊展出)取得,第三屆Carol Rama獎由Anna Perach(羅馬ADA畫廊展出)獲得,獎項鼓勵通過研究工作體現非傳統女性創造力與對藝術自由理想的藝術家。

[贊助獎項]新增設的ISOLA SICILIA 2022由Dala Nasser(慕尼黑Deborah Schamoni畫廊展出),鼓勵促進視覺藝術、攝影、多媒體、聲音藝術等領域的當代藝術研究者,是由展會與Fondazione Oelle合作誕生的贊助獎項。

Artissima

「變革性體驗」

Transformative Experience



Artissima













近年來各界都受到疫情的無情肆虐,數位藝術市場的興起,不少專業藝術研究者與資深藏家都不斷將視光轉向至看不見的投資領域之中,平面創作、雕塑等藝術類型在某一些時刻當中更是受到極大的衝擊。然而,隨著疫情的舒緩,市場同樣的以驚人的速度復甦著,龐大的金融數字在藝術市場中流竄著,2022年不管是在亞洲或者是歐洲藝術拍賣市場、藝博展會裡,超出預期的成交率,正以倍數增長。

義大利的當代藝術市場,穿梭在歐洲龐大的市場鬥爭中,經營像是Artissima這樣目標導向不同的博覽會是極為不容易的一項挑戰,面對具有龐大資金、資源、知名品牌的其他品牌,朝向潮流頂尖市場的過程可以說是困難重重,不過就是因為有著如此的差異,Artissima憑藉嚴謹態度篩選展商、邀請各方策展人、藝術研究者以多元化且宏觀的視角,跳脫傳統展會塑造的框架,將「藝術家」設定為主要角色,策劃多角度的對話場域。使策展人與畫廊方能夠不受限嘗試更多與眾不同的創意點子,捨棄了品牌迷思,作品價格不見上百萬歐元的高端作品,價格區間落在3千至5萬歐元之間。鼓勵新入門藏家有機會跨入收藏這扇門。

Artissima

MY FAVORITE
ART
COLLECTIONS

燒眼球的作品,不只拘限於平面畫作,複合媒材的裝置作品、與空間相互平衡的創作、前衛的數位影像等等。


觀賞各式創作的同時,通常我都只記錄下我個人感興趣的作品,有時候也會因為想要了解作品背後更多的理念與背景故事而去跟畫廊行政攀談。

購買藝術品這樣的消費行為,不管是對於剛入門的藝術收藏者或者是剛對藝術市場感興趣的人來說,藝術的好壞與其價值有許多說法,我們就跳過那些超專業的解析與見解,站在我那膚淺的立場上來看這片廣大的藝文界,我覺得所謂的藝術收藏必須要以個人的喜好與偏好去行動,當然我們可以藉由類似金融股票市場指標般的去參考許多大大小小知名拍賣公司、指標人物、商業畫廊、比賽等的新聞、發言、動向去進行藝術採購的收藏行為。

然而,對於小資族的我們,當手頭上有些額外可變動性的資金可運用時,就必須去思考究竟我的們消費行為的動機為何?為增值目的、自我滿足、潮流變動…等等。唯有清楚自己對於所謂藝術商業行為的想法,才有辦法稍微在這超商業行為的場域走在自己的道路上。

(單純是個人見解)

Oscar Santillan
Antimundo
2021
140*100cm
print on plexiglass in lightbox
Galleria Tiziana di Caro

Achim Riethmann
Stockrose III
2022
75*50cm
water color on paper behind painted glass
Gallery Russi Klenner



2022
Artissima










4-6 Novembre, 2020

OVAL, Lingotto Fiere

www.artissima.it

Press Area

四天,33,200名參觀人次。

174家畫廊,橫跨28個國家/4大洲,包含69間義大利畫廊+105間國際畫廊,42間新參展商。

展會共7個主題,包括3個策展項目,匯集約1,500件藝術品。

統計超過1,500名新進藏家參與其中,近8,000名VIP與800多名藝術專業人士,可見國際博物館館長、獨立策展人、學術研究員等。

▎巴塞爾藝術展:Paris+ par Art Basel《藝+巴黎》僅九個月的準備期,超出預期的好成績完美落幕。 ▎

▎〈Paris+ par Art Basel 〉got only nine months of preparation, and it ended with an amazing result that exceeded expectations. ▎

Robert Montgomery, Love is the revolutionary energy, 2021, installation, Sites PARIS par Art Basel, Danysz Gallery, photo credit© Gogo.W

「 巴塞爾藝術展(Art Basel)成功在巴黎重塑了一個真正的國際當代藝術博覽會。」

— 法國總統|艾曼紐・馬克宏 Emmanuel Macron
接受Art Basel訪問表示。

Paris+ par Art Basel 巴黎巴塞爾藝術博覽會於10/23(日)圓滿結束

接續在倫敦Frieze後的展會依舊充滿無限的可能性與活力,不僅以優秀的銷售金額完封五天的硬戰。長達一週的展會活動,除了重新帶動巴黎的當代藝術氣息,通過與巴黎文化機構的藝術項目合作,同時將20多件公共藝術品設置於城市各地,邀請所有居民與遊客都可以參與這城市美學巡禮。

從展覽首日10/19(三)截至10/23(日),連續五天吸引了超過 40,000名 貴賓與公眾參與首屆Paris+ par Art Basel。展會期間,法國總統—艾曼紐・馬克宏 Emmanuel Macron,法國文化部長—莉瑪・阿卜杜勒・馬拉克Rima Abdul Malak第一夫人—碧姬・馬克宏Brigitte Macron也花費兩個小時參與活動,仔細聆聽畫廊主們的詳細導覽,馬克宏總統更表示:「巴塞爾藝術展(Art Basel)成功在巴黎重塑了一個真正的國際當代藝術博覽會。」

「我堅信本週將象徵著法國藝術界的一個真正轉折點,將巴黎藝術文化齊聚一堂,向世界舞台展示這座城市的無限可塑性與發展性。」

— Paris+ par Art Basel總監|克萊門特·德萊平 Clément Delépine

「對於巴塞爾藝術展(Art Basel)來說,這是一個具有歷史意義的時刻。儘管準備期只有短短的九個月,從各方面來分析這場成功的展會儼然已成為一場精彩的表演。」

— Art Basel 巴塞爾全球總監|馬克・史畢格勒 Marc Spiegler

巴黎 vs 倫敦:哪一個首都能夠贏得藏家的心?

目前歐洲藝術經紀市場已經被英國退出歐盟一事,受到非常多的衝擊與損失,不管是疫情的肆虐導致低迷的收藏市場,或者是各界畫廊參與兩地的積極度與影響力更是不容小覷。英國脫歐對於藝術銷售事後「退稅」已變成一個值得思考取捨的問題。如今巴塞爾藝術公司取得巴黎大皇宮未來7年的營運權,剛剛旋風結束的藝術博覽會—Paris+ par Art Basel,順利奠定巴黎作為當代藝術市場的中心點,有更多的英美畫廊正在逐步規劃於巴黎市中心擴展更多空間。

根據最新的巴塞爾藝術展/瑞銀藝術市場的報告,去年英國在全球拍賣銷售中的分額從2019年18%下降至13%;反觀巴黎的銷售浮動從2021年的6%上升至9%。單就一件藝術作品的原始售價/定價,背後涵蓋的所有零碎支出(例如:稅務、運送、保險等)都隨著兩地的差異有巨大的變化,近期許多畫廊都分別在兩地開設展示空間/辦公室,以便於日後的行政事務接洽窗口。

《 Paris+ par Art Basel 》未來將重新命名!

巴塞爾藝術博覽會公司,為了將各地品牌做一個區分,今年不將巴黎的全新支線依循過去在美國、香港、瑞士等地,同樣命名為「Art Basel Hong Kong/ Miami/ Basel」,而是將“巴黎”一詞置於前方,而知情人士也表示該名稱並非肯定,下一屆有極大的可能性會更名。

2022年,後疫情時代能夠很明顯的觀察到整個藝術市場正在慢慢復甦,作品價格的正向漲幅更是讓許多資深藏家與藝術家對於平面畫作、雕塑品等傳統創作媒材有了更多的信心。

接續帶大家看看今年展會幾件重點作品:

George Condo 喬治・康度
The Dream (2022)
$2,650,000
豪瑟沃斯畫廊 Hauser & Wirth

Rashid Johnson 拉希德・約翰遜
Sanctuary (2022)
$1,000,000
豪瑟沃斯畫廊 Hauser & Wirth

Joan Mitchell 瓊・米切爾
Border (1989)
$4,500,000
卓納畫廊 David Zwirner

Jean-Marie Appriou
Flores astronaut x Papaver rhoeas (2022)
€60,000
Massimo De Carlo

teamLab
Matter is Void (2022)
$200,000
佩斯畫廊 Pace Gallery

全場唯一一件NFT作品來自日本科技團隊TeamLab Matter is life 一共7個版次


Paris+ par Art Basel 藝+巴黎
展期|2022年10月19日(三) 貴賓預展,10月20日(四)至10月23日(日)公眾展期
地點|巴黎臨時大皇宮(Grand Palais Èphémère)* 、戰神廣場(Champ de Mars)
購票|全票40歐,優待票27歐(以及其他更多優惠票價,詳情請至官網 https://parisplus.artbasel.com/tickets


▎首屆Paris+ par Art Basel〈藝+巴黎〉成功開出紅盤! ▎

▎The first Paris+ par Art Basel successfully opened a great starting point on the market on 19 October! ▎

© Patrick Tourneboeuf I Tendance Floue

「 每個人這幾天似乎都集中到巴黎,可以看見國際收藏家、策展人和各界名人。這些現象都與英國脫歐、巴黎正在復興相關;另一方面,畫廊主們上週在倫敦也十分活躍,現在我關注的正是倫敦與巴黎正處於很好的平衡關係,這將會是一場不錯的競賽。」

— 薩德斯・侯巴克畫廊創辦人|
塔德達・羅帕克 Thaddaeus Ropac 表示

Art Basel(巴塞爾)成功於本月19日(三)在巴黎打開全新藝博品牌的大門。

法國大皇宮自今年三月公布,大皇宮未來七年的招標案由MCH博覽會公司(Art Basel)拿下之後,各界紛紛期待這檔疫情後的大活動,緊接在剛結束的倫敦Frieze後,將會以什麼樣的姿態在大眾面前亮相。

19日,上午10點起,展場隨即環繞著活躍的買氣。現場可見許多國際著名的畫廊主、名人、記者媒體等,其中也可窺見幾位世界知名的藝術收藏家/藝術經紀人Maja HoffmannAlain ServaisXayier NielPatrizia Sandretto re Rebaudengo等人的身影。

「出乎意料的高出席率,極具國際化的藝術作品,能夠明顯感覺到與過去FIAC (巴黎國際當代藝術博覽會)之間的差異」

—豪瑟沃斯畫廊合夥人|
馬克・佩約特 Marc Payot 向記者說道

豪瑟沃斯畫廊順利將三位藝術家的作品找到藏家:George Condo(喬治・康度)The Dream (2022) 兩百六十五萬美金,Rashid Johnson Sanctuary (2022) 一百萬美金,Avery Singer Free Fall (2022) 八十萬美金,總價四百四十五萬美金(約一億四千萬台幣)。

George Condo, The Dream, 2022

歐洲藝術市場買氣似乎沒有被疫情影響,繼倫敦Frieze之後Paris+ par Art Basel(藝+巴黎)延續熱度,不少畫廊持續報出佳績。David Zwirner 開首日交出總價值約一千一百萬美金 (約三億五千萬台幣)的成績單,Perrotin 售出三位藝術家作品總價約四十一萬美金(約一千三百萬台幣),Galerie Lelong & Co. 與Gagosian 也同樣在展會首日獲得不錯的成績。

全場唯一一件NFT作品來自日本科技團隊TeamLab Matter is life 一共7個個版次,由英格蘭畫廊Pace代理,每件二十萬美金(約六百四十萬台幣),雖然近期區塊鏈市場低迷,仍舊成功售出2件,藏家收藏後可以自行更改作品內文字的組合排列。

巴黎臨時大皇宮作為本屆藝博的活動展場,匯集來自30個國家共156間畫廊共襄盛舉,Paris+ par Art Basel(藝+巴黎)品牌名稱未來將有可能會再修訂,團隊希望可以藉由這一次整體的宣傳效果,分析展後成績再來做更多的更動已取得最好的品牌定位。

巴塞爾這一次在巴黎一役打得不錯,除了增加名聲並同時提升了巴黎遊戲市場的戰力,順利鞏固與倫敦Frieze競爭姐妹城市的位置!


資料參考:the art newspaper


Paris+ par Art Basel 藝+巴黎
展期|2022年10月19日(三) 貴賓預展,10月20日(四)至10月23日(日)公眾展期
地點|巴黎臨時大皇宮(Grand Palais Èphémère)* 、戰神廣場(Champ de Mars)
購票|全票40歐,優待票27歐(以及其他更多優惠票價,詳情請至官網 https://parisplus.artbasel.com/tickets


▎10月帶你一探究竟,巴黎藝術全新面貌《Paris+ par Art Basel 藝+巴黎》 ▎

▎In October, I will take you to find out the new look of Paris art “Paris + par Art Basel Art + Paris” ▎


「 首屆巴黎展會甄選的參展藝廊陣容,展現了巴塞爾藝術展致力並呈獻傑出歷史作品及當代前衛創作的悠久傳統。匯聚許多賦予當今巴黎城市活力的藝廊,涵蓋不同市場領域,期待為展會添上獨一無二的巴黎特色。」

— 巴塞爾藝術展全球總監|
馬克・斯皮格勒 Marc Spiegler 媒體採訪說道

首屆《Paris+ par Art Basel 藝+巴黎》

Art Basel從瑞士巴塞爾首次延伸到藝術文化重鎮法國巴黎Paris,許多藝術大佬、畫廊主、藏家、藝術愛好者,大家都十分期待本週為期4天(10月19至23日)全新藝博會概念《Paris+ par Art Basel 藝+巴黎》。本屆匯集來自30個國家和地區,一共156間畫廊參與展會,61間於法國已有展示空間,95間則分布在世界各地,其中可見許多世界知名長青畫廊的身影,同時也包括初次參展的畫廊空間一同參與。

「一年一度,巴黎藝術盛事大變革」

法國巴黎大皇宮每年重要的檔期:10月份 FIAC(國際當代藝術博覽會) 與11月份 Paris Photo(國際攝影博覽會)皆由博覽會組織公司FIAC(母公司RX France,隸屬英荷RELX集團) 策劃執行,並在歐洲建立亮眼成績與聲望,一直以來以「法國」當代藝術博覽會之姿與瑞士Art Basel和倫敦Frieze三足鼎立。

然而在2021年新上任的總裁克里斯・德孔(Chris Dercon)一頓操作之下,於該年底提出空間使用公開招標。並於2022年初,確定由Art Basel母公司MCH集團取得法國大皇宮未來7年的營運資格,以總價1060萬歐元(約台幣3億3千萬)拿下大皇宮展場營運機構「法國國家博物館聯盟—大皇宮」提出的招標案。11月的國際攝影博覽會仍然由FIAC公司獲得執行權。

「Paris+ par Art Basel」
與其他巴塞爾藝博會以何不同?該如何參與?

巴塞爾全球總監馬克・史畢格勒(Marc Spiegler)曾經於媒體訪問表示,2018至2019年可見藝術產業的緊縮困境,該情況因新冠疫情一路延燒至2021年中後,不少資金投注紛紛退出遊戲,靜觀整體市場動盪與其變化。然而,馬克與集團則反其道而行,在大皇宮提出招摽一案時,大動作加入標案,預計於法國巴黎建立一個嶄新的品牌《Paris+ par Art Basel 藝+巴黎》。

photo credit ©Gogo W

新品牌由藝文資深工作者組織領導團隊,並由來自世界各地七位畫廊經營者與三位新生代藝術專家組成「評選委員會」:

總監:Paris Internationale巴黎國際展會的前任聯席總監—克萊門特·德萊平(Clément Delépine);常務總經理:法國佳士得副總裁—維吉妮・奧伯特(Virginie Aubert);副總監:曾擔任巴黎國際當代藝術博覽會(FIAC)副總監,畫廊主—馬克西姆・霍德金 (Maxime Hourdequin)組成。

由左至右:總監|Clément Delépine、常務總經理|Virginie Aubert、副總監|Maxime Hourdequin

有趣的是,團隊更是挖角到原本於巴黎國際當代藝術博覽會(FIAC)出任總監的珍妮佛・弗萊(Jennifer Flay)於2023年加入,擔任顧問委員會的主席一職。

珍妮佛・弗萊 Jennifer Flay, director of Fiac © Max Tetard

展會地點資訊

主展場設定於巴黎臨時大皇宮(Grand Palais Èphémère)* 以及戰神廣場(Champ de Mars),區分成兩個展區:「藝廊薈萃」(Galleries)匯集140間知名畫廊,作品以現代、當代藝術為主;「新藝初探」(Galleries Émergentes)由評選團隊挑出16間新晉畫廊,推出藝術家個展形式呈現,共156間藝廊參與。

本週在《Paris+ par Art Basel 藝+巴黎》舉行在即,巴黎周邊許多藝文機構也紛紛共襄盛舉,以多樣的合作型態推出不同主題內容與展演形式的活動項目。即使沒有時間前往大皇宮觀展,亦能夠在遊走巴黎街區時,無意間參與「城藝之旅」(Sites)在巴黎著名地標附近展出25件大型雕塑及裝置作品,藝術帶入生活的展演形式以行之有年,這一次在巴黎巴塞爾團隊的規劃下,藝博會與周邊活動能夠如何進行並會帶出多少持續效應?全都是團隊與整個歐洲大陸、巴黎藝術圈,大家期待發現到的!

「我的展前感想」:

藝術市場猶如股票市場般,皆是由頂端階層操動市場動向、價格浮動。不論從平面畫作、立體雕塑、大型裝置一路延伸到多媒體產物、概念藝術、行為藝術抑或者是近期熱議的NFT市場(Non-Fungible Token非同質化代幣)等等,一切都都是為了將所謂的藝術創作的各種形式產物,以金錢價值去定義它在所謂市場流動上的價值。當我們需要在這個產業當中以職業者的身份存在時,貨幣價值的高低就會在其中扮演了很重要的角色,即使在如何想要自身事外,以一種更無懼、無謂的態度來行走在這循環鍊裡,十分殘酷的事實即是「養飽自己」,金錢物質的必須,往往會將許多人看待一件美麗事物的視角變形,被扭曲過後的價值狀態很容易會被人云亦云的流言蜚語再次被重新塑形。

這邊特別為大家介紹
16位「新藝初探」
個展藝術家

Antenna Space|Yong Xiang Li

http://antenna-space.com/en/artists/liyongxiang/

Galerie Anne Barrault|Liv Schulman

https://galerieannebarrault.com/en/exposition/liv-schulman_galerie-2022/

Carlos/Ishikawa|Bendt Eyckermans

https://www.carlosishikawa.com/exhibitions/yellow-leaves/

Efremidis|Hannah Sophie Dunkelberg

https://efremidisgallery.com/exhibitions/mude-perde/#images

Heidi|Akeem Smith

https://www.heidigallery.com/p/akeem-smith-queens-street/

Instiuto de visión|Marlon de Azambuja

https://institutodevision.com/artistas/marlon-de-azambuja/

LC Queisser|Thea Gvetadze

http://www.lc-queisser.com/thea-gvetadze-iris-iberica

Marfa’ |Cline Aoun

https://marfaprojects.com/artists/caline-aoun/

Edouard Montassut|Niklas Taleb

Nicoletti|Josèfa Ntjam

https://nicoletticontemporary.com/artist/josefa-ntjam/

Parliament|Nile Noetting

https://www.parliamentgallery.com/nile-koetting-selected-works

Galeria Dawid Radziszewski|Agnieszka Polska

https://nkw.network/en/agnieszkapolska/

Sans titre|Jessy Razafimandimby

https://sanstitre.gallery/artists/jessy-razafimandimby

seventeen|Patrick Goddard

http://www.seventeengallery.com/artists/patrick-goddard/

Chris Sharp Gallery|Sophie Barber

https://www.chrissharpgallery.com/sophie-barber-_-a

Veda|Monique Mouton

https://www.spazioveda.it/artists/monique-mouton.pdf

資料參考:
https://parisplus.artbasel.com/galleries
https://artemperor.tw/focus/4701
https://artouch.com/art-market/art-fair/content-73849.html


Paris+ par Art Basel 藝+巴黎
展期|2022年10月19日(三) 貴賓預展,10月20日(四)至10月23日(日)公眾展期
地點|巴黎臨時大皇宮(Grand Palais Èphémère)* 、戰神廣場(Champ de Mars)
購票|全票40歐,優待票27歐(以及其他更多優惠票價,詳情請至官網 https://parisplus.artbasel.com/tickets


▎《Olafur Eliasson : Nel tuo tempo》創造屬於你的光影、色彩、時間、空間 ▎

▎Follow with Eliasson in creating your own light and shadow, color, time, and space in Palazzo Strozzi ▎

「這座非凡的文藝復興時期建築歷經數個世紀後仍然使我們敬佩,21世紀的今天,就讓我們不僅僅是作為參觀訪客,而是成為這檔展覽的聯合製作人 。」

“This extraordinary renaissance building has traveled through the centuries to great us here, now, in the twenty-first century – not as a mere host for art but as a co-producer of the exhibitions..”

— 奧拉佛・艾里亞森 Olafur Eliasson


一場展覽最需要的是觀展者的實際參與,伴隨著不同形式的反饋,以構成印象深刻的美學體驗。
What an exhibition needs most is the actual participation of the audience, along with different forms of feedback, to form an impressive aesthetic experience.


當科學遇見藝術美學,可想見是場無法被中止的對話,也無需被論證或剖析,因為它們的結合將會沿生出超乎想像的美妙產物。神秘的漩渦正緩步得透過藝術家縝密的計畫,逐一被巧妙創造出形體並實證在你的眼前。

When science meets artistic aesthetics, it is conceivable that it could become a dialogue that cannot be stopped, nor needs to be demonstrated or dissected, because their combination will produce wonderful products beyond imagination. The mysterious vortex is slowly moving through the artist’s meticulous plan, one by one, being cleverly created and verified in front of your eyes.

photo credit: Palazzo Strozzi – Copyright 2022 ©

冰島丹麥裔藝術家|奧拉佛・艾里亞森Olafur Eliasson,首次在義大利最大個展就選在佛羅倫斯當代藝術博物館-斯特羅齊宮Palazzo Strozzi舉辦,以雕塑和大型裝置藝術創造沈浸式體驗與空間聞名全世界,從千禧年代發跡至今在各國知名博物館皆可以看到他的展覽足跡,Netflix上熱門紀錄片《Abstract: The Art of Design》第二季第一集更是專門介紹這位「光之魔術師」。

Icelandic Danish-born artist | Olafur Eliasson, whose largest solo exhibition in Italy for the first time was held at the Palazzo Strozzi one of the important contemporary art museums in Florence, is famous for his sculpture and large-scale installation art creation immersion experience and space, and his footprints can be seen in well-known museums around the world since the millennium. Also, the first episode of the second season of the popular documentary “Abstract: The Art of Design” on Netflix is dedicated to this “Magician of Light”.


Just before now 2022, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W
Colour spectrum kaleidoscopo 2003, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W

跨度於光線、形狀、色彩、時間與空間之間,Olafur Eliasson試圖將自然的元素貫穿於展覽場域,重新組構現在與過去的樣貌。

Spanning between light, shape, color, time, and space, Olafur Eliasson attempts to reconstruct the present and the past by weaving natural elements throughout the exhibition landscape.


Tomorrow 2022, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W

藉由標題「在你的時間裡」(Nel tuo tempo) 可以很直接地理解到整個展覽是以「觀眾」作為核心,建立觀眾與裝置之間的對話,促使其成為作品的一部份。打破博物館/美術館與觀眾之間的規範與界限,一直是藝術家Eliasson創作歷程中主要的研究導向之一;不再以博物館為導向,不過度解釋說明作品,為其建立一個既定的思考方向,而是聚焦於觀眾本身,打造一種身歷其境的體驗裝置,豐富觀者的所有視覺感官。

Through the title of the exhibition “In your time” (Nel tuo tempo), we could directly understand that the entire exhibition is centered on the “audience”, establishing a dialogue between the audience and the installation, and promoting it to become part of the work. Breaking the norms and boundaries between museums and audiences has always been one of the main research directions in artist Eliasson’s creative process; no longer museum-oriented, not overly interpreting the works, but creating a predetermined thinking direction for it. Instead, focusing on the audience itself creates an immersive experience device that enriches all the visual senses of the viewer.


走進16世紀,歷史的迴廊,映入眼簾漂浮在空中的巨大橢圓形漩渦,模擬著海浪波紋的運動型態,形似被具象化的聲波,正隨著你游移的腳步,更替著它穿越光線到達你瞳孔的樣貌。

Walking into the 16th century, the historical corridor comes into the huge oval vortex floating in the air, simulating the movement of ocean waves, resembling a figurative sound wave, which is following your wandering steps, replacing the appearance of it passing through the light to reach your pupils.

《Under the water》2022
鋼架、 印花紡織品、再生聚丙烯捆紮帶、單頻燈
steel frame, printed textile, recycled polypropylene strapping, monofrequency lights
11x8m
由藝術家提供 courtesy of the artist


進入二樓的主要展場,以往都被包裹起來的窗戶結構,此次刻意被藝術家納入作品當中。光線穿透當時玻璃窗面,過濾窗格間細小的玻璃工藝紋路、氣泡孔洞被包覆進玻璃結構,原本無法被肉眼看見的「時間痕跡」,被套上夕陽般的顏色再次呈現文藝復興那時代下宛如貴族優雅迷幻的姿態。

Entering the main exhibition hall on the second floor, the window structure that is previously wrapped in the past, was deliberately included in the work by the artist this time. The light penetrated the glass window surface at that time, and the fine glass craft patterns between the filter panes, the bubble holes were wrapped into the glass structure, and the “traces of time” that could not be seen by the naked eye were once again covered with sunset-like colors to show the elegant and psychedelic posture of the aristocracy in the renaissance.

《Triple seeing survey》2022
投射燈,壁掛
3 spotlights, wall mounts
尺寸因地制宜 dimensions variable
由藝術家提供 courtesy of the artist


《Tomorrow》2022
投射燈,壁掛,投影布幕,彩色濾光玻璃
3 spotlights, wall mounts, rear-projection screen, color-filter glass
尺寸因地制宜 dimensions variable
由藝術家提供 courtesy of the artist


《Just before now》2022
投射燈,壁掛,鏡面箔,投影布幕,彩色濾光玻璃
3 spotlights, wall mounts, rear-projection screen, color-filter glass
尺寸因地制宜 dimensions variable
由藝術家提供 courtesy of the artist


穿越過投影布幕裝置後,6、7、9、10號房間的作品是整檔展覽最能夠體現自然環境議題的裝置。

其中9號房間帶出藝術家最經典著名的作品《美》,透過水和聚光燈的元素製作出看似簡單的裝置,黑暗的房間,水絲噴霧迴盪著聚焦光線,折射進入觀眾的瞳孔喚醒了「彩虹」;就如同藝術家所說:「這完全是在兩個位置之間來回走動的問題:看見彩虹、沒看見彩虹。看到亦或者沒看到!」 沒有人可以看到同樣的彩虹形成,走進水霧中成為美的一部份。

After passing through the projection screen installation, the works in rooms 6, 7, 9, and 10 are the installations that best reflect the natural environment issues in the entire exhibition.

Among them, Room 9 brings out the artist’s most classic and famous work “Beauty”. Through the elements of water and spotlights, a seemingly simple installation is created. In the dark room, the water spray reverberates with the focused light, which is refracted into the pupils of the audience and awakens ” Rainbow”; as the artist puts it: “it is a matter of fluctuating back and forth between two positions: seeing the rainbow, not seeing the rainbow, seeing and not seeing.” No one can see the same rainbow formation, walking into the mist of water and becoming part of beauty.

《Beauty》1993
聚光燈、水、噴嘴、木頭、軟管、幫浦
spotlight, water, nozzles, wood, hose, pump
尺寸因地制宜 dimensions variable
由藝術家提供 courtesy of the artist


Triple window 1999, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W
Solar compression 2016, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W
Red window semicircle 2008, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W
24 glass spheres 2022, exhibition view at Palazzo Strozzi, Firenze 2022. photo by Gogo.W

「藝術的本質本源於日常,科學與自然兩者之間密不可分的關係,在許多領域中都展現出它們相輔相成的角色,同時仍存在無法解釋論證的現象。」

The essence of art originates from everyday life, and inextricable relationship between science and nature has shown their complementary roles in many fields, while there are still phenomena that cannot be explained and demonstrated.


人為的燈光裝置與各種介質:色彩、水氣、空間、鏡面,隨著室外日光的進程、周圍環境的變化影響著每個人的參與體驗,完全投入於裝置情境之中,產生視角與時間點的對話結構。

Artificial lighting installations and various media: color, water vapor, space, mirrors, with the progress of outdoor daylight, changes in the surrounding environment affect everyone’s participation experience, fully immersed in the installation situation, resulting in a dialogue structure between perspective and time points.


《Firefly double-polyhedron sphere experiment 》2020
不銹鋼、彩色濾光玻璃、玻璃鏡面LED燈、電機、油漆
stainless steel, collour-effect filter glass, gllass mirror LED light,motor , paint
170cm
由藝術家提供 courtesy of the artist

《Colour spectrum kaleidoscopo》2003
不銹鋼、彩色濾光玻璃、玻璃鏡面LED燈、電機、油漆
colour-effect filter glass, stainless steel
180*75*200 cm
私人收藏 Private collection

我們對於藝術創作的理解,取決於個體本身的知識含量、生活體驗之間的發酵,面對當代藝術時,大多數的觀眾都過度依賴閱讀創作簡介,作品論述說明、導覽器的存在,不可否認在概念藝術領域裡,完整地剖析理解藝術創作的動機與理念是核心;然而,觀者與作品之間的連結,觀展體驗的過程,歷經消費內省後的產物,它可以是影像、可以是口述反饋、可以是內在的經驗連結,亦或者是與同行夥伴當下的記憶畫面。

Our understanding of artistic creation depends on the knowledge content of the individual and the fermentation between life experiences. When facing contemporary art, most audiences are overly relying on reading the introduction, the existence of audio-guide, it is undeniable that in the field of conceptual art, a complete analysis and understanding of the motives and ideas of artistic creation is the core; however, the connection between the viewer and the work, that process of viewing experience, is the product of introspection after consumption, which could be video, photo, could be oral feedback, it could be an internal experience connection, or it could be a memory of the moment with companions.

《Olafur Eliasson : Nel tuo tempo》展覽近20件集結歷年重要裝置與2022新作,在斯特羅齊宮基金會的大力協助之下,實踐藝術家對共享體驗與互動裝置的堅持,以不同的展覽型態構思,主要聚焦在觀眾的感官體驗,試圖跨越空間界限和物理限制,將展覽場域打造為一切元素的匯集點。

The “Olafur Eliasson : Nel tuo tempo” exhibition brings together nearly 20 pieces of important installations over the years and news in 2022. With the strong assistance of the Fondazione palazzo strozzi, the practice artist’s insistence on shared experience and interactive installations is displayed in different exhibition types. The concept of state-of-the-art mainly focuses on the sensory experience of the audience, trying to transcend the spatial boundaries and physical limitations, and make the exhibition area a meeting point of all elements.


Olafur Eliasson:Nel Tuo Tempo|奧拉佛・艾里亞森:在你的時間裡
展覽構思|Studio Olafur Eliasson
策劃推廣|Fondazione Palazzo Strozzi 斯特羅齊宮基金會
展期|2022年9月22日(四) 至2023年1月22日(日)
地點|Palazzo Strozzi斯特羅齊宮, Firenze
時間|週一至五10點-晚間8點,週四10點-晚間11點
購票|全票15歐,優待票12歐(以及其他更多優惠票價,詳情請至官網 https://www.palazzostrozzi.org/en/tickets-opening-hours/


▎黃金雕刻手|Fabio Viale 與義大利Arezzo市政府合作,推出雕塑個展【AURUM・黃金】全新概念:探索式城市藝術展演 ▎

▎outstanding sculptor | Fabio Viale cooperates with the Arezzo city hall to launch a solo sculpture exhibition named “AURUM” , a new exhibit concept: Exploratory Urban Show ▎

「我一直想讓 ”大理石“ 成為當代史上公認的創作材質。打破 ”先入為主“ 的成見,一直都是我作品的一個特點,是我持續創作的活力來源和熱情的所在。」

“I have always wanted “MARBLE” could become a recognized creative material in contemporary history. Breaking down “preconceived ideas” has always been a feature of my creations, and is also the source of my energy and passion for continuing to create.”

— 法比歐・維亞萊 Fabio Viale

親眼所見亦非真實,唯有近距剖析方能體悟
what you have seen might not be real, only taking a closer look could truly understand the truth.

該展由Guido d’Arezzo基金會與阿雷佐市政府聯合規劃,攜手Le Nuove Stanze文化協會合作舉辦。不將展演空間限制於密閉空間,而是將整座城市帶入擴大展演場域,藝術作品分佈在博物館和城市空間的不同地點 – 從市立現代美術館(Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea) 到 美第奇堡壘(Fortezza Medicea),從聖依納爵堂(Chiesa di Sant’Ignazio)到阿雷佐主教座堂(Arezzo Cathedral ) 。通過雕塑作品地點的安排設置,大幅提升公眾與城市之間的連結度,透過適當的規劃與引導,建構出一場古典與當代共存發酵的「探索式城市展演」。

The exhibition is jointly planned by the Guido d’Arezzo Foundation and the city hall of Arezzo, in cooperation with the cultural association Le Nuove Stanze. Instead of confining the exhibition space to narrow spaces, it brings the whole city into an open displayed area, with works of art distributed in different locations in the museum and urban space – from the Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea to the Fortezza Medicea, from Chiesa di Sant’Ignazio to Arezzo Cathedral (Duomo). Through the arrangement and set on the location of the sculpture works, the connection between the public and the city is greatly enhanced.


「黃金,具有一種超越其美麗的誘惑力:它就像海妖的歌聲,可以在工作時感受到它的吸引力。它的存在就好比大理石一般,能夠將我拉出時間領域,具有超越完美的形體,不忌諱地披露它的危險性。」

“Gold has a seductive power that goes beyond its beauty: it is just like a siren’s song, you could feel its attractive power while you work. it’s existence like marble, which could pull me out of time, to transcend its perfection to openly reveal its dangerousness. “

Fabio Viale 於開幕典禮受訪解釋道

photo credit: © GRUPPO EDITORIALE 2022

Fabio Viale, 1975 年出生於義大利科奈爾,現定居於杜林。
從16歲起就開始學習雕刻大理石,對於材料無限的熱情與愛好,促成他於年輕時期即為米蘭紀念公墓規劃建築元素與雕塑作品。

他的創作揭示了「大理石」這項材質在這幾世紀藝術脈絡當中的困境與限制的問題,試圖擷取歷史經典與現代思維融合延伸不同面向的產物。Fabio Viale 展覽經歷遍佈全世界,足跡從義大利、中國、俄羅斯之外,一路將觸角擴展至美國,近期回歸至歐洲各國進行公共展示,可譽為國際級的當代藝術創作者。

Fabio Viale, born in Cuneo, Italy in 1975, currently lives in Turino.
He began to learn to sculpt marble at the age of 16, and his boundless enthusiasm and hobby for the material led him to design architectural elements and sculpture creations for the Monumental Cemetery of Milan at a young age.

His creations reveal the predicaments and limitations faced by the material “marble” in the artistic context of the past few centuries, he attempts to capture the fusion of historical classics and modern thinking to extend different aspects of the product. Fabio Viale’s exhibition experience has spread all over the world, and its footprints have expanded beyond Italy, China, and Russia to the United States. Recently, it has returned to European countries for public exhibitions. he could be hailed as an international contemporary art creator.


Aurum 拉丁文譯為「黃金」,16世紀起義大利阿雷佐Arezzo,即有黃金之城的代稱,貴金屬加工技術即從文藝復興時期到近代工業時期起,累積發展,許多優秀的金匠工藝皆都出自於這座古城,在這邊所誕生的珠寶製品運送到文藝復興時期的佛羅倫斯和羅馬教廷,宗教珠寶的生產之路也開始了。

Aurum is translated as “gold” in Latin. In the 16th century, the uprising of Arezzo, Italy, was the name of the city of gold. Precious metal processing technology has accumulated and developed from the Renaissance to the modern industrial period. Many excellent goldsmiths are all craftsmen. All came from this ancient city, and the jewelry products born here were transported to Florence and the Curia Romana in the Renaissance, and the production of religious jewelry also began.

photo credit: Hestetika – Copyright 2019 ©

藝術家以「黃金」作為藥引,以建立多面向的對話空間,此次展覽陳設出近50件雕塑作品,每一件都被秘密地注入一克黃金,巧妙導入展覽主題「黃金」。如同上述提到的內容,這種柔韌且延展性強的材料,與阿雷佐是的歷史密不可分,作品本身的創作思維與材料本身即是一種「衝突礦物」,藝術家實驗性刻意建立起的交流對話,無形之間將時代與觀者串連在一起,宗教神話、物體型態、社會價值、文化歷史,自相矛盾的當今現實,每一種皆反映出人性對於社會批判和自我省思的差異維度。

The artist uses “gold” as a medicinal guide to establishing a multi-faceted dialogue space. This time there are nearly 50 sculptures are displayed in this exhibition, each of which is secretly injected with a gram of gold, ingeniously introducing the exhibition theme “gold”. As mentioned above, this kind of flexible and malleable material is inseparable from the history of Arezzo. The creative thinking and material of the work itself are a kind of “conflict minerals”, which the artist experimentally and deliberately established. Communication and dialogue, invisibly linking the time with the viewers, religious myths, object forms, social values, cultural history, and the contradictory reality of today, each reflects a different dimension of human nature towards social criticism and self-reflection.

Fabio Viale AURUM, exhibition view at Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea, Arezzo 2022. photo by Gogo.W

Fabio Viale AURUM, exhibition view at (from un to low, from left to right) Duomo, Fortezza Medicea, Arezzo 2022. photo by Gogo.W


Fabio Viale 的作品充斥著暗示性和挑釁性的創作理念,在探究古典藝術與當代美術脈絡的路上,藝術家參考了大量的文獻資料、藝術經典、現代社會觀點等,作為創作依據並試圖深究相互之間的矛盾關係,激發古典藝術和負面刻板印象的差異性,毫無忌憚地挖掘美與惡的衝突連結,試圖翻轉社會大眾對「刺青」的既定印象,同時為其探索出多面向理解的可能性。

Fabio Viale’s creations are full of suggestive and provocative creative concepts. On the way to exploring the context of classical art and contemporary art, Viale refers to a large number of documents, art classics, modern social viewpoints, etc. The contradictory relationship between them stimulates the difference between classical art and negative stereotypes, and unscrupulously explores the conflicting connection between beauty and evil, he tries to overturn the public’s established impression of “tattoo”, and at the same time explores the possibility of multi-faceted understanding.


Fabio Viale AURUM, exhibition view at Sala Sant’Ignazio, Arezzo 2022. photo by Gogo.W
Fabio Viale AURUM, exhibition view at Sala Sant’Ignazio, Arezzo 2022. photo by Gogo.W
Fabio Viale AURUM, exhibition view at Sala Sant’Ignazio, Arezzo 2022. photo by Gogo.W

挑選日常物品構築成屬於 Viale 的大理石宇宙|紙袋、紙飛機、輪胎、木製箱盒等,全都以大理石雕刻而成。經過 Viale 巧奪天工雕琢技術,眼睛所見並非常態所想,真實的存在開始挑戰你的大腦,一種全新創作維度就此誕生。

He chooses daily objects to build up his marble universe | paper bags, paper airplanes, tires, wooden boxes, etc., all carved out of marble. After Viale’s ingenious carving technology, what our eyes see is not what we think, the real existence begins to challenge your brain, and a new creative dimension is born.


Fabio Viale AURUM, exhibition view at Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea, Arezzo 2022. photo by Gogo.W

Fabio Viale AURUM, exhibition view at Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea, Arezzo 2022. photo by Gogo.W

Fabio Viale AURUM, exhibition view at Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea, Arezzo 2022. photo by Gogo.W

「我一直在尋找新的解決方案,經常從技術角度為材料創造更多創新的方法,同時我更是想讓 ”大理石“ 成為當代史上公認的創作材質。致力於打破 ”先入為主“ 的成見,一直都是我作品的一個特點,它表明了藝術作品的二元性,這正是我持續創作的活力來源和熱情的所在。」

“I have always sought out new solutions, often creating more innovative methods for materials from a technical point of view, and at the same time I want to make “marble” a recognized creative material in contemporary history. I committed to breaking the “preconceived” stereotypes, It has always been a feature of my work, it shows the duality of the work of art, which is the source of my energy and passion for continuing to create.”

— Fabio Viale


 


不論是復刻經典雕塑,再創異材質結構,跨越直覺偏見、類別和藝術流派成為另類媒介。大理石雕塑的可能性,藉由Fabio Viale的巧手被大幅提升到另一個高度。

Whether it’s recreating classic sculptures, recreating exotic material structures, or transcending intuitive prejudices, genres, and artistic genres, it becomes an alternative medium. The possibilities of marble sculpture have been raised to another level by the outstanding hands of Fabio Viale.


Fabio Viale Aurum|法比歐・維亞萊・黃金
策劃人|Lorenzo Cinatti 
展期|即日起,至 2022930日地點|阿雷佐市五個地點>Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea Fortezza MediceaChiesa di Sant’IgnazioArezzo Cathedral(Duomo)San Domenico
時間|週一至五11晚間7點,週六日/國定假日10晚間8點,週二休館
購票|全票8歐,Arezzo市民享有優待票價售票處|Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea 以及 Fortezza Medicea


▍宅在家逛遍「世界十大博物館」,「線上展覽」近看10件你不可不知的藝術品!World TOP 10 Must see & know Museums ▍

 ☾ 你不可不知|世界十大博物館鎮館之寶|線上看展|10分鐘視覺饗宴☾

518國際博物館日,世界各地眾多的博物館/美術館皆在當天提供免費入場、多元主題活動、串連企劃等等的活動形式來慶祝一年一次的藝文界盛事!

總的來分析,博物館與美術館的必要性,是為了保存文化歷史的存在,見證當下時代變化與文化變遷的公證人,蘊藏了知識、歷史、文化等3種無法量化的力量,或許說「翻轉世界」有點誇大其詞,但是博物館/美術館對於現今當代藝術文化的影響卻是不可小覷的。

近年來,眾多專業領域的佼佼者皆透過多元的合作形式,搭建起藝術文化跨領域的全新面向,不斷提出創新的開放環形學習方式,新興產物不管如何的創新新穎,皆是建構在舊產物之上或是進化原有的基礎概念上,這是無法質疑的。

廢話不多說,就讓我們來看看究竟世界知名的博物館,都蘊藏著什麼你還不知道的寶貝們呢?!

▼ 巴黎羅浮宮 THE LOUVRE, PARIS ▼

達文西《 蒙娜麗莎 Monna Lisa / La Gioconda》(1502-1503)

出自李奧納多・達文西Leornardo da Vinci 之手,堪稱是世界上最著名的油畫作品之一,已經被無數的歷史學家、藝術學者們研究或是延伸創作,為了就是追根究底隱藏在這位女性微笑背後的所有秘密與細節。

相信有很多人在看見原作時,會被它的尺寸驚嚇到,怎麼會那麼小?!它只有差不多 A1 尺寸的大小,重點是沒有人知道你在羅浮宮看到的蒙娜麗莎是真跡還是仿作!

Monna Lisa © 巴黎,羅浮宮 THE LOUVRE, PARIS
  • 名稱:蒙娜麗莎 Monna Lisa / La Gioconda
  • 藝術家:李奧納多‧達文西 Leonardo da Vinci
  • 年份:1502-1503
  • 媒材:油畫 oil on canvas 
  • 尺寸:77×53 cm
  • 典藏博物館:巴黎,羅浮宮 THE LOUVRE, PARIS

◣【羅浮宮線上展廳一】: https://collections.louvre.fr/en/plan
◣【羅浮宮線上展廳二】:https://www.louvre.fr/en/online-tours
◣【蒙娜麗莎延伸閱讀】:https://ed.arte.gov.tw/

▼ 聖彼得堡埃爾米塔日博物館
THE HERMITAGE, ST. PETERSBURG
(即為著名的冬宮) ▼

烏東《 伏爾泰坐像 Seated Voltaire 》 (1781)

法國新古典肖像雕塑家|讓-安托萬・烏東(Jean-Antoine Houdon) 描繪十八世紀有歐洲良心之稱的法國思想家、文學家、哲學家|伏爾泰過世前一年的姿態,其柔美細膩的刻畫手法,準確地將這位年紀高達八十歲的偉人生前的容貌刻畫為具象的形態。

優秀的大理石雕刻之所以會被稱之為傑作,不是因為刻劃的作者有多著名,而是在他雕刻刀下,那主角人物的人格特質與姿態樣貌是否有被細心地雕琢下來,不只是臉部紋路的線條,更是包括身段衣物的每處皺褶紋理。

雕塑家經歷過法國大革命、拿破崙興衰時期以及美國大革命時代,這些時代背景的轉變無一不成為他在創作上的沈穩;當細緻柔軟的輪廓被留在堅硬的石材上,你會不禁崇佩起藝術家的一錘一鑿一刻刀,同時也能夠將這位思想家深厚的文學底蘊模樣,留後世無限的想像與憧憬。

◣ 【博物館線上虛擬總導覽】:https://www.hermitagemuseum.org/

倫敦大英博物館 THE BRITISH MUSEUM, LONDON 

亞尼的死者之書 Book of the Dead (1300-1200 B.C.)

現代保存最完善的古埃及藝術品之一,作品長達24公尺,共運用60個章節來描述生死世界的種種歷程。

時代的書記官|亞尼以草紙記載《死者之書》,內容直接體現出古埃及人的生死觀,對於靈魂轉世的過程以鉅細靡遺的象形文字與速寫,凸顯出手寫篆刻的精緻紀錄。

故事章節中最為知名的段落為「秤心儀式 Weighing of the Heart」,口耳相傳人死後須接受審判,天秤兩端分別放置死者心臟與瑪特女神的羽毛,心臟重於羽毛則將會被猛獸吃掉;反之,則可獲得重生的審判場景。

  • 名稱: 亞尼的死者之書 The Book of the Dead
  • 年份:古埃及新王國時期 c.. 1550 BC 
  • 媒材:紙莎草紙 papyrus
  • 尺寸:54 × 39.3 × 49 cm
  • 文字:古埃及象形文字
  • 典藏博物館:倫敦,大英博物館 THE BRITISH MUSEUM, LONDON 

◣ 【大英博物館環景VR】:https://artsandculture.google.com/streetview/

開羅埃及博物館 THE EGYPTIAN MUSEUM, CAIRO 

圖坦卡門黃金面具 Mask of Tutankhamun (又稱死亡面具)
(圖坦卡門 1342-1325 B.C.)

這具埃及法老圖坦卡門過世後佩戴的面具,於1925年由英國考古學家霍華特‧卡特發現,現為世界上最著名的藝術品之一。

面具上的裝飾設計,時至今日仍然能夠看作前衛時尚藝術的元素。立體中空造型,合金與金箔製成,各式寶石、五彩玻璃鑲嵌於表層上作為雍容華貴的象徵;金色頭巾與鬍鬚上搭配著寶藍色的青金石,相間交錯的條紋排列為面具增添編織效果;配戴眼鏡蛇與禿鷹的皇家徽章,象徵圖坦卡門對上下埃及的絕對統治。

把所有看似俗氣的元素拼湊在一起,只需運用跳耀的配置設計,就可以把物件的價值深度大大提升,即使過了千年依舊將當時的豪貴氣息保存至今。過去沒有相機能夠準確的記錄下法老們的樣貌,而這張臉代表了法老的標準形象。

  • 名稱:圖坦卡門黃金面具 Tutankhamun’s mask
  • 年份:c.. 1323 BC
  • 媒材:黃金、彩色玻璃、寶石 Gold, colored glass and gemstones
  • 出土年份:1925
  • 尺寸:54 × 39.3 × 49 cm
  • 文字:古埃及象形文字
  • 典藏博物館:開羅,埃及博物館  THE EGYPTIAN MUSEUM, CAIRO

◣ 【博物館線上虛擬導覽】:https://virtualtour.museoegizio.it/
◣ 【埃及博物館官網】:https://museoegizio.it/en/explore/

佛羅倫斯烏菲茲美術館
UFFIZI GALLERY, FLORENCE  

► 波提切利《 維納斯的誕生 Nascita di Venere / The Birth of Venus 》

可說是到烏菲茲絕不可錯過的必看畫作之首,與波提切利《 春Primavera 》和達文西《 天使報喜Annunciazione 》看作是美術館三鉅作的鎮館之寶。

希臘神話中,從海洋泡沫中誕生的女神維納斯,左右兩側被三個人簇擁著,分別為左側風神 Zephyr 對她吹拂暖風並懷抱著一位女性(可能為花仙子Chloris),右側春神 Flora 出一席華貴的罩衫用以遮掩維納斯赤裸的軀體。

如仔細端詳角色肢體的話,異常的圓窄肩過長的手臂與頸部,會發現畫家的人物比例有點詭異,然而在光線陰影與柔和柔和輪廓線的輔佐之下,一切變更是那麼的自然無違和,好似那就是正常比例型態,瞬時感受到徐徐微風的吹拂、絲緞布料的觸感一般舒服愉悅。

而該作品的主軸核心並非故事意義上的《維納斯的誕生》,這個名稱的命名居然是在近代19世紀才被賦予。

  • 名稱:維納斯的誕生 Nascita di Venere / The Birth of Venus
  • 藝術家:山德羅‧波提切利 Sandro Botticelli
  • 年份:1483-1485
  • 媒材:蛋彩畫 tempera on canvas 
  • 尺寸:172.5×278.9 cm
  • 典藏博物館:佛羅倫斯,烏菲茲美術館 UFFIZI GALLERY, FLORENCE 

◣ 【《維納斯的誕生》環繞實景】:https://artsandculture.google.com/streetview/

紐約大都會博物館
THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART, NEW YORK   

►竇加《 舞蹈教室The Dance Class 》

擅長表現人體姿態的法國“偽”印象派畫家|愛德加・竇加 Edgar Degas (他曾說過,自己更像寫實派的一員),他眾多描繪芭蕾的畫作裡,大都會博物館擁有其中一幅《 舞蹈教室The Dance Class 》堪稱是鎮館之寶。

竇加超過數百件的畫作,題材都與芭蕾相關,不管是少女舞者的體態美感、剛柔並重的身段、優雅律動而飄逸的裙擺,那種將身體化作文字符號、在空間中建構律動感的發揮,竇加儼然成為一位藝術界的芭蕾大師。

《 舞蹈教室The Dance Class 》包含眾多人物,教師、舞者演員和其家人的組成,木質地板、扶手、大面落地鏡子等空間元素,快速地形塑出人物與空間之間的關係與氛圍。芭蕾大師|朱爾斯‧佩羅 Jules Perrot 於畫面中的角色,則是把「教室」具有教學導向的氣氛提升許多檔次,指導教育、培育菁英、傳承舞蹈精神的感覺,且能夠透過畫面感受到一二。

  • 名稱:The Dance Class
  • 藝術家:Edgar Degas (French, 1834-1917)
  • 年份:1874
  • 媒材:油畫 Oil on canvas
  • 尺寸:83.5X77.2 cm
  • 典藏博物館:紐約大都會博物館  THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART, NEW YORK

◣【大都會博物館作品介紹】:https://www.metmuseum.org/art/collection/search/438817
◣【大都會博物館環繞實景】:https://artsandculture.google.com/streetview/

紐約現代藝術博物館 MOMA
MUSEUM OF MODERN ART, NEW YORK  

►梵谷《 星夜 The Starry Night 》

MOMA被認為是全世界現代藝術收藏內容最好的博物館之一,館藏超過20萬件絕無僅有的藝術品。梵谷經典之作《 星夜 The Starry Night 》就是MOMA的中流砥柱,只要網路可以觸及的地方,大家一定看過深藍色天空與橘黃色星光閃閃躍動的《星夜》,或者是對於 Don McLean 演唱的Vincent 感到熟悉。

許多浮誇的動詞都可以套用在這件作品上,色彩充份的流動感、躁動捲曲的群星尾巴,營造出高強度的視覺張力,不同於常人看事物的線條表現,反而給予觀者產生富含節奏感的視覺體驗,梵谷的魅力就是如此迷人。

  • 名稱:星夜 The Starry Night
  • 藝術家:文森‧梵谷 Vincent van Gogh (Nederland, 1853-1850)
  • 年份:1889
  • 媒材:油畫 Oil on canvas
  • 尺寸:74X93 cm
  • 典藏博物館:紐約,現代藝術博物館 MOMA – MUSEUM OF MODERN ART, NEW YORK 

◣【《星夜》環繞實景】:https://artsandculture.google.com/streetview/
◣【MOMA博物館作品說明】:https://www.moma.org/collection/works/

梵蒂岡 梵蒂岡博物館 THE VATICAN MUSEUMS, ROME/VATICAN CITY   

► 西斯汀教堂 Sistine Chapel 穹頂溼壁畫 創世紀 Genesis (1508-1512)

米開朗基羅 Michelangelo,畫面皆取材於聖經開頭的章節,廣為人知的篇幅及為《創造亞當 The Creation of Adam》。

1980年代起,梵蒂岡的維護技術團隊就開始階段性的維護計畫,修復、清除數世紀以來的髒污與塵垢,畢竟濕壁畫的保存是十分漫長且受到多種自然與人為的威脅(氣溫、空氣、人的口氣、光線等等),能夠親臨現場屏氣凝神地品味壁畫的每一處,那種感覺是無法言喻的震撼與感動。

幸運的是,時至今日在台灣的我們可以透過教堂線上360度環景影像,直接將那種無法言喻的震懾帶進你的眼眸中。 

► 勞孔群像Laocoon cum Filiis (b.c 20-160) 

其故事曾被古希臘劇作家-索福克勒斯引用做為某齣劇作的主題,情節與特洛伊木馬有諸多的關聯,這件作品的發現,對於整個文藝復興的進程和該時期的藝術家們有著極深的影響,重新彰顯古希臘美學的獨特性。

©Photo credit: LivioAndronico (2014)

◣【西斯汀教堂線上展廳】:(超級酷)https://m.museivaticani.va/content/museivaticani-mobile
◣【梵蒂岡博物館線上展廳】: https://m.museivaticani.va/content
◣ 延伸閱讀:非池中【維護西斯汀教堂是一項永無止境的任務,一覽高成本的幕後工作】https://artemperor.tw/focus/2612 
◣ 延伸閱讀:非池中【西斯汀教堂穹頂壁畫,隱藏女性符號】 https://artemperor.tw/focus/1424 

馬德里普拉多博物館 THE PRADO MUSEUM, MADRID    

► 維拉斯奎茲 Diego Velázquez《仕女 Las Meninas》 (1656)

身處於黃金時代巴洛克時期的繪畫大師 維拉斯奎茲,運用人物視角的變化來翻轉畫面主角軸心,使你難以在第一眼猜出畫家在為誰作畫?

維拉斯奎茲也出現在畫面的左側,捲捲頭手拿油畫版與畫筆,直視你的雙眼。瑪格麗特公主(正中央那嬌小可愛的小女孩)因此成為全西班牙的國民女兒/公主,平日伴在其左右的侍從們,瞬時間變成畫作的核心人物的一部分。

仕女同時也是畢卡索狂熱的作品之一,為了研究畫家的繪畫手法與構圖塑成,對其進行超過三十幾次的解構分析、描繪、研究,為此也繪製出位於西班牙畢卡索博物館中,一系列創意版的仕女七十二變圖。

  • 名稱:仕女 Las Meninas
  • 藝術家:迪亞哥‧維拉斯奎茲 Diego Velázquez
  • 年份:1656
  • 媒材:油畫 oil on canvas 
  • 尺寸:318×276 cm
  • 典藏博物館:馬德里,普拉多博物館 THE PRADO MUSEUM, MADRID

◣【《仕女》作品細部介紹】:https://www.museodelprado.es/en/
◣【普拉多博物館官網】:https://www.museodelprado.es/en 
◣【博物館應用app】下載連結:https://www.museodelprado.es/apps/guia-del-prado 

雅典希臘國家考古博物館
NATIONAL ARCHAEOLOGICAL MUSEUM, ATHENS    

► 阿伽門農面具 The Mask of Agamemnon (1550-1500 B.C.)

19世紀由德國考古學家|海因里希‧施里曼 Heinrich Schliemann 挖掘出土,他對考古的熱愛與努力不懈,最終讓荷馬史詩中被認為是虛構的國度 (特洛伊、邁錫尼和梯林斯) 有機會重見天日,證實其真實性。

阿伽門農面具,典藏於希臘國家考古博物館,被譽為「史前時代的蒙娜麗莎」,於「邁錫尼」出土的黃金面具,成為該文明歷史最強大的見證。

  • 名稱:阿伽門農面具 Mask of Agamemnon
  • 年份:c.. 1550-1500 BC
  • 媒材:黃金 gold
  • 出土年份:1876
  • 尺寸:54 × 39.3 × 49 cm
  • 典藏博物館:雅典,希臘國家考古博物館 NATIONAL ARCHAEOLOGICAL MUSEUM, ATHENS

◣【希臘國家考古博物館線上展廳】:(3D空間圖製作的無敵精緻!我傻眼)


▍第18屆歐洲博物館之夜 Europea Museum Night,陪你來場博物館驚魂夜! ▍

 ☾ 歐洲博物館之夜|Nuit européenne des musées|Europea Museum Night|La Notte dei Musei ☾

▼ 2022 不可錯過的博物館盛會 ▼

一年一度的歐洲文化盛典【 歐洲博物館之夜 Nuit européenne des musées (法文) 】即將於本週六(5月14日)回歸歐洲大陸!本次歐洲40個國家近3000家博物館將共同響應這個年度盛會,祭出 ☛ 1 歐元 € ☚ 門票或是免費入場的優惠,吸引民眾攜家帶眷、呼朋引伴踴躍參與。

第18屆【歐洲博物館之夜】主視覺。© Ministère de la Culture

歷經疫情的肆虐而受到影響的兩年(其中包含一屆線上活動),2022年【 歐洲博物館之夜 】(簡稱:歐博夜)終於迎來意義非凡的第18屆,今年的歐博夜在整個歐洲大陸的藝術文化領域上都富含著不同層面特殊意涵,受到疫情關閉的博物館也都重拾戰袍,緩步的重啟開放營運之路。

活動起源於2005年,由法國文化部首次舉辦,爾後受到歐洲各國巨大的迴響,各城市舉足輕重的博物館、美術館也都紛紛跟進並延伸出許多活動共襄盛舉。每年【歐博夜】都會吸引大量的觀眾前去觀賞展覽、參與活動,同時也受益於聯合國教科文組織(UNESCO)、歐洲委員會(Conseil de l’Europe)、法國國際博物館協會(ICOM)以及眾多文化機構和媒體合作夥伴的贊助與合作。


「百分百取之於民,用之於民的全民藝文盛會。」


▼ 【 歐洲博物館之夜
European Museum Night 】
什麼樣的活動? ▼

平日不可能會加班的博物館、美術館都只會開放到5、6點,最多週末夜晚會將營業時間拉長至多到晚間8點,【歐博夜】就是把一切放大到極限,將延長營運時間至半夜,甚至到清晨時分的場館都有!

響應的延伸活動更是多元無極限!活動類型涵蓋星光展間參觀、語音導覽、趣味活動、工作坊、講座、電影放映、現場LIVE,有些地方更是邀請DJ表演、宵夜美食Party、品酒會等等的特殊娛樂場合,為廣大的觀眾群提供全面向的博物館體驗。(可以看作是臺北我們熟悉的 #白晝之夜,不過我們活動的號招廣度還沒有如此的深遠就是了。)

對於活動有興趣的朋友,可以透過官方的社交平台(Facebook TwitterInstagram )、社群媒體串連 #VivreLaCulture #NuitDesMusées 搜尋到更多相關的活動資訊,早一步安排週末夜的活動時程~

◣【 歐洲博物館之夜(Nuit européenne des musées)】官網
(主要還是以法國當地資訊為主,義大利的相關資訊還是要以各省份文化局的公佈資訊為準)

◣【 歐洲博物館之夜】各國博物館資訊及活動相關互動地圖


▼ 佛羅倫斯|羅馬|米蘭|資訊彙整

托斯卡尼大區】第一彈 ► 🤙🤙 佛村博物館驚魂夜 🤙🤙

🚩響應【歐洲博物館之夜】的博物館清單如下:
(票價破天荒只需要 💸 1 歐元 💸,特定博物館需要事先「排隊」、「線上預約」訂票,請大家多加留意官方網站!)

佛羅倫斯 Firenze

  • 【 烏菲茲美術館|Galleria degli Uffizzi 】夜間開放時間 19:00-22:00(最後入場時間為 20:30)官網請點
  • 【學院美術館|Galleria dell’Accademia】夜間開放時間 19:00-22:00(最後入場時間為 21:30)官網請點
  • 【巴杰羅國家博物館|Museo Nazionale del Bargello】夜間開放時間 19:00-22:00(最後入場時間為 21:10)官網請點
  • 【佛羅倫斯國家考古博物館|Museo archeologico nazionale di Firenze】夜間開放時間 20:00-23:00(最後入場時間為 10:15)官網請點
  • 【國立聖馬可美術館|Museo di San Marco夜間開放時間 18:00-21:00(最後入場時間為 20:30)官網請點

菲耶索萊 Fiesole

  • 【市民考古博物館|Museo Civico Archeologico夜間開放時間 19:00-23:30(免費開放,免費導覽,需要「線上預約」)官網請點

普拉托 Prato

  • 【路易吉·佩奇當代藝術中心|Centro per l’arte contemporanea Luigi Peccio】夜間開放時間 21:00-24:00(門票1歐元),除了場館展覽當天更將在晚間 21:20 播映越線片『 北方人 The Northman 』(英文原音、義大利文字幕)官網請點
  • 【紡織博物館|Museo del Tessuto夜間開放時間 21:00-24:00,官網請點
  • 【普拉托大教堂歌劇院博物館|Museo dell’Opera del Duomo夜間開放時間 21:00-24:00(門票1歐元)官網請點

皮斯托亞 Pistoia

  • 【皮斯托亞市民博物館Museo Civico d’arte antica夜間開放時間 21:00-24:00(免費入場,最後入場時間為 23:30 )官網請點
  • Museo dello Spedale del Ceppo 】下午 15:00-18:00 將由參與「藝術大使計劃」的皮斯托亞 F.Pacini 語文高中學生提供義大利語、英語、法語、德語和西班牙語的「特別導覽活動」(免費)

比薩 Pisa

  • 【比薩古船博物館|Museo delle Navi Antiche di Pisa 夜間開放時間 20:00-22:00(門票一歐元 )官網請點

利佛諾 Livorno

  • 【喬凡尼·法托里市民博物館|Museo Civico Giovanni Fattori Livorno 夜間開放時間 20:00-22:00 官網請點

► 更多資訊請點:https://www.intoscana.it/it/articolo/torna-in-toscana-la-notte-europea-dei-musei-2022/


【博物館之夜】第二彈 ► 🤙🤙 月亮冒險重返羅馬 🤙🤙

🚩響應【歐洲博物館之夜】的博物館清單如下:

  • 卡比托利歐博物館 Musei Capitolini|中世紀與文藝復興藝術+考古博物館
  • 馬爾蒂尼山中心 Centrale Montemartini|舊發電廠修建的雕塑博物館
  • 圖拉真市場-帝國論壇博物館 Mercati di Traiano – Museo dei Fori Imperiali|世界上最早的購物中心,現作為博物館對外開放
  • 和平祭壇博物館 Museo dell’Ara Pacis|為保護奧古斯都和平祭壇而建,並策劃經常性展覽
  • 布拉斯奇宮羅馬博物館 Museo di Roma|羅馬第一座市立博物館,透過捐贈予收購典藏藝術品的過程,現在主要是一座現代美術館
  • 羅馬拿破崙博物館 Museo Napoleonico|專門收藏拿破崙遺物的歷史博物館
  • 特拉斯維萊‧羅馬博物館 Museo di Roma in Trastevere|為市立博物館的一部份,後期多策劃經常性展覽
  • 皮耶特羅‧卡諾尼卡博物館 Museo Pietro Canonica a Villa Borghese|雕塑家 Pietro Canonica 的紀念博物館,為羅馬市立博物館一部分,羅馬市政府贈與藝術家的住所
  • 托洛尼亞別墅博物館 Musei di Villa Torlonia (Casina delle Civette, Casino Nobile, Serra Moresca)
  • 城牆博物館 Museo delle Mura|由市政府管理的博物館
  • 卡洛‧比洛蒂博物館 Museo Carlo Bilotti – Aranciera di Villa Borghese|當代藝術博物館,收藏義大利裔美國企業家 Carlo Bilotti 捐贈的收藏品
  • 喬萬尼‧巴拉科古雕塑博物館 Museo di Scultura Antica Giovanni Barracco|中古時期藝術博物館,典藏由收藏家喬萬尼‧巴拉科Giovanni Barracco 收購的系列作品
  • 市立動物學博物館 Museo Civico di Zoologia|義大利中部的自然歷史博物館
  • 羅馬共和國與加里波第紀念博物館 Museo della Repubblica Romana e della memoria garibaldina|為一座聯合博物館
  • 羅馬現代美術館 Galleria d’Arte Moderna|典藏羅馬近代藝術品的美術館
  • 卡薩爾‧德‧帕齊博物館 Museo di Casal de’ Pazzi|屬於一座考古學博物館
  • 羅馬天文館 Planetario|於2022年4月重整對外開放,設立於羅馬文明博物館之中

*MIC卡持有者將可享有門票免費的優惠,其中天文館將限制參觀人數,因此請務必了解詳細資訊。

(關於 MIC卡的相關資訊,請點

◣ Hashtag 以下的關鍵字,追蹤更多網紅景點與活動資訊:#museiincomuneroma #NdMRoma22

► 更多資訊請點:https://www.museiincomuneroma.it/


►【博物館之夜】第三彈 ► 🤙🤙 星光熠熠非凡米蘭 🤙🤙

米蘭主要博物館、紀念性觀光景點、紀念公園和國家古蹟遺址等地,各場館一樣將開放時間延長到夜間,並提供 💶「一歐元」💶 的超低價門票。

🚩眾多公私立的博物館、美術館當中,最值得一提的場館就是下列三個場域:

  • 【感恩聖母堂|Museo del Cenacolo Vinciano 】展有到義大利必看之作,《達文西‧最後的晚餐 Ultima Cena da Leonardo Da Vinci》
  • 【布雷拉畫廊|La Pinacoteca di Brera】收藏中世紀至二十世紀初的畫作,收藏義大利繪畫藏品最重要的地點之一
  • 【斯卡拉廣場畫廊|La Galleria d’Italia in Piazza della Scala】米蘭現代和當代博物館

🚩【感恩聖母堂|Museo del Cenacolo Vinciano 】的星光開放時間為晚上7:00至10:00(最後入場時間為晚上9:45),需事前在官網上進行「預約」(請點  cenacolovinciano.vivaticket.it  )。

🚩 5月14日+5月15日|米蘭開放日

第七屆 #OpenHouseMilano 將在這個週末對民眾開放,提供「免費導覽」活動,有機會參觀平常無法進去的那些具有建築價值的公共與私人建築群,深入了解米蘭的現代與當代建築遺產,重新發現自古以來的藝術與文化豐富性。

►更多米蘭開放日資訊請點: https://www.openhousemilano.org/

🚩週末戶外綠色生活之旅

除了藝文展覽、音樂會、景點開放、馬拉松等等的活動之外,更是將娛樂觸角延伸綠色大自然之中,充滿芬多精的森林之旅絕對是生活中缺一不可的腦內養分。

►更多瀑布路線資訊請點:https://www.eventiatmilano.it/2014/07/speciale-turismo-le-cascate-in-lombardia/

🚩 2022年 #BestWineStars 只在米蘭冰宮|週末與大夥一起品酒

米蘭最受矚目的年度品酒盛會 Best Wine Stars nel Palazzo del Ghiaccio

  • 超過 250 家酒廠公司,擁有超過 2000 個酒標品牌
  • 3000 位賓客與行業運營商、經銷商、同事、葡萄酒愛好者等建立關係
  • 12場專題講座班,行業專家將解釋一些最受歡迎的葡萄酒背後的歷史和技術
  • 精選5個美食攤位,豐富品嚐體驗

►入場票卷折扣連結:https://www.bestwinestars.com/pagine.php?id=46 (金額折扣5歐元)
►更多冰宮酒展資訊請點: https://www.bestwinestars.com/

►米蘭更多週末娛樂資訊請點: www.beniculturei.it/evento/notteeuropeadeimusei-2022